bala perdida

Third Dimension Second Coming

2009-10-27T19:15:00.003Z

Pois é, após meses a fio de ausência, um dos fundadores da Bala - quem sabe até, possivelmente, o mais querido dos nossos leitores assiduos - regressa para postar amostras de novos trabalhos que a Bala tem feito! Desta feita a Bala aventura-se pelas representaçoes arquitectónicas hiper-realistas sempre com o toque pessoal ao qual já acostumamos os nossos seguidores e fans do nosso trabalho! Com este nova chamada à realidade espero conseguir incitar aos outros fundadores a deixarem o seu já demasiado hiato postal e que regressem à actividade neste nosso tao querido Blog!

Quanto às imagens passo a explicar que as 3 primeiras pertencem a um projecto de um Centro de dia! A ultima imagem que é exterior nocturna pertence a um projecto realizado pelo gabinete de arquitectura no qual trabalho enquanto nao estou a criar obras de arte para a Bala Perdida, e é um Centro de Luta contra a Esclerose Multiple - sem qualquer paralelo com o filme do Brad Pitt, que por sinal teve hoje um acidentezinho na sua nova motoreta (informaçao cortesia dessas tao amadas informaçoes diárias do site MSN, à saída do Hotmail)!

Espero que gostem e bemvindos de volta!

Mulheres Traídas

2008-11-19T23:02:00.006Z

Maria José Silva não é aquilo que parece...
Assim poderia começar mais uma crónica de Carlos Antunes e Vítor Torrinha. Maria José Silva tem uma mercearia bem no centro do Porto. Maria José Silva nasceu a 3 de Agosto de 1937, na freguesia da Junqueira, Vila do Conde", segundo consta na sua página oficial. Maria José Silva escreve, realiza, compõe a música, produz e, em alguns casos, protagoniza filmes de ficção.

Não estamos aqui a falar das corriqueiras películas que podem ser apreciadas no conforto de qualquer pós-moderno multiplex de centro comercial ao som de pipocas e sorvidelas de cola, mas sim de uma linha de montagem e fabrico caseiro, assim como os enchidos que enfeitam as prateleiras da mercearia de Dona Maria, ali prós lados do Jardim de São Lázaro. Com as contribuições de familiares e conhecidos tem sido possível, ao longo das duas últimas décadas, primeiro em VHS, depois no MovieMaker, compôr um corpo de trabalho significativo e com cópias disponíveis (bem como algumas das bandas sonoras) ao balcão da sua mercearia. Títulos sugestivos como Os Velhos Não São Trapos, A Vida Sem Amor Não Presta ou, bem a calhar, Aconteceu no Natal.

Este micro-fenómeno de interesse sociológico tinha já há alguns anos, por via de uma reportagem da SIC, extravasado a pequena comunidade de clientes, amigos ou conhecidos que gravita em torno da mercearia de Dona Maria. Surge agora, porém, um documentário (vencedor da categoria correspondente nos Caminhos do Cinema Português de 2008) que aprofunda esse olhar sobre a obra de Maria José Silva, registando o processo de rodagem do seu último opus, Mulheres Traídas (tecnicamente, uma média-metragem).

Seria muito fácil apontar o dedo, até gozar com os muitos defeitos óbvios de Mulheres Traídas, (até o nome) abordando o filme segundo o que se entende como uma perspectiva "convencional" de apreciação de cinema. Assim à maneira de um "tesourinho deprimente". Mas o documentário complementar - de Miguel Marques - que acompanha Mulheres Traídas (com rodagem nas FNAC por todo o país) é exemplar na sua defesa, não porque tome declaradamente qualquer partido sobre o cinema de Maria José Silva, mas porque ilustra q.b. o trabalho, a dedicação e o interesse de um grupo de pessoas, nos antípodas da malta porreira do cinema, reunidas para fazer acontecer a visão de uma merceeira-poeta-compositora-letrista-cantora-realizadora.

E isso é infinitamente mais cinema do que, por exemplo, o Saw V.

Choke

2008-09-25T22:08:00.011+01:00

Há uns anos atrás, em 1999, ainda no Século XX portanto, a extinta revista Face portuguesa (alguém se lembra?) fazia capa com o Brad Pitt em pose cabedal cool a propósito do novo filme de David Fincher, Fight Club. A curta existência desta publicação teve ao menos o condão de aguçar o meu interesse por tal película, especialmente através dos estranhos anúncios (parte da genial campanha de promoção do filme) que acompanhavam a transcrição da entrevista ao futuro senhor Jolie. O mais intigrante deles reproduzia uma imagem do Edward Norton deitado de lado no sofá com a boca aberta, umas olheiras de meio metro à volta dos olhos e a intrigante frase

não, não podes morrer de insónia.

Foi este o meu primeiro contacto com o imaginário do escritor norte-americano Chuck Palahniuk, autor do homónimo livro que o argumentista Jim Uhls adaptou para Fincher filmar em grande estilo. À saída daquela sala de cinema de província nesse longínquo ano de 1999 afigurou-se como evidente a necessidade de conhecer mais sobre a figura por detrás desse chorrilho de provocações incorporado em celulóide. Sem ser um grande sucesso de bilheteira, Fight Club não deixou ninguém indiferente, para o bem ou para o mal, sendo nos dias de hoje, quase uma década depois, apontado por muitas cabeças pensantes como o filme definitivo da geração Y (não confundir com o suplemento pseudo-culto-urbano do Público). Uma lista publicada pela revista britânica Empire há pouco tempo (mais ou menos anteontem) com os 500 melhores filmes de sempre coloca o filme num muito prestigioso décimo lugar.

Palahniuk, que escreveu Fight Club enquanto trabalhava como mecânico, depois de ter visto recusada a publicação do seu primeiro manuscrito (Monstros Invisíveis, publicado posteriormente, em 1999, editado em Portugal pela Casa das Letras), tem já uma série de romances publicados, afirmando-se hoje como um autor de culto nos E.U.A. e além-fronteiras. Após o semi-sucesso do filme que adaptava Fight Club, Survivor (Sobrevivente, também editado em Portugal pela mesma editora), uma estrambólica história sobre cultos religiosos, linhas S.O.S. Suicídio e conselhos de limpeza para fornos micro-ondas, narrada em flashback pelo protagonista enquanto pilota um avião desviado numa missão suicida, seria a próxima obra a adaptar ao cinema. Mas os acontecimentos de Setembro de 2001 fizeram com que os produtores do filme abandonassem o projecto, receando que alguém relacionasse as duas coisas e em seguida o Pentágono começasse a bombardear a casa de Palahniuk com o intuito de descobrir as armas de destruição maciça que ele guardaria numa arrecadação do quintal, junto do adubo para as leguminosas.

Após uma série de rumores sobre adaptações de outros romances que invariavelmente acabavam em desmentidos, Clark Gregg, um actor secundário de séries de televisão e cinema pegou em Choke, tomo quarto da bibliografia de Palahniuk, com o intuito de o transformar em película. Choke (Asfixia, também editado no nosso país pela Editorial Notícias, na colecção Made in U.S.A.) trata da vida um tanto peculiar - como sempre nos livros de Palahniuk - do seu protagonista, Victor Mancini, um viciado em sexo em (suposta) recuperação, que divide o tempo entre o emprego, num parque temático que reconstitui uma vila colonial americana, e visitas a uma mãe que já não o reconhece, internada num lar para idosos com problemas mentais. O título do romance remete para uma outra, menos digna, actividade que Victor exerce em restaurantes finos: provocar o sufoco através da ingestão de grandes pedaços de comida, deixando-se ser salvo pelo providencial bom samaritano com o qual estabelece uma momentânea relação de maternidade que nunca terá conseguido estabelecer com a própria mãe.

Os romances de Palahniuk partem sempre de um dispositivo do género, personagens que vivem nas margens da sociedade e que se envolvem em actos burlescos, grotescos, muitas vezes verdadeiramente escabrosos. Muitos críticos referem depreciativamente que o que Palahniuk escreve é junk food. Não deixa de ter alguma verdade essa afirmação, mas para o escritor norte-americano esse lixo é apenas mais uma matéria-prima que ele trabalha para construir narrativas cuja estrutura e temas não fogem muito do romance americano clássico (esperemos que não apareça por aqui algum estudioso das Letras para me meter no meu lugar). Os resultados variam. Choke não será dos seus melhores livros (os meus preferidos: Survivor, Fight Club e Haunted), mas o virar da última página deixa sem dúvida uma série de cenas marcantes na nossa cabeça. Vamos esperar que o filme consiga fazer alguma justiça a essas imagens. A estreia em Portugal está prevista para... parece que ainda não se sabe bem quando. É esperar.

Se alguém estiver interessado em saber mais sobre a escrita de Palahniuk, há um pequeno conto disponível aqui. É um excerto retirado de Haunted, livro que que funciona como uma espécie de compêndio de histórias de horror. O conto está alojado no site de fãs do escritor (com carradas de informação), que Palahniuk, provando que é bem fixe, nomeou como o seu site oficial.

Venham Mais Três

2008-09-05T10:51:00.003+01:00

A equipa Bala na Cité (Lamego).

Precisamente hoje, perfaz este blog três anos. Três longos anos. Tão longos que se olha para trás e, além desta estante atolhada de livros que está aqui, não consigo vislumbrar mais nada. Bem, talvez fragmentos da parede que está por trás. Transcrevendo o post que deu início à viagem, acabo este que celebra a anual trilogia.

"Começou o blog mais fixe da zona."
Mari, Cité

Payne

2008-08-01T16:36:00.016+01:00

Na sua demanda por lucros nunca dantes imaginados (necessários para financiar um estilo de vida cujos pilares fundamentais são a coca e o champanhe Cristal) os estúdios de cinema norte-americanos têm-se virado essencialmente, nos últimos tempos, para o aproveitamento e/ou reciclagem de produtos de sucesso, tanto no seu próprio segmento (as sequelas) bem como em outras áreas próximas: êxitos livreiros - Harry Potter, Senhor dos Anéis, Príncipe com Caspa - figuras de acção - G.I. Joe, Transformers, o próprio Bruce Willis é uma espécie de boneco articulado - BD - desde o Batman "noiré" até ao "emo-Spiderman" em tons de rosa, um autêntico filão que só agora começa a ser explorado com algum discernimento (ver o dossier Demolidor, ou como se transforma uma das criações mais interessantes do mundo aos quadradinhos numa pastelada encabeçada pelo pastelão-mor Ben Affleck), etc.

Há relativamente pouco tempo julgou-se ter descoberto um novo filão: os jogos de computador/consola. O primeiro filme de que me recordo (nessa onda) é o Doom (2005), a adaptação para o cinema do jogo com o mesmo nome, uma epopeia de massacre alienígena aos comandos de bazookas que disparam raios nucleares, ou coisa que o valha. Ora, acontece que passar duas horas metido num canto do quarto com as luzes apagadas (para criar ambiente propício) a matar essa bicharada toda ao som de música industrial composta pelos NIN, não é exactamente o mesmo que "ver" três ou quatro actores a fazer o mesmo no ecrâ de uma sala de cinema. Durante o filme, à aproximação dos primeiros seres do outro mundo a abater, a tendência é para procurar instintivamente com a mão direita o toque do rato/comando, premir durante 2 segundos o botão de ataque secundário e esperar que a granada de fragmentação faça o resto. Ao invés disso, no filme os heróis escolhem sempre a arma errada e um dos elementos secundários da equipa acaba por perder a vida de forma inglória (normalmente, o que pertence a uma minoria étnica - ver também o que acontece no Transformers).

Diferenças gritantes entre o filme e o jogo.

A não-interactividade da experiência cinematográfica (para além dos esporádicos grunhidos da audiência que interferem com os efeitos sonoros produzidos pelo sistema surround) condiciona a transposição directa de produtos que funcionam à base do matraquear incessante de botões até deixar a pele dos dedos em carne viva. Surge então a necessidade de produzir um elemento muitas vezes estranho ao mundo dos vídeojogos (e de muito cinema americano recente também): o argumento. Tal como Doom, outras posteriores adaptações de jogos de grande sucesso não souberam respeitar esta regra e falharam miseravelmente (a nível de público - mesmo contando com a base de admiradores do videojogo - e reconhecimento crítico), como o recente Hitman (2007) - do jogo onde se passam muitas horas a estrangular malta com cordas de piano - ou a trilogia de banhadas Resident Evil (2002/4/7). Ou ainda o visualmente impressionante mas extremamente secante Silent Hill (2006), realizado por Christophe Gans (de quem recomendo vivamente o espatafúrdio espectáculo de kunf-fu esotérico com lobisomens - e Mark "Corvo 2" Dacascos, e a Bellucci - na França do Séc. XVIII, O Pacto dos Lobos).

A esperança em que surja algum filme de jeito no meio deste novo filão de adaptações (porque, evidentemente, não as vão deixar de produzir) vira-se então para os vídeojogos que possuam logo à partida uma história interessante e algo profunda/complexa. Há alguns anos atrás esta última afirmação era concerteza um contrasenso, tirando as excelentes aventuras gráficas da Lucasarts que preenchiam tardes (e noites) da adolescência com os Nirvana na aparelhagem a substituir os bips irritantes do PCspeaker. Porém, hoje em dia não se pode pensar da mesma maneira, pois até um género "clássico" dos videojogos como o FPS (First Person Shooter) da Segunda Guerra Mundial vai buscar elementos narrativos e de construção/encadeamento de cenas ao cinema - quem jogou o Medal of Honor e viu o Resgate do Soldado Ryan (1998) ou a série Band of Brothers (2001) já não sabe ao certo que partes é que pertencem a cada um dos três.

Max Payne redefinindo o termo ironia.

Todo este blábláblá serve essencialmente como enquadramento para a estreia (em breve) de mais uma adaptação de um vídeojogo para cinema. A diferença aqui é que pela primeira vez as expectativas (as minhas, pelo menos) são algo elevadas, porque se trata do grande Max Payne. Quem é este gajo com um nome ao mesmo tempo genial/totalmente idiota? É o protagonista de um vídeojogo noir, um polícia meio abrutalhado com um perfil semelhante ao do Ricardo Rocha, veste gabardine com forro interior de pele de leopardo onde guarda duas (pistolas com muito estilo) Beretta. O apelido Payne é uma referência ao facto de lhe terem morto a mulher e a filha (muito Steven Seagal). Quando Max Payne está ferido (no vídeojogo), não come hambúrgueres nem "corações que rodopiam no chão", nem medikits ou coisa que o valha. Max Payne recolhe analgésicos (painkillers) que de algum modo remediam a sua dor física e espiritual. Durante os tempos de carregamento das várias fases do jogo surgem vinhetas de BD, estilo novela gráfica, que enriquecem a narrativa do jogo, ao mesmo tempo que, sobre uma camada de piano melancólico, a voz de Payne, o nosso narrador na primeira pessoa (muito à noir), reflecte sobre a sua vida miserável e as 527 pessoas que vai ter de matar para pôr tudo nos eixos. Durante o decorrer desta odisseia sanguinolenta por noites cheias de neve numa cidade meia Nova Iorque, meia Chicago, sucedem-se duplas e triplas traições, desfiles de mulheres fatais e gangsters sebosos com sotaque italiano, quartos de hotel a cair aos bocados e, finalmente, inúmeras sequências de tiroteio em câmara lenta que parecem copiadas do Matrix, ou então foi ao contrário. Ah, e há um nível do jogo muito tripante que se passa num pesadelo dentro da própria cabeça do Max, enquanto ele ouve o choro do bébé e os gritos da sua mulher.

À esquerda, Payne. À direita, Marky Mark in da house!

Resumindo: Max Payne (e a sua sequela, The Fall of Max Payne) é um vídeojogo do caraças porque se disfarça como um belo de um filme noir, mas com a possibilidade de se distribuir balas pelos gajos que chateiam muito. Será que o filme conseguirá atingir ao menos uma réstia da excelência do jogo, recuperando esse espírito noir que o distinguia dos demais "tiro-neles"? A ver pelo trailer, até se acredita nisso, mas de súbito aparece o Mark Wahlberg como Payne e não consigo pensar numa escolha pior para protagonista (uma sugestão bem melhore caso se faça um segundo episódio: Michael Madsen). É dar uma olhada no trailer abaixo e esperar pela estreia (dia 17 de Outubro nos states) a ver se vale a pena. Entretanto, recomendam-se os dois jogos do Payne, para quem ainda tem tempo para isso, entre preocupações com a recessão económica e as declarações do Presidente da República sobre o estatuto autónomo dos Açores.

RUC: O Adeus

2008-07-31T16:10:00.035+01:00

Natal de 63. A minha cara de felicidade traduz a melhor prenda de sempre.

Amigos/as e companheiros/as:

É com grande tristeza que vos anuncio a minha saída voluntária dos estúdios da Rádio Universidade de Coimbra.
Neste post poderão ler o meu comunicado oficial à Direcção de Programação da mesma, e compartilharei também alguns momentos fotográficos que acompanharam o meu percurso radiofónico...
Não vale a pena estender-me mais, pois os elementos expostos falarão por si.

See you in another life!

Aos 16 anos descobria o fantástico mundo da radiofonia, acompanhado por uma bebida refrescante.

"Boas,

Venho deste modo informar a Direcção de Programação da RUC da minha provável desistência do estágio, e consequente abandono das ditas instalações.
Esta infelicidade surge sobretudo devido a motivos de ambição profissional que impedem de algum modo a conciliação com o prazer obtido aos microfones da radio supra descrita.

O país está mal para recém-licenciados, toda a gente sabe. Oportunidades de maior sedução e segurança surgem além fronteiras, e chegou o momento de agarrá-las com o pouco de auto-estima que me/nos resta.
Talvez um dia voltarei, talvez não...Talvez até chegue à conclusão que afinal em Portugal não estava assim tão mal.
De qualquer modo, não quero ficar a pensar na velha história do 'E se...'.

Isto não será um Adeus, mas provavelmente um Até já...

É em tom nostálgico que me despeço.
Abraços e beijos para todos/as. Ficam a amizade e o carinho criados nesse admirável palco radiofónico.
Desejo-vos o melhor,

Helder Costa "

A minha família ouvia os meus programas orgulhosamente...

Os vizinhos...

A minha avó, que esteve na guerra...

E claro...O meu amor de infância...

The Dark Knight

2008-07-27T21:30:00.006+01:00

Batman regressa para tratar da saúde aos vilões de Gotham.

Depois de um bem-aventurado início de ano com a Marvel a produzir 2 excelentes filmes de super-heróis – The Incredible Hulk, e Iron Man – a fasquia estava bastante elevada para este The Dark Knight. Christopher Nolan havia, em Batman Begins, insuflado uma nova alma a Batman fazendo inclusivé olvidar-nos que tinha sido Tim Burton o primeiro a enveredar por aventuras em Gotham City. À imagem de Burton, Nolan regressaria para realizar um segundo volume da série. Ao contrário de Burton, Nolan rebentaria a escala das expectativas de Batman – fazendo, por um lado inevitável que realize mais um e, por outro, que seja demasiado longa a espera pelo próximo.
Na internet já se fala na terceira aventura de Batman pela mão de Nolan mas, devido à trágica morte de Heath Ledger há, desde logo, um elemento que carece definição: haverá alguém que esteja à altura de se transfigurar num novo Joker? (depois das performances de Jack Nicholson e Ledger).

The Dark Knight reúne um leque brutal de actores que é encabeçado por Christian Bale (finalmente confirmado que irá fazer de John Conner no 4º volume da saga do Exterminador), e Heath Ledger, passando por Aaron Eckhart, Maggie Gyllenhaal, Gary Oldman, Michael Caine, Morgan Freeman e Cillian Murphy (os últimos 4 e Bale já haviam aparecido em Batman Begins). Dizer que o filme é, também ele, brutal, é redutor. Chicago foi usada como cenário urbano para ilustrar Gotham City – Nolan, ao que parece não estava para brincadeiras e filmou algumas sequências exteriores em IMAX – o que resultou numa aparência não tão sombria (negra) como a Gotham de Burton (e sem as máquinas de fumo) mas obviamente mais verosímil. A acção é, à falta de melhor adjectivo, excepcionalmente fabulosa e o filme beneficia de um ritmo alucinante de acontecimentos que se intercalam de uma forma soberba “It's all part of the plan” já se ouvia no trailer. E depois há o brilhantismo assustador de Ledger enquanto Joker que, de uma forma incrível, luta com o próprio Batman pelo protagonismo do filme.

Um filme de acção brilhante que será elevado rapidamente a um estatuto de culto, devido não só ao seu valor enquanto objecto mas também por ter sido o último onde habitou Ledger.

Ledger, o Joker que merecia ter um filme só dele.

NIGHTCLUB #4 (4/4)

2008-07-21T20:14:00.013+01:00

Chegamos, por fim, ao quarto e último tomo da crónica NIGHTCLUB em 03.07.2008.
O panorama actual dos clubes nocturnos vinga neste derradeiro episódio, com muita amplificação de luz por meio de emissão estimulada de radiação (também conhecida como lasers), muita batida que faz jus à denominação do meu alter-ego, e, principalmente, muito suor a escorrer pelos corpos em eterno movimento...

Para ouvir, imaginar e desfrutar...

Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal

2008-07-17T15:29:00.013+01:00

Substancialmente mais tarde do que se poderia prever, mas ainda a tempo de exercitar um grupo de neurónios adormecido desde 1989, eis que uma tranquilo princípio de tarde de Julho na cidade com mais estudantes por metro quadrado se transforma, de súbito, numa peregrinação transcontinental em busca de um artefacto alienígena de dúbia existência lógica. São já perto das 15h20m, hora marcada para o início das festividades à porta daquela sala de cinema, quando o jovem escriba da BP tenta discretamente (e sem sucesso, devido à barba de 3 semanas) infiltrar-se num grupo de canalha supervisionado por respectiva figura maternal e armado até aos dentes com pipocas e coca-cola. Objectivo: perceber o que anda o Dr. Henry Jones Jr. a fazer no ano de 1957, ou por outras palavras, assistir ao acontecimento mais importante desde a chegada do Homem à Lua (apesar de exactamente metade da redacção deste pasquim não ir muito nessa conversa do Aldrin e do Armstrong terem efectivamente pisado a superfície lunar, antes um tapete que forrava o estúdio londrino onde Kubrick encenou esse filme de propaganda Ocidental patrocinado pela Kellog's): Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal.

Ainda mal se findou a clássica introdução da Paramount, já o filme meteu a terceira, arrancando com uma bela sequência que nos coloca desde logo no espírito da América dos anos cinquenta. Durante a primeira hora, Indy4 é uma espécie de viagem alucinante numa montanha-russa que vai encadeando sucessivamente grandes sequências de cinema uma após a outra, originando amiúde o reflexo pavloviano de levantar o punho erguido e gritar bem alto (para a câmara de eco de uma sala quase vazia): "Fóque! Isto é o Indiana Jones!" e "Spielberg é fixe!". Ao mesmo tempo que introduz toda a história em torno do objecto-chamariz deste quarto tomo (um artefacto supostamente alienígena), esta primeira parte consegue também evocar eficazmente cenas do passado (personagens e acontecimentos marcantes da saga, enriquecendo o franchise Indy) e ainda imiscuir o Dr.Jones numa série de acontecimentos relevantes nos E.U.A. do período inicial da Guerra Fria (cogumelos nucleares, listas negras de simpatizantes comunistas, rockabillies vs. jocks, etc).

Durante este período inical de graça, o herói escondido por detrás da silhueta de Indiana Jones é nem mais nem menos do que o realizador, Steven Spielberg, que movimenta a câmara e coordena os ritmos da acção com um à vontade que simplesmente outros 30.000 realizadores a trabalhar na terra da madeira sagrada não têm (incluindo tu, Brett Ratner). Todo este virtuosismo ao serviço de escorreitas sequências de acção é reminiscente de outro filme recente de Spielberg, o "semi-baseado em acontecimentos semi-reais" Munich, que ao fim de uma primeira hora ao nível do mestre Hitchcock, afundava-se em sentimentalismos vários, culminando naquela que é provavelmente a cena mais ridícula alguma vez projectada num cinema (à parte a totalidade do oscarizado Crash).

Indy4 segue mais ou menos a progressão do Munich (e, já agora de outros filmes recentes do Spielberg, como o A.I. ou o Minority Report, que têm umas duas horas a mais, cada um), começando com um estrondo e acabando sem deixar grandes saudades. Talvez o Spielberg ganhasse alguma coisa em trocar as longas-metragens pelas curtas e começar a concorrer a festivais de cinema em Portugal. Ou em acabar a amizade com o George Lucas, pelo menos mantê-lo longe do estúdio enquanto filma, o que reduziria concerteza a percentagem de seres de outro planeta a partilhar o ecrâ com actores a sério (apesar da desvantagem no aumento dos custos de catering).

O que fica de Indy4 é, em primeiro lugar, a certeza de que Harrison Ford fazia mais 17 Indys, se lhe pedissem. Que ecrâs azuis e macacos em 3D não valem de muito quando se pode simplesmente pedir a dois duplos para "jogar à espada" enquanto se deslocam paralelamente em dois carros a 80 à hora no meio da selva. Que os comunas são levados da breca e têm sotaques engraçados (tal como os nazis). Que, como actor, até o Shia LaBeouf é melhor que o J ar Jar Binks. Que uma montagem cruzada de um avião a voar com u m mapa a ser atravessado por um risco vermelho (e o tema do John Williams por cima) é, ainda hoje, a melhor maneira de imaginar uma viagem à volta do mundo.

Uma nota final só para dizer que, felizmente, parece que a saga fica por este quarto tomo, ao contrário de rumores (iniciados pelo diabo em pessoa, George Lucas) que apontavam para uma passagem de testemunho Ford > LaBeouf. Claro que tudo depende da interpretação que se faz da penúltima cena do filme, envolvendo uma disputa pela posse do chapéu mais famoso da história do cinema.

Um sentido até sempre, Indy.

NIGHTCLUB #3 (3/4)

2008-07-10T00:31:00.008+01:00

Dificuldades técnicas ultrapassadas, e o NIGHTCLUB regressa finalmente, voltando a compor os objectivos traçados pelas produções da Bala para o início da grelha de Verão.
Depressões, sotaque à James Bond e o culto da pastilhada (nos dois sentidos) são elementos que envolvem este terceiro episódio de 26.06.2008.

Tipo, séries de televisão: Parte 1

2008-07-08T23:31:00.010+01:00

Desde o estabelecimento das primeiras emissões regulares, em princípios do Século XX, a televisão tem roubado uma boa parte de público ao cinema, assumindo-se progressivamente como o mais popular meio de entretenimento, estatuto consolidado desde há algumas dezenas de anos. Nos últimos tempos, porém, é a internet que, cada vez mais, tem capturado as atenções de uma significativa parte da população, a faixa etária 6-30, preconizando-se assim um futuro cada vez mais dependente deste meio de comunicação revolucionário, ou assim o parecia em Outubro de 1969 quando foi "inventado", essencialmente, para trocar imagens pornográficas em sistema binário.

Não é a Scarlett.

A disseminação da banda larga um pouco por todo o mundo (obviamente, graças à visão de futuro do Engenheiro Sócrates) vem facilitando a partilha de conteúdos cada vez mais "pesados", nomeadamente o vídeo. A internet retira agora audiências à televisão tomando-lhe os próprios programas, disponíveis em streaming no YouTube e quejandos, ou para descarga directa em sítios que não vale a pena mencionar aqui (e claro que nós por cá somos todos contra isso). Ao mesmo tempo, a televisão contra-ataca, disponibilizando canais estilizados com programação cada vez mais específica (primeiro o porno, depois as notícias, o desporto, os desenhos animados e, finalmente, a Baby TV).

É nesta lógica de procura de públicos que surge o fenómeno da multiplicação exponencial das séries de televisão. Longe vão os tempos em que macaquices como B.A. Baracus e Cª, MacGyver (Máguívér, na versão da TVE) ou os safados dos 3 Duques preenchiam as tardes da pequenada, entre brincadeiras com Playmobil e Legos. Para não falar do K.I.T.T., do Bonanza e da minha preferida, por variadíssimas razões, Duarte e Companhia. As séries de sucesso são, hoje mais que tudo, produções de prestígio transmitidas em horário nobre (menos na TVI), com a participação de actores, argumentistas e realizadores de créditos firmados no cinema.

O que permitiu esta transfusão de talento entre meios foi, essencialmente, a mudança do paradigma "cinema= arte maior/televisão= arte menor" para "cinema= pipoca/televisão= algumas coisas bem porreiras". Actores com longas e frutuosas carreiras nos filmes podem ser vistos agora a encabeçar o elenco de uma série feita à sua medida (assim como aquele arquitecto que sonha transformar o mundo, mas ao mesmo tempo aceita um emprego fixo no Gabinete Técnico da Câmara de Sobral de Monte Agraço para pagar as assinaturas da Croquis e do Courier International).

O momento que marca esta transição é, em 1999, o início das transmissões d' Os Sopranos no canal norte-americano por cabo HBO. A série criada por David Chase demonstrou inequivocamente e pela primeira vez que é possível criar para o meio televisivo narrativas densas e sofisticadas (na mesma caixinha que alberga as diatribes de Fernando Mendes e João Baião mais 5 novelas da TVI rodadas em ex-colónias portuguesas). Aliás, tal como no bom cinema, mas aqui com a vantagem acrescida de se poder, por entre a sucessão da episódios, mergulhar mais fundo na complexidade das personagens, contruindo bonecos mais reais. O sucesso comercial d' Os Sopranos juntou-se aos louvores da crítica, permitindo o surgimento de novos projectos arrojados no domínio da ficção televisiva, principalmente no HBO (Sete Palmos de Terra e, vá lá, O Sexo e a Cidade), mas também em outras cadeias, como a Fox, ou canais (Showtime, FX, AMC, etc). E, claro, graças à internet podem-se acompanhar muitas dessas séries que ainda não asseguraram transmissão num dos canais (da cada vez mais vasta oferta) do cabo nacional.

Proponho por isso, seguindo a lógica de serviço público que orienta os escribas da BP, divagar um pouco por este assunto "séries de televisão", ao longo das próximas semanas. O objectivo é traçar um mapa da boa ficção televisiva que se vai fazendo pelas américas, perceber aonde é que ela pede meças ao cinema (e como às vezes é preferível ficar deitado no sofá a meter pelos olhos adentro os DVD do Seinfeld do que ver ir a correr para o shopping e engolir um hambúrguer em 15.22 segundos para assistir a mais um filme com o Will Smith).

"Mais DVD do que na versão especial do Titanic!"

Todas as semanas (se tudo correr bem) será publicada uma crónica versando sobre duas séries que gravitam em torno de um tema comum: polícias, médicos, cóbóis, época, religião e, talvez, com um bocado de sorte, sexo. Enfim, um desfecho à altura dos pergaminhos deste pasquim electrónico. Até pra semana e entretanto aproveitem para curtir as malhas do jWoofer que, segundo informação privilegiada, anda à procura do Estúdio 54 lá prós lados de S.João da Madeira.

NIGHTCLUB #2 (2/4)

2008-06-28T19:57:00.010+01:00

Tragam as bolas de espelhos, as ancas bem afinadas e o dedo indicador bem esticado no ar, porque eis que chega a tão esperada segunda parte da crónica NIGHTCLUB de 19.06.2008!

Enjoy!

Robot Rock

2008-06-26T15:32:00.011+01:00

Por um momento abandona-se o calor da pista de dança gerida por jWoofer, rumando a uma esplanada que proporcione a sombra necessária para o arrefecimento do cérebro, condição ideal para uma breve dissertação sobre cinema. Nos próximos tempos vão estrear duas películas que desde há meses/anos têm causado especulação q.b. de modo a aumentar exponencialmente as reservas de saliva de muito boa gente.

No caso de Wall-E, mais uma produção da Pixar, a angústia na espera relaciona-se directamente com o grau de infalibilidade que a (desde há pouco tempo) subsidiária da Disney tem apresentado na criação de Obras-primas do Cinema de Animação, três palavras que simplesmente não apareciam lado a lado até essa malta porreira decidir fundar em Fevereiro de 1986 os Pixar Animation Studios. Depois de brinquedos, monstros, peixes, super-heróis, carros e ratos, é a vez das atenções se centrarem num pequeno robot (meio E.T., meio Curto-Circuito - nada a ver com a amostra de televisão na Sic Radical que preenche as tardes de: 1) putos que faltam às aulas e 2) pessoal que fuma muita erva ou/e mete ácidos) de remoção de lixo deixado só e abandonado (que triste!) no planeta Terra depois do mundo ter acabado.

O trailer (acima) e outros previews deixam perceber que é um filme quase mudo, o que pode ser interpretado como um sinal positivo, porque os filmes de animação cheios de diálogos conseguem ser muito chatos - quase todos os que não foram produzidos pela Pixar, incluindo Shreks e sucedâneos. A qualidade maior da malta da Pixar é o empenho que colocam na caracterização das personagens dos seus filmes, na riqueza de detalhes da expressividade e das interacções entre o que muitas vezes não são mais do que objectos estácticos, como o prova a sua primeira e aclamadíssima curta-metragem realizada por John Lasseter em 1986.

RocknRolla, o próximo filme de Guy Ritchie, tem que ser olhado com outro tipo de expectativas. Depois do sucesso dos seus primeiros dois filmes, Lock, Stock(...) e Snatch (praticamente iguais em termos de argumento, mas mesmo assim dois bons filmes), Ritchie fez uma coisa qualquer com a sua novíssima esposa, Madonna, de que nem me lembro o nome e é muito difícil de arranjar até na secção de adultos do vídeoclube da esquina. Passado o tempo necessário para que toda a gente se esquecesse que "aquilo" tinha acontecido e, numa tentativa de regresso ao tipo de cinema que ele sabe fazer bem, surge Revolver, outra vez o mesmo argumento dos dois filmes iniciais, mas (e aqui é que a porca torce o rabo) cruzado com pseudo-interrogações místico-identitárias-esotéricas e... xadrez! Ainda por cima metia um dos gajos dos Outkast a "fingir" que era actor.

Ritchie parece ter tirado daqui uma ilação óbvia: "Não te metas com a malta da música!". Mandou a Madonna dar uma volta e meteu-se ao trabalho de realizar um outro filme, que pela pinta é outra vez a mesma estória de "gangsters vs. nabos em Londres... em câmara lenta". E isso... isso é bem fixe.

Madonna terá voltado a encontrar o amor nos braços (?) de um cavalo, segundo uma entrevista a Mário Augusto a ser transmitida na próxima semana.

NIGHTCLUB #1 (1/4)

2008-06-21T00:26:00.103+01:00

Pois é malta, venho deste modo tentar dar uma mãozinha nos primeiros socorros à Bala Perdida, que bem está a precisar!

Por acaso não estava em Lisboa, simplesmente estava no avião de Sidney para L.A., e não é que aquilo despenhou-se numa ilha qualquer a caminho, e fiquei retido lá uns mesitos com uns gajos nada simpáticos sempre a tentarem espetar-me com facas e tal, um fumo preto que cheirava mal como tudo que também tinha a mania de brincar às escondidas só para assustar, e depois um careca doido que tentava convencer-me a carregar num botão a cada 2 horas...Enfim, o que interessa é que voltei, e para celebrar, nada melhor que vos presentear com a minha estreia aos microfones da RUC.

Trata-se de uma crónica semanal denominada de NIGHTCLUB, que poderão ouvir em directo às quintas-feiras, pouco depois das 17h, inserida no programa Origami em 107.9 FM ou online via www.ruc.pt, ou então aguardam que o mesmo vos seja fornecido através deste blog.

O mote da crónica, a qual terá apenas quatro episódios, consiste em, num espaço de 10 a 15 minutos, abordar o fenómeno dos clubes nocturnos na nossa sociedade ocidental.

Aqui fica o 1º tomo da série em 12.06.2008 para ouvirem:

Hasta

Monet vai à Ruc

2008-06-18T19:39:00.008+01:00

Monet parte em direcção a Coimbra. Não sabe, porém, que Coimbra não é banhada por mar.

Ao fim de algum tempo de meditação, a Bala volta a entrar em cena com novos conteúdos. Depois das célebres crónicas afixadas no pasquim, do programa de t.v. produzido e dos míticos podcasts de sexta à noite, Helder Jwoofer assume os comandos daquele que é, sem dúvida, o instrumento mais caro no qual qualquer um de nós já tocou - com a excepção do próprio Jwoofer que, em pleno museu Picasso em Barcelona, raspa com os dedos da mão esquerda, uma pintura de Monet - os mesmos dedos que, a partir de hoje usará para rodar os botões equalizadores da mesa de mistura da Ruc.

Crítica a "Control", de Anton Corbijn

2008-03-20T22:52:00.004Z

A matriz pode ser encontrada aqui.

Prognósticos

2008-02-24T20:53:00.004Z

Chegou a noite mágica de Hollywood e aqui na Bala não se fala noutra coisa a não ser no voo que perdemos e nos impediu de estarmos presentes no Kodak Theatre hoje à noite. Não obstante, a TVI desempenha, milagrosamente, um serviço público e transmite em directo a noite cinéfila mais aguardada do ano. Vou ser directo e conciso nos prognósticos - escolhas pessoais e claramente tendenciosas.

Actor Secundário - Casey Affleck (The Assassination of Jesse James...)
Actriz Secundária - Cate Blanchett (I'm Not There)
Actor Principal - Daniel Day Lewis (There Will Be Blood)/Vigo Mortensen (Eastern Promises)
Actriz Principal - Ellen Page (Juno)
Realizador - Paul Thomas Anderson
Filme - No Country For Old Men

Para acabar, o óscar de melhor fotografia deverá ser entregue ao Roger Deakins, que filmou tanto o No Country For Old Men, como o The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford - para mim seria por este que ganharia o óscar. Resta dizer que o Jesse James foi o incompreendido filme da temporada e que, por isso, não foi além das duas nomeações (que deverá arrecadar) e desejar que o John Stewart seja bastante ácido nas suas habituais abordagens político-sociais americanas.
Até amanhã.

Lynch e o seu f****** iPhone

2008-01-21T20:13:00.000Z

Mais uma vez, o super-realizador preferido de muita gente (onde se inclui o Jóne, que dedica todas as noites alguns momentos, antes de se deitar, à escrita de belos poemas dedicados ao homem, ou melhor, a determinadas partes da sua massa encefálica) surpreende-nos com uma breve declaração. Neste caso uma defesa apaixonada - com direito a palavrão e tudo - do verdadeiro cinema, tomando como objecto principal do seu ódio a apregoada revolução que propõe, num futuro próximo, trocar a tela das salas de cinema por um ecrâ de telemóvel de 12 por 4 cm, ou coisa que o valha.

Aos que discordam da sua opinião, Lynch promete que irão em breve receber a visita da mais assustadora personagem alguma vez capturada em película (qual King Kong, qual Alien, qual dinossauro jurássico) desencantada de um dos mais escuros recantos do cérebro do realizador, e que até já foi referida neste pasquim. Se ainda têm dúvidas, esta sequência do Lost Highway pode esclarecê-las. Eu sinto pavor só de me lembrar desta carantonha:

Estórias da arquitectura portuguesa

2008-01-11T18:35:00.000Z

Há uns tempos atrás o Juanito honrou-nos com uma pequena amostra do seu compêndio académico sobre essa cidade mítica a apenas um pequeno oceano de distância da tugolândia, Nova Iorque. Às vezes, passeando junto à costa, em dias sem nevoeiro, um gajo consegue ver a cabecita da Estátua da Liberdade e ela parece dizer qualquer coisa do tipo "Vinde, vinde até à terra da oportunidade e deixai para trás a lavoura, o galo de barcelos e as mulheres de bigode!" e um gajo tá vai não vai para se atirar à água e só parar no porto de Manhattan.

Como gosto de mulheres com bigode farfalhudo, decidi-me a ficar por cá e a desenvolver um estudo sobre temas vários que ligam o cinema e a arquitectura, não esquecendo no meio disto a perspectiva da populaça, como homem que ajudou a fazer o 25 de Abril, deitando-se à frente das chaimites na alvorada da democracia. Como aqui no pasquim até se se vai falando às vezes sobre cinema e, ainda mais raramente, de arquitectura, por entre referências ao peito desnudado de várias intérpretes femininas (sem bigode), achei por bem emular o que o Juanito fez, deixando também a minha contribuição para elevar, por breves momentos e poucos milímetros, o nível deste espaço.

Nesse sentido, proponho deixar aqui 3 vídeos que produzi no contexto da apresentação pública do resultado de tais divagações, colectado num compêndio a que atribuí, na sequência de uma pequena epifania, o título extremamente pomposo Estórias da Arquitectura Portuguesa: uma reflexão em torno de imagens que a arquitectura constrói, o cinema fixa e o povo ordena. Os vídeos são pequenas amostras ilustradas por imagens em movimento (que finesse, que avant-garde!) dos assuntos que debato nos 3 capítulos que estruturam o compêndio. Cada um dos vídeos é acompanhado por um texto que, para ser desfrutado da melhor maneira possível, deverá ser lido em simultâneo e em voz alta, num timbre próximo ao do locutor de documentários Eládio Clímaco, enquanto se procede à visualização de belas imagens em movimento e infografias tipo SIC Notícias.

Entretanto, se estiverem pela Catalunha e virem um gajo de bícepes bem definidos e com a tatuagem de um morcego nas costas, tenham muito, muito medo. E, já agora, digam-lhe que a malta cá da casa até não se envergonhava se ele se decidisse a publicar neste espaço comunitário qualquer coisinha da sua divagação escrita sobre uma outra bela terra das Américas, esta mais próxima do Pacífico do que do Atlântico e que, entre outras coisas tem uma avenida maior que a da Boavista, no Porto (e, já agora, que a Diagonal, em Barcelona), uma rua tão grande que, para citar um dos grandes vultos da crítica contemporânea de arquitectura, "não é uma avenida é uma estrada".

É escusado dizer que isto tá tudo tudo cópiraitado: (c), (r), (TM), (CC), et cetera.

01 Memória

No primeiro capítulo retrocede-se até aos primeiros anos do Século XX para tentar perceber o papel que a arquitectura teve na construção de lugares cujas características específicas os inserem num imaginário colectivo que se confunde com as noções de origem ou de identidade. Lugares como o Porto de Douro, Faina Fluvial, filme realizado por Manoel de Oliveira, o Douro Vinhateiro de Vale Abraão, do mesmo realizador, e a região de Trás-os-Montes de Cinco Dias, Cinco Noites, realizado por José Fonseca e Costa.

A região transmontana é muitas vezes evocada no cinema português como uma espécie de referência maternal, talvez por analogia ao relevo dos seus conjuntos montanhosos, ou por ser efectivamente um dos mais antigos pedaços de território português. O filme Cinco Dias, Cinco Noites percorre uma série de aldeias transmontanas que pouco terão mudado desde que se estabeleceram ao abrigo do sopé da montanha ou numa meia-encosta e que continuam a depender quase exclusivamente da actividade agrícola. O xisto e o granito das casas, muros ou outras estruturas são os mesmos dos solos da região, permitindo assim uma integração harmoniosa dos povoados na paisagem natural que os envolve.

Estas condições foram devidamente estudadas durante a realização do Inquérito à Arquitectura Popular em Portugal, no final da década de 50, uma iniciativa de um grupo de arquitectos, entre eles Keil do Amaral e Fernando Távora, que se opunha à generalização do modelo da casa portuguesa, divulgado por Raúl Lino e visto com bons olhos pelo Estado Novo. Analisando a região transmontana, o inquérito selecciona um grupo de povoados dispersos como casos de estudo. Entre eles, Montes, junto a Vila Real; Santo André, próximo de Montalegre; Rio de Onor, sobre a fronteira a Norte e Ifanes, a Este. Revisitando qualquer um desses lugares, hoje, é possível, com o auxílio dos levantamentos do inquérito, perceber como a sua genealogia está ainda presente, como estes pequenos aglomerados se continuam a organizar em torno de estruturas urbanas seculares com origem nas necessidades da actividade agrícola.

O inquérito discrimina também os vários tipos de casa transmontana, sendo o mais comum o de dois pisos, destinando-se o térreo a funções de armazenamento. No piso superior, uma divisão única faz as vezes de cozinha, sala de jantar, de estar e, por vezes, de quarto. Essa qualidade espacial celular é perceptível em várias cenas de interiores de Cinco Dias, Cinco Noites. O filme procura muitas vezes o pitoresco, enquadrando, no exterior das casas, elementos expressivos, como varandas de madeira ou peças trabalhadas de granito, que se destacam da depuração do sistema construtivo em pedra. Essa ambição levou inclusive a produção do filme a esconder algumas coberturas de telha tapando-as com colmo, mais de acordo com a época em que a acção se desenrola, num esforço para recuperar traços de identidade de uma arquitectura que se entende como genuína.

02 Deslocamento

Neste segundo capítulo abordam-se as grandes transformações promovidas durante as décadas de 50 e 60 pelo governo do Estado Novo, essencialmente no domínio do urbanismo, como parte do processo de construção da imagem de um império português intercontinental. Em Rasganço, de Raquel Freire, a Cidade Universitária de Coimbra como símbolo físico do poder do Estado; nos Verdes Anos, de Paulo Rocha, uma nova Lisboa em choque com a ruralidade à sua volta; na Costa dos Murmúrios, de Margarida Cardoso, duas metrópoles africanas, Beira e Maputo, criadas a partir do nada.

Lisboa era o principal pólo de atracção para muita da gente que deixava o interior durante o período de êxodo rural que que ocorreu em Portugal durante os anos 50 e 60. À necessidade de crescimento da cidade para poder albergar mais habitantes juntavam-se a vontade do governo em afirmar a modernidade da capital do seu império e uma dinâmica de obras públicas herdada da passagem de Duarte Pacheco pelo município. Duarte Pacheco encomendou a de Groer o primeiro Plano Director Municipal de Lisboa, desenvolvido entre 1938 e 1948, que estabelecia novos eixos de expansão para a cidade e propunha a construção de vários bairros de habitação económica. A norte das Avenidas Novas surgiu, ainda na década de 40, o Bairro de Alvalade, projectado por Faria da Costa para, mais tarde, na década de 60 se construírem outros conjuntos urbanos em Chelas e nos Olivais.

Ao mesmo tempo, o município encomenda a vários jovens arquitectos novos edifícios de habitação colectiva que, no seu conjunto, vão de algum modo transformar a imagem da cidade, introduzindo uma arquitectura modernista com referências à Unidade de Habitação de Marselha de Corbusier e aos princípios urbanos da Carta de Atenas. Por ordem cronológica, o Bairro das Estacas, projectado por Formosinho Sanchez e Ruy d’Athouguia, em 1951, os 4 blocos de habitação colectiva no cruzamento das Av. dos E.U.A. e Av. de Roma, de Filipe Figueiredo e Jorge Segurado, em 1953, o conjunto habitacional na Av. Infante Santo, de Alberto Pessoa, Hernâni Gandra e João Abel Manta, em 1955, também em 55 um outro conjunto habitacional na Av. dos E.U.A., de Pedro Cid, Manuel Laginha e Vasconcelos Esteves, o Bloco das Águas Livres, de Nuno Teotónio Pereira e Bartolomeu Cabral, em 1956 e, finalmente, na Av. do Brasil, em 1958, um conjunto habitacional projectado por Jorge Segurado.

Nos Verdes Anos essa nova Lisboa é vista quase sempre através do confronto com as áreas rurais em torno da cidade que se vêem de súbito invadidas por todos esses novos edifícios. Muitos equadramentos baseiam-se na oposição entre espaço natural e construído, no que pode ser visto como a projecção material dos sentimentos antagónicos dos personagens em relação à cidade e que os fazem buscar refúgio em zonas de perfil ainda rural que evocam as localidades do interior que deixaram para trás.

03 Ruptura

O capítulo final centra-se no momento actual, examinando o país a várias escalas numa progressão em zoom, para daí obter diferentes pontos de vista sobre a interferência de fenómenos característicos da globalização no sistema urbano português. Começando pelo território, ou seja, o Portugal Continental, em Os Mutantes, de Teresa Villaverde, passando pela periferia, a Área Metropolitana de Lisboa, em Ossos, de Pedro Costa e acabando no centro da mesma cidade, em Alice, de Marco Martins.

No regresso a Lisboa, cerca de meio século depois do período de grandes transformações que a cidade atravessou, a maior partes dos novos bairros de habitação estão agora integrados no tecido urbano consolidado da cidade. Olhando aquele que é considerado o eixo central de Lisboa, um eixo articulado entre o centro antigo - a Baixa Pombalina- , o Marquês e o Campo Grande, é possível perceber como as Avenidas Novas e o Bairro de Alvalade ajudaram a construir essa noção de centralidade. Do mesmo modo, também os blocos de habitação colectiva construídos na década de 50 beneficiam agora, à excepção do Bloco das Águas Livres, de uma condição central. A arquitectura modernista ganha o seu espaço na definição da imagem da cidade.

Alice, o filme de Marco Martins, descarta porém essa perspectiva tradicional de associar a imagem da cidade ao seu centro, optando por se mover por entre uma rede de espaços fragmentados que se tornam difíceis de identificar. A lógica que organiza esses fragmentos de cidade é um sistema caseiro de homevideo que reproduz as filmagens de um vasto número de câmaras de vigilância espalhadas pela cidade. Esse dispositivo funciona como uma espécie de filme dentro do filme, sobrepondo duas visões do mesmo lugar: a visão do realizador e a visão do protagonista principal. Contribuindo para o adensar dessa imagem abstracta da cidade, muitas das sequências de Alice são ambientadas em locais de passagem, como estações de metro ou parques de estacionamento, espaços neutros essenciais à rotina diária de uma grande metrópole reproduzida no ritmo do filme.

O realizador sente, porém, a necessidade de inserir alguns elementos icónicos da cidade facilmente reconhecíveis, que pelo seu valor cenográfico se destacam dos demais, pontos de referência para a mole que percorre apressadamente as ruas da cidade. Aqui, ao lado de monumentos como o Arco da Rua Augusta ou a estátua do Marquês de Pombal, surge recortado contra o céu um dos blocos de habitação colectiva no cruzamento da Av. dos E.U.A. com a Av. de Roma, mais um sinal da importância da arquitectura modernista na construção da imagem de cidade. Alice, ao contrário de outros filmes sobre Lisboa, não se alimenta dos espaços da cidade em si, mas vive sobretudo da justaposição contínua de imagens típica da era da informação. Ao navegar por entre a cidade através das imagens recolhidas por câmaras de vigilância, o protagonista do filme tem a ilusão do controlo do sistema urbano da cidade, preconizando talvez um passo futuro da arquitectura, o urbanismo unipessoal.

Os Melhores de 2007

2008-01-06T18:12:00.000Z

Naomi Watts, depois de se apaixonar por um macaco (King Kong), opta pela máfia.

Depois de vários dias a votar, os bala-lovers elegeram os melhores filmes de 2007. A votação acabou com um empate técnico entre o filme do Cronenberg, Eastern Promises, e o Apocalypto, de Mel Gibson – o filme que o elevou ao estatuto de mestre. O do Cronenberg é relativamente incompreendido, porque maior parte das críticas assenta sobre uma ideia relativamente absurda que menospreza, tanto este como o anterior – A History of Violence – como sendo exercícios nos quais o Cronenberg deixou de fora o seu lado carnal, e enveredou (ou foi obrigado a) por um caminho mais blockbusteriano. A mim, nu integral do Viggo Mortensen, não me pareceu lá muito fruto de um produto blockbuster, assim como as gargantas degoladas a sangue frio. O Cronenberg simplesmente anda à procura de uma forma de transformar o que outrora encarava de uma maneira mais formal (essa componente carnal e mutante dos seus primeiros filmes), numa experiência mais subtil, que envolve a transformação não apenas física dos personagens mas, principalmente, uma mutação ao nível do subconsciente psicológico. Aí reside a nova mutação dos filmes de Cronenberg. Quanto a mim, essa busca já deu dois objectos extraordinários. Um deles foi um dos melhores filmes de 2007.

O gajo mais sortudo do mundo, incluíndo os vencedores do euromilhões.

O Apocalypto ficará na história por ser, até à data, uma das melhores representações da componente bélica da vida dos Maias. O argumento é sustentado numa acção que se desenvolve com uma tensão moderada, atingindo o apogeu na chegada da civilização ocidental à América do Sul – facto este que não tem qualquer importância no decorrer do filme, sendo apenas uma representação simbólica. Brutalmente coreografado e realizado de uma forma sublime, é para guardar junto dos melhores do ano.

Em terceiro lugar aparece o Zodíaco, muito perto dos primeiros, um bom regresso de Fincher 5 anos após a estreia do mediano Panic Room. A fechar a lista aparece mais um tesouro da Pixar que, desde que foi comprada pela Disney, parece estar a ficar ainda melhor do que antes – algo que se julgava ser impensável. Neste caso foi o Brad Bird, que dentro da hierarquia de realizadores da Pixar, começa a desafiar o John Lasseter (Toy Story 1 e 2, A Bug's Life e Cars). E por fim o filme revelação de 2007, Control, de Anton Corbijn, um retrato brilhante do melancólico Ian Curtis por um homem que conviveu pessoalmente com os Joy Division.

A distribuição dos votos foi esta.

O número de votos, não divulgado, estima-se que esteja perto da centena de milhar.

Filme do Ano

2007-12-23T22:58:00.000Z

As LakerGirls profundamente compenetradas na eleição do melhor filme do ano.

Aproveitando a onda de tudo o que é pasquim, jornal, e canal televisivo, em fazer os tops de filmes, ou dos álbums ou qualquer coisa que seja possível de organizar numa tabela, é lançado este desafio aos bala-lovers, de elegerem o seu melhor filme do ano. Infelizmente a escolha, devido a circunstâncias logísticas é, logo à partida, limitada a 5 filmes - os que se encontram aqui à direita. O questionário foi encomendado à Bala pela própria academica americana de cinema, para ajudar a delinear os nomeados para a próxima cerimónia de atribuição dos óscares. Há umas passagens de avião disponíveis para acompanhar a equipa da Bala a Hollywood no dia 24 de Feveiro de 2008 para assistir ao vivo à cerimónia que, mais uma vez, vai ser apresentada pelo Jon Stewart. A passagem inclui 2 noites em L.A., a entrada na noite dos óscares, e uma ida ao Staples Center para ver as Laker Girls a treinarem, para que se possa, com serenidade e algum discernimento intelectual chegar a uma conclusão efectiva em relação ao melhor filme do ano. A viagem inicia-se (e, na verdade, resumir-se-á) a uma sobredosagem de estupefacientes (em jeito de comemoração do ano vindouro).

Indy 4eva

2007-12-12T00:06:00.000Z

Nada como usar um título arraçado de nome de tema hip-hop - tão em voga nestes tempos em que 90% das crianças com menos de 12 anos trocou a ambição de ser um dia polícia ou bombeiro para optar pela vida de dread - para chamar a atenção para o lançamento do poster oficial daquele que poderá ser o filme mais/menos interessante de 2008 (riscar um deles a partir de 22 de Maio, data de estreia em sala), Indiana Jones and The Kingdom of the Crystal Skull.

A denominação escolhida para o quarto tomo da saga mais louca do cinema contemporâneo, juntamente com a trilogia Regresso ao Futuro, encerra em si um apelo místico-esotérico que faz qualquer fã do "Dáktã Jounz" (como o Minorca lhe chamava enquanto usava uma caixa de sapatos para chegar ao acelerador do carro que conduzia no segundo Indy, o do Templo Perdido ou Maldito, nunca percebi bem) recear pela saúde do filão inaugurado em 1981 por Steven Spielberg, com o auxílio do seu amigalhaço George Lucas. Uma caveira de cristal? Porque não um fémur de pedra-pômes? Ou uma rótula de tofu? Um título que junta ao mesmo tempo as palavras "caveira", "cristal" e "reino" é uma espécie de concentrado de referências vagas.

O que se sabe ao certo é que acção tem lugar nos 50s e o filho do Indy é interpretado pelo puto dos Transformers, aquele com nome de perfume (Shia laBeouf). Infelizmente, no capítulo dos mauzões da fita, os charmosos sacos de pancada nazis foram substituídos por comunas soviéticos, daquele género que se junta a conspirar no café Troika, junto à Praça da República em Coimbra (aquela malta de barba que ainda fuma Português Suave Amarelo).

É esperar para ver, com os dedos a fazer figas para o velhinho Harrison Ford não deslocar a bacia nas filmagens, enquanto foge de calhaus rolantes. Até lá, nada como recordar o primeiro filme da saga, aquele da Arca Perdida, aqui numa versão restaurada de 25 segundos produzida para agradar a um público com A.D.H.D..

Death Proof

2007-12-07T13:17:00.000Z

Já la vai imenso tempo desde a ultima vez que decidi presentear-vos com as minhas (pseudo-)masturbações mentais.

Não me consigo pronunciar acerca do Beowulf, pois ainda não tive oportunidade de o visionar (por acaso tive, mas não o fiz). Acerca do Children of Men, partilho dos aspectos ultra-positivos alegados pelos caros colegas. No entanto, tenho que ser honesto e dizer que não contenho background suficiente para argumentar ou contra-argumentar acerca do que foi discutido, visto eu não comer DVDs ao pequeno almoço,mas bebo apenas leite com nesquik e bolachas, ou neste momento leite ou chá com mel, visto que as minhas cavidades nasais se encontram de momento com muco indesejado.

No entanto, posso fornecer uma mera opinião acerca de um assunto que não se encaixa propriamente aqui, além de que se encontrará já com algum atraso: o filme "Death Proof" do Tarantinóiai.Tive a oportunidade de o incluir na minha memória recente (há 2 dias) através da sua projecção nesse belo teatrocoimbrense (sem ironia) que é o TAGV, acompanhado pelo mariachi, por um alemão e um casal francês que vivem no meu prédio.Ora bem, começo por dizer que considerei um bom filme de entretenimento, mas sinceramente, não mais do que isso. Claro que o Tarantino "é fixe", porque usa uma variedade infindável de referências fílmicas "fixes", incluindo dos seus próprios (como o toque de telemovel que ecoa o Kill Bill; há quem diga que o Quentin já assinou um contracto vitalício com a empresa que produz os toques Jamba)criando um sistema de auto-publicidade "fixe" a ele próprio.Mas não quero com isto dizer que a experiência sofre com o intuito de alguem querer ganhar uns trocos a fazer um filme, pois nem todos somos filhos do coppola.

Além de visionar constantemente rabos e pernas de beldades femininas no écran (se bem que a da lap dance poderia marcar uma consulta com o Dr. Christian Troy - que para quem não sabe, é o Rei disto tudo - para retirar um pouco daquela barriguita que andava pendurada, e que na minha opinião não combinava muito bem com a sensualidade do resto do seu corpo), e duas discussões entre as personagens, que demoram 2/3 do filme, as quais dissertam acerca de qual namorado de quem tem um pénis maior, obtemos um prazer de alguns segundos numa destruição humana massiva na 1ª parte, assim como uma perseguição automóvel fenomenal na 2ª (diga-se de passagem que a Zoe Bell, dupla de Uma Thurman em Kill Bill, "Kicks Ass!", a qual, aliás, representa-se a si própria no filme).

Mas, uma constante ao longo do filme, era o facto de a minha consciencia fazer questão de me lembrar permanentemente que aquilo que estou a observar provém do "young master" Quentin Tarantino.Sendo assim, começei a pensar..."mas será que se o filme não fosse do Tarantino, mas sim de um coitado qualquer dos suburbios de L.A. que ninguem conhece, e que conseguiu juntar umas massas, umas gajas boas, e um acabdo Kurt Russel com penteado à Patrick Swayze em "Road House" ("Profissão:Duro") para fazer um filme de porrada, será que o viamos com os mesmos olhos?"Tudo bem que o conceito do filme é porreiro, aliás o conceito que engloba os dois filmes, o dito "grindhouse", o tal sistema de dupla sessão, que, se bem me informei, apenas acontecia nos EUS, Inglaterra e Austrália, nos anos 60 e 70 (aliás, os unicos locais onde passaram os filmes no mesmo sistema aquando da sua presente estreia).Mas o conteúdo, se bem que sabemos que é irónico (porque é do Tarantino e o "Tarantino é bue fixe", lá está!), não contém muita coisa que não fosse digna de um filme do Van Damme ou do Steven Siegel (belos tempos em que aquela gaja do Baywatch, a Erica não-sei-das-quantas aparecia com os seus grandes peitorais a saltar de um bolo num navio no meio do mar, num filme de partir rótulas e cotovelos proporcionados pelas técnicas budistas do cozinheiro Esteves Gaivota).

Mas pronto, o Tarantino é o Tarantino, ninguem o pode negar (até porque ele é mesmo o Tarantino, já vi no B.I. dele), e que mais não seja, acho que dará um belo filme para passar num domingo às 6h da tarde - mesmo antes do telejornal para abrir o apetite para o jantar - daqui a 6 anos.Quanto ao Tarantino, aconselhava-o a ter cuidado, denota-se um gozo e prazer imenso dele neste tipo de concepção fílmica, mas é por estas e por outras que o seu companheiro Rodriguez faz 1 Sin City em cada 10Spy Kids. Proponho desde já uma recolha de assinaturas em pedido ao Tarantino para conceber um argumento que tomasse lugar temporalmente e em paralelo aos acontecimentos descriminados na sua obra-prima Pulp Fiction.

Está dito.

Helder Jwoofer

Beowulf 3D

2007-11-22T23:28:00.000Z

Hopkins conspira com Beowulf, em ambiente 3d, como gamar o ouro a Zemeckis

Robert Zemeckis, o criador da trilogia infanto-juvenil mais fixe dos anos 80, o Regresso ao Futuro, parece andar, nos tempos de hoje, distanciado de qualquer contacto mais íntimo com a realidade. Frequentemente Robert Zemeckis é visto nos arredores da sua casa a dialogar sozinho, e a questionar os degraus de acesso à piscina, como é que perdeu o jeito para a coisa. Desde já, fica uma palavra de amizade e de incentivo profissional para com o outrora quase genial, Zemeckis: deixa o cinema e dedica-te à pesca submarina.

Numa altura em que se fazem filmes de bradar aos céus, usando a tecnologia informática em prol de uma valorização qualitativa de um argumento, Sin City de Robert Rodriguez, 300 de Zack Snyder e, o inevitável Senhor dos Anéis de Peter Jackson, aparecem estas descontroladas maluqueiras cibernéticas de Zemeckis como Beowulf. Beowulf é basicamente um catálogo que serve para explorar, de uma forma bastante assumida, o potencial, ainda algo limitado, de uma forma diferente de consumir cinema: a tecnologia de visualização 3d (com o auxílio dos magníficos óculos de massa grossa à Woody Allen). De imediato há 3 questões fundamentais que se levantam, mais pertinentes ainda do que a questão da existência de Deus, ou do mau feitio de Scolari: “mas porquê chamar a isto um filme; porquê pagar 7 euros para o ver; e terá Zemeckis enlouquecido?”

No abstracto o filme tem praticamente todos os ingredientes para ser um bom produto cinematográfico, se nos alhearmos à partida que depende da projecção com efeito tri-dimensional, que apenas está disponível em alguns cinemas. A começar pelo enredo, que é baseado num poema histórico escrito por um desconhecido, mas que parece ter influenciado Tolkien na sua obra prima, passando pelos actores, Anthony Hopkins, Angelina Jolie, John Malkovich, e o menos conhecido, Ray Winston (papéis maioritariamente secundários como em Rei Artur e Cold Mountain), a acabar (e porque não) no próprio realizador (Zemeckis) que infelizmente, além de ser bastante provido na arte ancestral de caçar pardais, anda igualmente a perseguir o sonho de destruir o crédito adquirido em produções interessantíssimas como Quem Tramou Roger Rabbit?, Regresso ao Futuro e aquele que deveria ter sido o seu último filme, Forrest Gump.

À parte de tudo isto, existe a vontade avassaladora de Zemeckis em criar “algo novo” usando “tecnologias do futuro”. Zemeckis não sabe, mas o valor real de um filme não se baseia na quantidade de tecnologia usada para a sua produção, mas sim na coerência do produto final. Este infeliz Beowulf existe, apenas e só, para mostrar que é possível fazer um filme em 3 dimensões usando sensores corporais e pondo 1 milhão de gajos a trabalhar em texturas de pele humana que em cada centímetro quadrado têm mais pormenores do que o projecto de execução do Guggenheim de Bilbao. Todavia grande parte da população mundial que habita em países desenvolvidos, já viu o Senhor dos Anéis e a maravilha digital intitulada Gollum, e claro, os filmes da Pixar e da Dreamworks. Consequentemente é do domínio público que, sim, é possível fazer filmes extra-ordinários em 3d. Zemeckis é o único ser humano à face da terra que ainda desconhece este facto.

Para acabar, ficam aqui alguns conselhos de amigo, para o amigo Zemeckis:
1) Zemeckis, dedica-te à pesca submarina e, quando estiveres lá no fundo, experimenta tirar o tubo que liga aí à garrafa que tens às costas;
2) agora mais a sério,tiras umas férias em África, deixas o GPS em casa e aventuras-te numa travessia solitária ao Sahara, a pé, para mostrar que definitivamente és mesmo um gajo que gosta de “desafios”;
3) tenta atravessar os Estados Unidos pela Estrada 66, de Los Angeles até Nova Iorque de Smart, em contra-mão, enquanto lanças foguetes dentro do carro para comemorar os 25 anos da estreia do Back to The Future;
4) constrói um DeLorean e viaja até ao futuro, para verificares que, o que andas a fazer, mais cedo ou mais tarde, te vai atirar para o desemprego de vez; aproveitas e ficas por lá a divagar em Washigton onde, por essa altura, há um atentado de 4 em 4 segundos;
5) ou então esquece tudo o que está escrito atrás, e voltas a escrever outra trilogia, tipo Back to The Future, mas mais fixe ainda, e protagonizada pelo forever young, Michael J. Fox (mas deixas outro gajo realizar).

Zemeckis em 3 dimensões. 3000 mil anunos do M.I.T. trabalharam neste modelo digital durante 15 anos.

Blá, blá, blá Jesse James, blá, blá, blá, Robert Ford

2007-11-19T22:33:00.000Z

Brad Pitt massaja a virilha, como é hábito, nos filmes que protagoniza.

Aproveitando a onda de "filmes passados algures no interior rural americano em data relativamente incerta" iniciada por Sr. Mari, é altura de pôr os olhos num dos filmes maravilha do Festival de Veneza de 2007, The Assassination of Jesse James by The Coward Robert Ford, protagonizado pelo Sr. Brad Pitt e pelo Sr. Casey Affleck (sim o apelido é esse que vocês estão a pensar e, por ventura, se a mãe não andou a enganar o pai, é realmente o irmão do Ben. o Ben que se aventurou na realização de um filme cujo enredo é muito semelhante à história do desaparecimento da pequena Maddie. diz-se se por aí que o próprio em pessoa Ben possa ter vindo ao Algarve e levado a menina, numa espécie de campanha macabra para promover o filme).

A grande surpresa é que o trailer é fixe e, basicamente, parece demonstrar a vontade do Pittzinho em voltar a fazer papéis dignos de referência, tipo papel canson, ou o famoso papel cavalinho. O Casey Affleck interpreta o Robert Ford, e diz-se que, além de matar o gajo (porque o filme chama-se assim, ou seja não me culpem a mim por já saberem o final, culpem o gajo que inventou o título do filme; aliás, isto era mais ou menos a mesma coisa que o Titanic se chamar "A Morte de Jack Afogado no Oceano Atlântico Porque a Kate Estava Entretida a Assoprar No Apito Para Chamar A Atenção Dos Barcos Salva-Vidas Porque O Titanic se Afundou Depois de Terem Tido Relações Sexuais Num Ford T") como eu estava a dizer, além de matar o gajo (ao que tudo indica, porque eu ainda não vi o filme) Casey Affleck promete nos próximos anos dar que falar, porque primeiro é irmão do Tio Ben, e depois porque se afirma cada vez mais como actor de referência - depois das aparições na saga Oceans, e ter passado uns anitos a levar com papéis que ficam ali entre o secundário e o figurante, nomedamente nos filmes do nosso grande amigo Gus Van Sant, tanto no Gerry, como no Last Days ou mesmo no longínquo Good Will Hunting (o Bom Rebelde, em português, para os mais desatentos), protagoniza agora o filme do Ben sobre a tal criança que é inspirado na Maddie (ou ao contrário, não sei e não interessa), intitulado Gone Baby Gone.

Em Veneza, Brad Pitt arrecadou o Leão de Ouro para o melhor Actor. Talvez este seja o ano em que, finalmente, possa arrecadar o óscar há muito merecido, desde que fez o 12 Monkeys, passando pelo Seven, acabando no Babel (afinal de contas, é sabido que conseguir levar a Jolie a pernoitar, dá direito a prémio).

Ver Trailer>>

There Will Be Blood

2007-11-07T01:27:00.000Z

O filme novo do P.T. Anderson (não tem nada a ver com telefones), o gajo que pôs o Tommy Cruise a verter lágrimas em frente às câmaras no mega-épico Magnolia, já tem trailer. Chama-se There Will be Blood e estreia nos states por alturas da consoada. A narrativa baseia-se num romance de Upton Sinclair, Oil, sobre a exploração de petróleo nas Américas do início de 1900. Daniel-Day-Lewis volta a fazer uma pausa no seu emprego como sapateiro para protagonizar um filme em que mais uma vez é o mauzão de serviço e onde promete assustar muitas pessoas com o seu bigode e voz cavernosa. O puto mudo do Little Miss Sunshine é o jovem líder de um culto religioso meio satânico (e fã das igrejas desenhadas pelo Tadao Ando, como o olhar treinado do arquitecto certamente notará no trailer). De outro quadrante chega o guitarras dos Radiohead, Jonny Greenwood, para escrever a partitura que acompanha todas estas bonitas imagens e de que se fornece uma pequena amostra.

O trailer (como decerto terão reparado) é tão infinitamente bom e promete um filme tão bestialmente extraordinariamente fixe-a-délico que até dá vontade, depois de enxugar a lágrima ao canto do olho, de telefonar para o senhor P.T. (pleonasmo) a ver se ele nos envia uma cópia de pré-visualização do filme, talvez simulando a voz sexy do Mário Augusto, esse grande maluco, não sei. Ou prometendo oferecer-lhe uma t-shirt dos Universal Studios em troca.

El Orfanato

2007-11-06T22:09:00.000Z

O papel de parede de El Orfanato é especialmente bonito.

De viagem à capital do país vizinho, é impossível não ter indícios de depressão com a quantidade absurda de cinema que passa ao lado deste paízola ridículo que fica entalado entre o Atlântico e Espanha. Actualmente existem três tópicos que dominam a actualidade noticiosa espanhola, a ver:
.a possível (e inevitável) rescisão de Fernando Alonso com a McLaren;
.a controversa viagem a Ceuta da família real;
.a primeira longa metragem de Juan António Bayona.

El Orfanato é a primeira longa metragem de Bayona e tem uma temática muito próxima do The Others, realizado por Alejandro Amenábar. O enredo baseia-se numa mudança para uma misteriosa choupana gigantesca que range à noite, por parte de uma família algo invulgar – um pouco à semelhança do que acontece com o nosso Coisa Ruim do Frederico Serra e do Tiago-irmão-do-bicho-que-apresenta-o-jornal-da-noite-Guedes. Depois o filme utiliza uma linguagem algo americanizada, mas que funciona na perfeição, para induzir calafrios e, basicamente, medo. Medo daquele que desencadeia acções involuntárias ao nível do intestino grosso a alguns espectadores.

A esta linguagem extraída de produtos americanos, Bayona injecta conteúdo inteligentemente trabalhado, ou seja, não usa o suspense de forma absurda apenas para criar o medo. Usa sim as ferramentas que lhe permitem criar ambiente inóspitos para enfatizar sensações, de medo e terror, baseados em sentimentos humanos primários. A relação entre a mulher (Belén Rueda, em Espanha o delírio é tanto que já se fala nela para o óscar) e o seu filho, é a principal desencadeadora da avalanche e, à semelhança do que acontecera no The Others, o simples posicionamento de crianças em casas duvidosamente perigosas é, já por si, um motivo para se entrar na sala com cócegas no estômago.

Brincadeirinhas inofensivas, à noite, numa casa assombrada.

O Guillermo Del Toro é o produtor deste fora-de-série e, depois do sucesso relativo do Labirinto do Fauno na última edição dos óscares (ganhou 3 dos 6 óscares para que estava nomeado, mas perdeu o prémio de melhor filme estrangeiro para o The Lives of Others), prepara-se este ano para, quiçá, arrecadar o anão de ouro que lhe fugiu o ano passado, já que El Orfanato é o pré-candidato espanhol aos óscares 2008. Resta saber de que forma uma Academia conservadora, como a americana, encara a vinda de um filme de terror oriundo de Espanha, mas cujo envolucro parece saído de um dos estúdios da costa californiana.

Le hotel et les cheveux de Natalie, sacre bleu, formidable!

2007-10-26T20:14:00.000+01:00

Interrompe-se o clima de marasmo que invadiu este pasquim electrónico para dizer duas ou três coisas relacionadas com a recente (há coisa de dez minutos) visualização de Hotel Chevalier, curta do realizador Wes Anderson, que precede o seu filme a estrear (quem sabe?) nos cinemas do Portugal nos próximos tempos, The Darjeeling Limited. Toda a gente que me conhece sabe que, além de gostar muito de pesca desportiva, sou um fã dos filmes do homem, como o Jóne teve oportunidade de reconhecer há uns tempos após eu lhe ter arrancado um dos globos oculares com um garfo depois de ele me ter dito que tinha perdido a cópia do Rushmore (título português: Gostam Todos da Mesma - não é peta, vejam uma das cenas mais espectaculares aqui) que lhe emprestei. Pouca gente sabe que ele tem um berlinde de leite (acho que era um abafador) no lugar do olho esquerdo. Por isso é que costuma dormir com um olho aberto e o outro fechado.

Bem, vamos aos factos:

1) Apesar da existência (divina) da Divina Escarlate, a Natalie Portman é a mulher mais bonita do mundo (mesmo quando aparece ao lado de um arrumador, de bigode, como é o caso)

2) 3) 4) ...

76) Apesar da existência (divina) da Divina Escarlate, a Natalie Portman é a mulher mais bonita do mundo (mesmo - ou especialmente - com o cabelo curto)

77) Finalmente, há vários planos em que a Natalie Portman aparece em pêlo

A curta esteve disponível na loja americana do iTunes à borliu, para usar latim (ou francês, ou apenas uma expressão foleira) mas eles já se deixaram disso, por isso, num acto democrático algo anormal numa época de Putines e Sócrateses, é utilizar o programa ilegal de download à vossa escolha para comprovar com os vossos próprios olhos estes meros 12 minutos de película.

Machete

2007-10-16T22:51:00.000+01:00

Rose McGowan, em Planet Terror - a cyborg mais sensual do ano.

A segunda parte do Grindhouse chega finalmente a Portugal, depois de um interregno de alguns meses – houve inclusivé a hipótese de vir directamente para vídeo e, nesse caso, pessoalmente mudaria a minha nacionalidade para um país bem longe daqui, estilo Uganda ou Sri Lanka. Felizmente veio para o cinema e, tal como era de esperar, Rodriguez redimiu-se de todos os seus pecados e apresenta uma obra verdadeiramente notável. Não é, no entanto, para todos. No fim, há duas coisas que qualquer homem deve ambicionar: ter um blusão de cabedal e uma miúda sem uma perna.
Antes da exibição do Planet Terror é-nos esfregado na cara um trailer maravilha intitulado Machete, que imediatamente indica que o Rodriguez não entrou no esquema Grindhouse (rapidamente desfeito) para brincar. O Machete, interpretado por Danny Trejo, que consegue ser ao mesmo tempo, o mais famoso e o mais energúmeno actor mexicano – mas não é por isso que deixaremos de o idolatrar – é um mercenário mexicano que, basicamente, é mau como as cobras. Daquelas do tamanho de arranha-céus.

O trailer torna-se num objecto de culto construído principalmente em três momentos: quando a voz off anuncia que “they just fucked with the wrong mexican”; quando a mota dele é bafejada por uma explosão nuclear e é projectada a 1 km de distância com ele lá montado; e finalmente, por terem conseguido arranjar, não uma, mas duas tipas loucas (ou cegas) o suficiente para darem um beijo no Danny. O trailer é de um filme fictício (mas que poderá dar origem a um filme real) que é uma autêntica viagem ao passado – a uma época em que se faziam filmes de acção a sério. Daqueles em que o duplo do protagonista partia os dentes no asfalto e rasgava a pele na chapa da mota. O Danny como só se metia em filmes Z's, nunca teve um duplo – protagonizava ele próprio as quedas com a dentição directamente no ferro.
O resultado é esta carinha de santo.

Danny Trejo é, além de esbelto, bastante dotado na arte do canto lírico.

O Sonho do Camandro

2007-10-06T23:05:00.001+01:00

Scarlett e Bellucci teimam em ir vestidas para as galas. Marceau posa, semi-nua, para os jornalistas.

O bom e velho Woody Allen brinda a comunidade cinéfila com mais um drama recheado de entroncamentos sentimentais e de inter-relações humanas mais complexas que o ADN de um chimpanzé. E é precisamente aí que, normalmente, reside a sua genialidade. As histórias de Woody, além de revelarem um certo apreço pela cenografia natural da cidade são, habitualmente, enredos desprovidos de ornamentos despropositados. E revelam-se sempre recompensadores do ponto de vista masculino – visto Woody ser dono de uma capacidade de persuasão acima da média, junto das actrizes mais dotadas da terra da Madeira Sagrada (Hollywood).

Depois de, na América, lhe terem fechado todas as portas na cara, Woody ruma a Inglaterra, em 2004, para rodar o Match Point com o Jonathan Rhys Meyers e a Scarlett Johanssen. O filme revela-se uma obra prima e relança Woody para o caminho do sucesso – curiosamente esse caminho é tão aplaudido no circuito mais alternativo como nas receitas de bilheteira provando, mais uma vez, que o Sr. Woody ainda não está senil de todo. Entretanto, roda mais um filme em Londres em 2006 – apenas com a intenção de passar mais umas tardes solarengas na companhia da bela e única Scarlett – o Scoop, que revela o Hugh Jackman num registo cómico-dramático muitíssimo interessante. Depois Woody ruma a Veneza para apresentar o seu novo filme (2007) Cassandra's Dream, protagonizado por dois gigantes do cinema contemporâneo oriundo do Reino Unido (se é que a Irlanda faz parte do Reino Unido): Ewan McGregor e Colin Farrell. Por último, Woody prepara um filme rodado em Barcelona que ainda não tem nome (e quanto a mim, nem precisa de ter e, pensando melhor, nem precisa de ser um filme no verdadeiro sentido da palavra, basta ser uma sucessão de imagens em que as protagonistas vão interagindo as duas, e até podia acabar com um clímax assim mais explícito, sei lá, do estilo Deep Throat – mas isto são apenas dicas que o tio Woody até podia aproveitar). O filme será protagonizado por Scarlett Johnanssen e Penélope Cruz.

Depois deste filme, Woody Allen, rodará outro filme em que Scarlett protagonizará, juntamente com Monica Bellucci e Sophie Marceau, um filme centrado num triângulo amoroso no qual três mulheres extremamente sensuais habitam a mesma casa e partilham o mesmo leito. Além disso partilham, também, outra coisa que eu não percebi bem, quando tive oportunidade de falar com o próprio Woody ao telefone, mas prometo que, da próxima vez, estarei mais atento às palavras do velho sábio. Vou dormir. Os Ben-U-Rons fora do prazo provocam, pelos vistos, devaneios temporários graves. Humm... Hum...

2 Days In Paris

2007-09-23T23:14:00.000+01:00

Jack, Marion e o pai de Marion (que, por coincidência, ou não, é o pai da actriz-realizadora-argumentista, na vida real).

Como há algum tempo que já não punha os olhos num filme europeu, decidi ir ver o 2 Days in Paris, da Julie Delpy. A Julie Delpy que se tornou bem conhecida do público americano aquando do díptico melodramático Before Sunrise e o Before Sunset, que co-protagonizava juntamente com o Ethan-tenho-areia-no-crânio-em-vez-de-cérebro-Hawke que, se bem me lembro, deu com os pés na Uma Thurman – e quem tem uma atitude destas só pode ser homosexual ou TomCruisiano – e a lançou para o estrelato do cinema semi-indie europeu. O que interessa é que a menina Julie Delpy foi adquirindo notoriedade até conseguir protagonizar este filme, enquanto o realizava e depois de o ter escrito. Ora bem, isto levanta, à priori, uma série de questões fundamentais para a correcta interpretação do filme. Há, na actualidade, poucos realizadores que têm a capacidade de escrever e realizar os próprios filme e que, quanto a mim é, normalmente, uma mais valia (por outro lado estou a pensar, por exemplo, que se o Stallone se pusesse a realizar tudo o que escreveu, provavelmente o cinema hoje já não existiria). Depois há os que escrevem, realizam e protagonizam. Assim de repente só me veem à cabeça estes: o João César Monteiro (que não conta porque a tela ficou permanentemente preta), o Vicent Gallo (este tão pouco porque no fundo trabalha por felácios, não por amor à arte) o Nanni Moretti e, claro, o Woody Allen. Se o Nanni Moretti não tem muito jeito para a coisa – o gajo consegue ser mais egocêntrico que que o homem de Vitrúvio desenhado pelo Da Vinci, podia era dedicar-se a escrever manifestos comunistas e entregar os guiões a alguém que os quisesse realizar na Índia, ou algo assim – o King Allen continua a ensinar como fazer as coisas: neste momento está a rodar um filme com a Scarlett e com a Penélope Cruz. Em Barcelona.

Tudo isto para dizer que o filme da Juie Delpy que apresenta o Adam Goldberg numa prestação bastante boa – no Entourage já tinha mostrado que representar com humor, era com ele – não é carne nem peixe. É um filme. Não é carne porque acho que não é oriundo de novilho, nem bovino, nem derivados, e tão pouco é oriundo de animais marinhos. É, portanto, um filme. Um filme. Um filme que foi filmado em Paris.

O início é bastante promissor, e quase se consegue vislumbrar ali aluma coisa de Woody-Allenesco. O filme começa com a chegada a Paris do casal Marion e Jack. Ela é parisiense e trabalha em Nova Iorque. Ele é nova-iorquino e está de férias na Europa. O filme é bem construído (e quando digo construído, quero dizer camuflado) e consiste basicamente, na exploração das ideias clichés que os europeus têm dos americanos, e vice-versa. Depois, a camuflagem desaparece e a vida da Julie Delpy é completamente transposta para o ecrã. E isso irrita. Irrita porque o autobiografismo é demasiado óbvio para que possa ser devidamente aproveitado na construção de um filme como obra de ficção interessante. Resumidamente falta à Juile Delpy, que além escrever, realizar e protagonizar, também editou e concebeu toda a banda sonora, algum discernimento na escrita que rapidamente passa de um âmbito ficcional, para uma espécie de documentário não-assumido da sua vida íntima.

A grande diferença entre este 2 Days in Paris e o Lost in Translation além, obviamente, da distância temática, cénica e cenográfica, e do facto de haver, ou não, a presença da Scarlett, é a forma como abordam o autobiografismo. Um está implícito, outro é demasiado explícito. Provavelmente se fosse outra pessoa a interpretar o papel de Marion, o filme tivesse ganho outra profundidade. Não obstante, o filme foi seleccionado para o Festival de Berlim, o que é um bom indicador – pessoalmente acho que só foi seleccionado porque esse grande actor, protagonista do Goodbye Lenin, Daniel Bruhl, faz um papel (que dura 65 segundos) no filme.
Vejam, se tiverem oportunidade. Se não tiverem, não façam caso, aproveitem e joguem bowling, ou assim.

Ratatui

2007-08-26T20:55:00.000+01:00

A ratazana a adicionar, carinhosamente, coentros à sopa.

Depois de um filme como o Cars, a Pixar tinha entre mãos uma tarefa ingrata: criar um filme que estivesse dentro dos mesmos parâmetros de qualidade. Qualidade essa que nasceu prematuramente com o já velhinho Toy Story, 1994 (nos dias de hoje, o Andy, o protagonista humano do Toy Story, já tem barba, e embebeda-se dia sim dia não). Aquando da compra da Pixar por parte da Disney, foi assinado um contrato secreto: um rato iria protagonizar o próximo filme. A Pixar, subverteu o sentido das palavras escritas no contrato e desenvolveu um filme protagonizado por uma ratazana. O Ratatui demorou cerca de 5 anos a materializar-se na maravilha gráfica que é hoje. Foi preciso esperar que o Brad Bird acabasse o Gigante de Ferro, fosse subornado pela Pixar para integrar a equipa e realizasse os Incríveis, para pegar na ratazana cozinheira e levá-la até ao grande ecrã.

O filme é sobre uma ratazana que percebe de culinária. Como é habitual nos filmes Pixar, há uma postura humana (ainda que seja um animal, um brinquedo ou um carro a tê-la) que questiona a sua condição individual e a relação social que tem com os que o envolvem. Depois, normalmente, as conclusões são evidentes, e no fim tudo é maravilhosamente belo. Basicamente a história é a procura de uma ratazana da sua própria identidade (e isto pode parecer bastante idiota dito assim, não obstante é um objectivo nobre que origina um produto muito interessante). Poderá, afinal, uma ratazana desempenhar o papel de um cozinheiro?

Os meios técnicos atingiram um nível em que começa a ser válida a questão de querermos habitar unicamente um universo fantasista tridimensional, em vez da dura realidade em que normalmente habitamos (na qual nem sempre há papel higiénico quando é realmente necessário). Para fechar o aparato em grande, a Pixar brinda-nos com duas visões maravilhosas: uma vista de Paris fenomenal, e o pseudo-vilão mais fixe de sempre, o Antono Ego (e aqui estou a incluir o Scar, do Rei Leão, e o gajo do Hércules que tinha o cabelo azul e cuspia fogo).

Antono Ego, o vilão mais fixe desde Nero.

Death Proof

2007-08-15T22:42:00.000+01:00

O cartaz visto ao longe tem dupla interpretação, por isso afastem-se 4 metros do monitor por um momento.

Meia-noite. De visita ao norte do país decidi meter-me dentro de um cinema para ver o regresso do Tarantino. Senti que podia ser um momento significativo na minha vida por isso antes de ir para o cinema, vesti o meu casaco preto e enfiei uma chiclete na boca. Estava pronto para levar com uma boa dose de adrenalina na testa.
Quando se decidiu separar este Death Proof do Planet Terror, (o filme irmão do Robert Rodriguez) teve que se aumentar a duração de cada uma deles para poderem ser exibidos individualmente. O filme vem para a Europa desprovido do seu conceito original e com mais uma boa meia hora, não contemplada na primeira montagem.
Lamentações à parte, enterrei-me na cadeira à espera do furacão. A exibição inicia-se com uma pequena animação protagonizada por uma pantera azul. “Isto promete”, comentei para a Eva. Estiquei os braços com um movimento repentino e recostei-me. O filme começa com um genérico à lá Jackie Brown, até que aparece a Jungle Julia a fumar substâncias proibidas num cachimbo d'agua. Depois aparece a Vanessa Ferlito e no final destes 8 minutos, apenas dois pensamentos me passavam pela cabeça: “porque é que ainda ninguém pegou na Ferlito e a pôs nua numa tela de cinema” e “será que o Kurt Russell demora muito a aparecer?”.

Jungle Julia à esquerda e a Ferlito no meio.

Stuntman Mike. Quando se ouvem estas duas palavras e se está a ver o Death Proof, significa que dentro de 23 minutos vai-se experienciar um dos momentos mais brutais, possíveis de ser experimentados dentro de uma sala de cinema. E quando digo brutais, é de contemplar o desembarque na Normandia do Spielberg, as torres a caírem do Fight Club ou o berbequim a furar a cabeça do gajo do Pi. Esqueçam, isto é muito melhor. Quando se tem um carro como o do Kurt Russell (Chevy Nova, 71) cujo motor faz com que o rugir do T-Rex do Jurassic Park, pareça um risinho de bebé, é porque alguma coisa especial se avizinha. O Kurt Russell está exactamente igual ao que nos habituou nos últimos 30 anos. O mesmo personagem, os mesmos tiques, a mesma representação. Tudo afinado para que o filme se transforme num referencial cinematográfico gigantesco.

O segundo carro mais fixe de sempre.

O filme beneficia de uns diálogos bem esgalhados em que o Tarantino faz uma incursão relativamente interessante ao universo feminino (ou pelo menos o que ele pensa que poderá ser)e, claro, do mundo da exploitation, antecedida por todos os prefixos possíveis e imaginários (black, sex, shock, etc.) em que o ambiente criado é fabulosamente pop. Aparece o Stuntman Mike, e o Tarantino cozinha meticulosamente a tal cena que é sem dúvida o zénite do filme (aos 40 e tal minutos). A partir daí tudo é maravilhosamente belo e, para confirmar o filme como objecto de culto, presenteia-nos com a cena de perseguição mais emocionante do século XXI.
A película propositadamente degradada e os cortes súbitos, conferem ao filme um visual deslumbrante que infelizmente se vai perdendo ao longo do filme (à meia hora de filme, já ninguém se lembra disso, incluindo a gaja que habitualmente monta os filmes do Tarantino, Sally Menke). A história é inconsequente mas isso apenas faz com que a acção e o ambiente abusadamente pop, se potenciem. Para acabar resta dizer que o filme, além de ter uma banda sonora à maneira, é um objecto de culto bastante interessante, mas não pertence à classe de outros filmes do Tarantino, como o Pulp Fiction ou o Reservoir Dogs (todavia provoca um síndroma de estilo a quem sai do cinema: o próximo carro a comprar é inevitavelmente um Dodge Challenger).

Lynch says no to ly(n)xo!

2007-08-06T23:46:00.000+01:00

Recuperando a figura do post imediatamente anterior à prosa amarelada que precede este, do cérebro de David Lynch (mesmo depois de espreitarmos lá pra dentro e, com a ajuda do bisturi, roubarmos um pouco de massa encefálica para posterior análise laboratorial) continuam a brotar coisas assustadoras, como este anúncio televisivo dirigido às incautas gentes de NY (é de 91).

Se não acham que deitar papeis para o chão é feio, então esperem até ao dia em que bandos de ratazanas mutantes (e) gigantes vos estiverem a mastigar a cabeça com os seus belos dentinhos para pensar de outra maneira. Não digam que o Lynch não vos avisou!

The Simpsons

2007-08-06T01:17:00.000+01:00

Depois de 17 anos a resistir à máquina hollywoodesca, Os Simpsons decidiram ir, finalmente, até Los Angeles para rodarem um filme. A transformação de um produto televisivo num objecto cinematográfico é normalmente um processo muito delicado e quase sempre com um resultado desastroso – vejam-se quase todos os filmes derivados de séries, a começar pela adaptação dos Flinstones, a passar pelos quase tele-filmes que foram exibidos nos cinemas dos X-Files, a acabar em aberrações fílmicas como o filme do He-Man (que passa de personagem definida por linhas e mancha para um ser humano, com um Q.I. inferior ao de um barrote de madeira). Claro que há excepções, como é o caso do Miami Vice ou a saga fílmica do Missão Impossível, que infelizmente foi progressivamente descendo de qualidade numa avalanche dividida em três actos: 1º um produto relativamente interessante, não fosse o Tom Cruise aparecer no filme, fotograma sim, fotograma não, o 2º, já em plena queda livre para o abismo, que se veio a confirmar no terceiro, como um poço bastante fundo (não obstante, corroborou-se o valor do Tom Cruise como pior actor do momento, apenas superado pelo Ben Affleck e o gajo do He-Man – o grande Dolph Lundgren).

Voltando aos Simpsons, é de valorizar que, pelo menos, conseguiram mantê-los amarelos e incisivos na crítica social. Permaneceram fiéis à série, e isso é meio caminho andado para uma adaptação relativamente bem sucedida. A outra metade do caminho, é fazer o que o filme realmente faz: encadear de uma forma sucessivamente brilhante gag atrás de gag, numa corrente louca de momentos fabulosos “à lá Simpsons” que dá vontade de sair do cinema e comprar os 400 episódios, hibernar durante 7 dias e ver manchas amarelas a interagirem. De um ponto de vista salutar digamos que não será muito vantajoso, mas lá que era uma experiência mais interessante que o Big Brother, disso não há duvidas. Resumindo, o filme é um episódio magnífico de uma hora e meia em que a dimensão do Homer no ecrã é directamente proporcional à sua estupidez. O genérico é genialmente calibrado para corresponder aos “tempos de hoje” e à própria condição fílmica que o universo Simpsons, ganha (por exemplo, o Bart escreve no quadro “Não piratearei este filme”, etc). Os Green Day aparecem a tocar, num cameo extraordinário que remete para uma sátira ao Live 8. De seguida a Lisa apaixona-se por um Irlandês, o Homer apaixona-se por um porco e o Bart apaixona-se pelo Flanders. Tudo isto nos primeiros 5 minutos de filme. Depois aparece o Schwarzenegger e o filme confirma-se como um dos momentos altos do ano.

Os nossos queridos amigos do Público (aqui e aqui) fazem questão em distanciar-se da euforia popular, reivindicando a sua suposta superioridade intelectual (que ninguém sabe onde está, ou sequer porque existe), ao refugiarem-se no argumento que o filme não traz nada de novo à série. Aqui ente nós, é claro o acrescento que um filme exibido numa tela de 30 m² durante uma hora e meia, traz de novo em relação a um episódio exibido numa televisão de 60 cm, que dura 20 minutos (além disso é de longe o melhor momento que eu vi dos Simpsons, pelo menos nos últimos tempos). Não sei, eu cá não tenho plasmas de 12 metros de diagonal na sala (acho que os tipos do Público compraram-nos todos, porque nem sequer me lembro de ter visto isso à venda) mas quem sabe… Remato o texto na tentativa desesperada de fazer compreender a diferença entre 60 cm e 12 metros – uma questão de tamanho, portanto – com uma expressão roubada ao Peter Bradshaw do The Guardian “Quando a cara amarela da Lisa enche a tela pela primeira vez, é como uma espécie de acid trip”.

A Lynch

2007-07-18T17:05:00.000+01:00

Se se pudesse abrir a sua cabeça e contemplar, ainda que por uma única vez, o que existe no seu interior, ficaríamos petrificados com a quantidade de demónios íntimos que habitam aquele crânio, contentor de um cérebro meticulosamente concebido para contar estórias. E das boas. O simbolismo avassalador, que é a essência do seu objecto cinematográfico, ganha uma dimensão tão profunda quanto a horrível capacidade individual de construir o cenário mais negro. E levamo-lo para casa. Tenta-se abandonar a ideia de que o cenário não era tão negro como se havia imaginado. Em vão. Era ainda pior. O terror é eminente quando se visualiza um filme do Lynch. Não na tela, claro, mas na mente daquele que observa. E ele vai soltando-os, um a um, criteriosamente escolhidos, os demónios que outrora habitaram a sua cabeça, e hoje habitam, inevitavelmente, a nossa.

O regresso do blockbuster de Verão x3

2007-07-10T01:04:00.000+01:00

Sabe-se lá porquê, mas concerteza por motivos diametralmente opostos aos que me levaram a ver dois filmes do Manoel de Oliveira (inteiros!) no espaço de uma semana, tive a oportunidade de botar olho em cima de três das maiores apostas dos estúdios americanos para fazer render o cacau que andaram a desperdiçar, desde o final do verão passado, em festas em penthouses regadas a coke & biatches.

Uns míseros 2 euros (que à saída afinal revelaram ser uma pequena fortuna perdida para sempre) foi quanto custou a admissão na sala de tortura onde passavam O Quarteto Pouco Fantástico Aliás Bastante Normalzinho e O Surfista Marado em Tons de Prata. O grau zero do cinema de entretenimento: sem argumento, sem extraordinárias sequências de accção, nem sequer efeitos especiais de jeito e, ainda, sem ponta de humor, apesar das 319 tentativas em produzir momentos de comic relief. Por vezes parecia mesmo que o filme inteiro era um comic relief, mas de quê? Talvez do ridículo cameo do Stan Lee, logo no início (tipo, assassinam-lhe as personagens e a BD inteira e ele, de bom grado, participa no funeral).

Quem não terá achado muita piada à coisa (ou ao Coisa? hahahahahaha!) foram alguns actores secundários do filme, que vinham construindo uma reputação inexpugável em séries de televisão com muita pinta. O gajo do The Shield (O Protector, passa no AXN e na TVI, quando se lembram), uma série policial plena de sujidade (visual e narrativa) é o Coisa. O Dr. Christian Troy (quando me mudar prás américas quero ter um nome destes!) de uma das melhores série do momento, agora que Os Sopranos acabaram, Nip/Tuck (na FOX Life e na TVI, lá pelas 4 da matina) é um mauzão qualquer. Depois há também o Andre Braugher, o Detective Pembleton da fenomenal série de polícias de Baltimore (essa cidade que pede meças às metrópoles brasileiras com cerca de 400 homicidios por ano e que é soberbamente retratada na série do momento, The Wire - A Escuta, DVDs das 3 primeiras séries à venda nas locadoras nacionais, compre já) que dava pelos nineties na RTP2 , Homicide: Life on the Street, e que é uma espécie de General com passado de jock e por isso não se pode dar bem lá com o doutor não-sei-quantos (portanto, um geek ou nerd) que preside ao Quarteto. A lógica “passar das séries à TV é subir no prestígio” inverteu-se nos últimos anos. Para dar um exemplo, ainda estamos para ver um filme de jeito com o James Gandolfini, que substituiu o DeNiro como ícone do crime organizado.

Ao menos o Jóne, que me arrastou para esta pastelada cinematográfica, ficou igualmente deprimido e terá rumado directamente a casa para enfiar pelos olhos adentro 3 sequelas do Anacondas ou do Alien vs. Predator.

Uns dias depois, tempo de rever o camarada McClane, que anda a esfregar o joelhinho nu em vidro partido desde o tempo em que as galinhas tinham dentes e o avô roubava pudim Boca Doce ao neto. Ele é duro. Ele não gosta de mariquices como computadores ou internet. Ele anda sempre com 32 cartuchos de pistola no bolso do casaco, just in case. Ele é careca. Ele diz Yuppi-kay-e-Madafaca! antes de arrumar o cabecilha do gang. Ele atira carros pelo ar contra helicópetros. Ele manda selos em gajas armadas ao kungue fu. Ele é o verdadeiro Terminator, não aquele gajo que anda a governar a Califórnia sem saber mais que duas palavras em inglês. Se não acreditam, ele é gajo para dar cabo de um avião sozinho só para vocês perceberem que ele já anda aí há muitas sequelas a dar cabo do canastro a tudo o que se mexa (pessoas, veículos) e que não se mexa (paredes, muitas). Como é possível não gostar de Live Free or Die Very, Very Hard? ou, para a geração youtube, Die Hard 4.0 (gosto mais do primeiro nome).

Arranjaram-lhe um compincha. É um puto chato, que passa o filme inteiro a debitar um discurso comuno-cibernético-conspiracional muito em voga por estes dias, assim uma mistura entre Bloco de Esquerda e Linux. O McClane tem que o proteger de uma corja multinacional que mete franceses praticantes de parkour e italianos estereotipados a quem só falta dizer Mamma mia! Che Pizza! enquanto vão metralhando por aí. O chefe da pandilha é o Timothy Olyphant, mais um tipo que vem das séries (Deadwood, uma coboiada de categoria que passa no FOX) e que não chega aos calcanhares da malvadez do Hans Gruber, do tomo inicial, ou do Jeremy Irons, do Die Hard 3. Isto acontece mais por culpa de um argumento fraquito, cuja finalidade exclusiva é deixar fluir as sequências de accção, com um ou dois bitaites do Bruce pelo meio. E essas são boas, apesar de às vezes o McClane parecer mais o Rambo do que um polícia de Nova Iorque, tal a quantidade de malta que avia sem parar para tratar de uma ou duas balas que entretanto se lhe alojaram no coração, coisa pouca.

Um filme que mete o pessoal a dar murros de contentamento no ar e a repetir expressões-cliché logo nos primeiros 10 minutos não pode ser mau. Já não me lembrava de fazer dessas tolices. Foi hora e meia bem passada, entre explosões, nostalgia e o McClane a cair de prédios abaixo. Infelizmente a Holly, a ex-mulher do McClane, não compareceu à festa, mas a filha dele já é crescidita e não fica mal em película. Vamos esperar então pelo quinto capítulo deste serial, de preferência com mais porrada ainda.

Para finalizar este devaneio hollywoodesco, nada como ver um filme do Michael Bay. Sim, esse mesmo, o senhor que gastou mega ziliões de milhões de dólares para fazer o Pearl Harbour, um filme que já foi oficialmente considerado pelo governo americano como uma catástrofe com consequências mais devastadoras que o próprio bombardeamento de Pearl Harbour pelos japoneses. Como medida preventiva, Michael Bay foi encarcerado pelo governo do Tio Sam, um dos irmãos do George W., na prisão de Guantanamo, onde dia sim, dia não era torturado com o recurso à action figure da personagem do Ben Affleck no Armageddon (não se sabe exactamente de que modo a figura terá sido utilizada nessas sessões de tortura, mas advinha-se). Todos os dias pedia para telefonar ao Jerry Bruckheimer, mas ele andava ocupado com o início da produção do novo franchise do CSI, CSI: Massachussets e nunca estava em casa.

Um dia o Spielberg estava a rever o E.T. e, como toda a gente, chorava na parte final, em que o puto se despede do alienígena. Lembrou-se do Michael Bay, lá nos confins de Cuba, o boneco do Ben Affleck como única companhia, e teve pena dele. Telefonou para o George W. a dizer que lhe enviava uma cópia do E.T. autografada pelo próprio extra-terrestre se ele libertasse o Michael Bay. Assim se fez. Quando o Michael Bay voltou a pousar pés nas américas, o Spielberg estava à espera dele no aeroporto com um contrato para realizar o Transformers. O Spielberg é um fixe.

Michel Bayé, j'ai besoin de toi.

O resultado desse encontro infernal entre, respectivamente, um dos gajos mais respeitados do cinema e o gajo menos respeitado do cinema tem uma duração superior a duas horas. Nós, inocentes, de início pensamos em 120 minutos de porrada entre robôs com um ou dois corpos dilacerados de humanos a pontuar a acção de vez em quando para a coisa ter o seu quê de orgânico. Mas não. Afinal, o Michael Bay quis fazer uma espécie de National Lampoon’s Transformers, ou American Pie meets Tron ou coisa que o valha. De todos os cantos surgem disparadas piadas, ao ritmo de duas ou três por segundo, numa lógica de “se falhas uma, mandas mais dez até que uma delas tenha piada”. O pior é que nenhuma delas chega a ter, nem aquela em que o Michael entra em modo auto-irónico, pondo as personagens a gozar com o Armageddon. Depois, há que fazer render a publicidade na colocação de produtos: há um transformer que passa a vida no yahoo (não, não é a pesquisar porno); o ebay surge mencionado umas 50 vezes; os Autobots são todos da General Motors; a dada altura, o personagem principal veste uma t-shirt dos Strokes (tá a vender CDs!); cúmulo dos cúmulos, há uma sequência escrita de propósito só para mostrar um novo telemóvel da Nokia e os personagens repetem o nome da marca umas dez vezes (é um nokia! ah, é um nokia! pois, é um nokia! etc…).

O Michael Bay não perde também a oportunidade para encher o filme com as suas sequências de marca: 12 planos de pessoal a subir para aviões com banda sonora de orquestra triunfante a acompanhar. E, claro, todas as gajas têm que ter estofo para aparecer na capa da Maxim, se fôr preciso, não só a babe do protagonista, mas também a líder dos geeks, que basicamente passa o filme a correr de um lado para o outro montada em saltos altos. Mortos no ecrâ, nem pensar, nem ponta de sangue, inclusive depois dos transformers destruírem a baixa de L.A. inteirinha.

Mas se há coisa que não se consegue estragar são os Transformers. Vá lá, são robôs que se transformam em carros, aviões, tanques, camiões ou até rádios! Criados nos anos 80! Davam na televisão quando a malta era mais cachopa! Há coisa mais porreira que isso? Bem, talvez isto que o compincha jwoofer descobriu no outro dia. No filme, quando a robô-batalha começa, um gajo esquece-se de tudo, até do Michael Bay, e é desfrutar do som da chapa a bater e das sequências em câmara lenta (há uma em que até o Spielberg deve ter chorado) com transformers a saltar por cima dos mísseis. Pelo meio há uma coisa chamada argumento, mas é tão mau que o pessoal limita-se a contar os segundos até à próxima cena de pancada enquanto passa as vistas por uma das tespianas no écrâ.

É para ver a mandar murros no ar e a cantar em falsete:

Transformers

More than meets the eye!

Transformers

Robots in disguise!

Tempo agora de fazer uma cura de blockbusters vendo a integral do João César Monteiro. Ou não. Felices vacaciones!

Poesia Urbana

2007-07-04T00:05:00.000+01:00

Foram precisos mais de 2 anos, para que algum de nós se lembrasse que, apesar de termos uma amante chamada cinema, temos uma paixão denominadada arquitectura. Ao fim de dois anos, aparece aqui, milagrosamente, um texto de arquitectura (é mais assim a modos que um poema). Neste caso sobre Nova Iorque (um bocado para celebrar a ida de um de nós a uma outra grande metrópole, Tokyo).

Manhattan transforma-se no palco de experimentação arquitectónico, no qual o real é a consequência mais directa da utopia. Durante o século XX, Manhattan modifica radicalmente a sua morfologia e gera, de uma forma avassaladora, o cenário metropolitano mais cobiçado para a concretização de qualquer tipo de fantasia. No início do século XXI, afirma-se (involuntária e irrevogavelmente) como um espaço de mediatização absoluta quando transforma a tragédia máxima, num momento que se revela igualmente cruel e sublime. A morte de milhares contribui, em última instância, para a solidificação da condição reivindicada: a que a utopia prevaleça. O simbolismo inerente à queda das torres é, apenas, um pretexto para que se possa materializar mais uma fantasia – precisamente onde aconteceu a tragédia. Com alguns anos de distância que fomentam a reflexão, a tragédia inunda-se a si própria de significados eminentes. Aquela que me interessa agora é, a face que relaciona directamente a imagem do desmoronamento das torres, com um gorila a escalar o edifício mais alto, ou os anões que habitam uma cidade miniatura. É a face que, de tão crua, se torna milagrosamente bela. Como os aviões a colidirem com uma parede maciça de betão e a consequente derrocada. Mais uma imagem incrível debitada por esse baú gigante de postais que é Manhattan. Não que alguém desejasse estar lá nesse momento, mas uma coisa é certa: Manhattan nunca fora tão bela. Tão perigosamente apetecível. Como uma paixão que desemboca numa tragédia, resta somente uma coisa: apaixonarmo-nos novamente. O estratagema resultou. Manhattan ergue-se das cinzas e, pelo sonho, promete a sua reconstrução de uma forma ainda mais sublime. A brutalidade do simbolismo é inigualável quando se constata que, efectivamente, existe já um novo ícone em Manhattan: um pedaço de terreno atulhado de destroços. A nova atracção que move milhões é uma parcela de terra onde, simplesmente não existe nada, a não ser entulho. O Central Park, inesperadamente, deixa de ser o vazio mais popular em Manhattan, para ceder lugar ao Ground Zero. Porém, além de serem ambos um vazio, no meio da massa edificada da ilha, é impossível qualquer outra relação entre eles. Sendo semelhantes no abstracto, são demasiado diferentes na realidade. A demanda popular pela quimera, subsiste e fortalece-se.

No início do século XX, essa procura materializou-se num mundo fantasioso, primeiro em Coney Island, depois em Manhattan. Primeiro os parques de diversão que ofereciam o alheamento da realidade mundana, e uma duplicidade formal obtida através de meios tecnológicos, que rapidamente se transferiu para Manhattan, depois a própria materialização na ilha maior, da fantasia, com o emergir do novo mutante que vem dominar a cidade. A metrópole molda-se à pressão popular, uma tentativa desesperada de resposta a um fenómeno que, em primeira instância, é provocado por ela própria. A derradeira condição metropolitana confere a Manhattan um poder mítico de controle sobre tudo o que se desenrola na ilha. Tudo menos a dimensão do sonho que ela própria estimula. É gerada uma arquitectura baseada nos princípios da demanda popular e associada, sempre, a um ideal hedonista e de consumo.

Em última análise, depois da busca popular pela satisfação da utopia, os próprios construtores de Manhattan são convocados a intervir, para que seja possível essa materialização. No fim, também uma elite cultural (o arquitecto) se propõe a intervir em Manhattan, aqui, para que igualmente as suas fantasias sejam consumadas. Manhattan adquire uma colecção absolutamente incrível de objectos construídos ao longo do século XX que, por um lado, são frutos deste fenómeno complexíssimo que é a sua própria condição metropolitana e que, por outro, e de uma forma extraordinária, funcionam milagrosamente em conjunto. A matriz, que em primeira instância provoca o constrangimento e delimita ao interior da quadrícula qualquer intervenção possível, permite, por outro, a construção e a co-existência de qualquer objecto dentro de si própria, assim como proporciona a derradeira fronteira celeste. E o ciclo fecha-se uma vez mais com a queda das torres. Manhattan está pronta para incorporar mais um elemento na sua densa malha: um novo sonho.

The Trailer Show 05

2007-06-21T15:11:00.000+01:00

Neste episódio, eu e o Rozé fazemos uma visitinha ao Ocean's 13, ao The Astronaut Farmer, ao Blades of Glory, e ao Marie Antoinette que, finalmente, saiu em dvd - por isso passem pela fnac, comprem uma cópia para vocês, e enviem outra aqui para a redacção da Bala. Obrigado.

Ainda Há Pastores?

2007-06-17T13:35:00.000+01:00

O documentário Ainda Há Pastores? de Jorge Pelicano venceu o FICA - Festival Internacional de Cinema Ambiental do Brasil (diz-se que é o maior festival de cinema ambiental do mundo e arredores). É de louvar o esforço feito por ele e pelo resto da malta que o acompanha, por terem conseguido levar um filme português assim tão longe. Até o Hermínio (o pastor) acompanhou a equipa ao Brasil e teve a oportunidade de, pela primeira vez, ver uma mulher.

Em nome da Bala, deixo aqui um forte abraço ao grande Jorge pelo seu prémio.
O blog oficial é este aqui: www.aindahapastores.blogspot.com (tem uma foto com o Hermínio a tomar banho rodeado de brasileiras, por isso vale a pena).
O site do FICA é este: www.fica.art.br

The Trailer Show 04

2007-06-13T15:16:00.000+01:00

Com algum tempo de atraso, chega o episódio nº. 4 da serie, que é já um fenómeno internacional, The Trailer Show (parece que andam dois tipos bolivianos a ver o programa, no intervalo de colheitas ilícitas). Neste episódio eu e o Rozé, tratamos da saúde dos seguintes filmes: 28 Weaks Later, Pirates of The Caribbean: At World's End, Zodiac, The Departed
Aproveitem.

"Not Another Zodiac Post"... ou o Verão Azul passado sentado à sombra de um chaparro... ou o post mais longo de sempre!!!

2007-06-11T15:41:00.000+01:00

Pessoal, este Post vem celebrar dois eventos. O primeiro, e talvez o mais importante de todos, é o regresso do Ró “El Sid” Zé ao activo no que à postagem no blog diz respeito. O segundo trata-se de esta ser a primeira incursão da Bala Perdida naquela que já é considerada a tipologia cinematográfica do século XXI – A TRILOGIA. Provavelmente até será o mais próximo que conseguiremos estar de açambarcar uma franchise e levá-la a bom termo ao longo de três fantásticos episódios como já nos provou o Pedro Jaquesão nesse clássico telefilme em três partes que foi “El Señor del Anillo”.
Portanto é desta forma que eu venho completar um ciclo de três posts sobre o filme não-blockbuster que até ver mais marcou o ano de 2007, pelo menos a mim, e que serviu para abrir as festividades do Verão e a catadupa de popcorn movies que por aí se sucedem à doida.
The Zodiac, esse filme que ninguém é capaz de falar sem aludir à obra serial-killeriana anterior de Fincher! Não estão as duas sujeitas a comparação de forma alguma, mas devo admitir que o meu favoritismo pende para o filme da Maya em detrimento do Se7e do Brad Poço! Tendo dito isto acho que não tenho rigorosamente mais nada a dizer sobre o filme... Diacho, lá se foi a teoria do tríptico e tal e isto ser um post altamente...

Bem vou basicamente falar daquilo que ninguém na Bala tem coragem para falar porque acham que pode ser embaraçoso no futuro, quando alguns de nós forem críticos de cinema (daqueles mesmo a sério, estão a ver?) e, de repente, após uma opinião extremamente bem fundamentada alguém se vira e diz: “Tudo isso é muito giro caro colega mas eu bem sei que no Verão de 2007 o colega num post que fez num blog de sua autoria cometeu a heresia de... até me custa dizer... de... referir-seaosblockbustersdeVerão...!!!!”

Eu vou-me arriscar e referir-me a essa cultura descerebrada que parece predominar entre os meses de Junho e Agosto, e vou também falar no que me der na veneta, pois já que faço parte dos fundadores do blog, faço o que bem me apetecer! Ninguém manda em mim!
Vou talvez começar por aquele que seria o filme mais esperado desta temporada, em grande parte devido aos seus dois antecessores (a tal cena da trilogia, lembram-se?), e que em grande parte veio deixar um enorme vazio e sensação de perda no coração dos seus fãs: Homem-Aranha 3.

"Se eu soubesse que me iam pintar de rosa não tinha vendido bilhete ao jóne"

Neste terceiro filme da saga Sam Raimi optou por um caminho difícil que foi o de bater com o punho na mesa e dizer que já chegava das brincadeiras cinematográficas com a personagem mais querida da Marvel. Estava na altura de o celebrar tal como ele existe na banda-desenhada e parar com as invenções de enredo típicas deste tipo de filme (o doctor octopus e peter parker serem bons amigos antes do primeiro dar em doido e transformar-se em mau e querer matar o spidey. Por favor. Se for para roubar enredo não o roubem à DC porque é concordar na vossa inferioridade. Mas se, ao mesmo tempo, tiverem com falta de ideias para os enredos tentem não pegar nos maiores clichés da história do cinema). No terceiro filme Raimi assume a personagem tal como ela é nos comics e dá aos verdadeiros fãs dos livros de bonecos três horas da melhor adaptação cinematográfica marveliana que eles já tiveram oportunidade de ver. Porém, ele não consegue esconder aquilo que já todas as pessoas vinham a notar desde o inicio da saga: a fraca prestação e incapacidade do Tobey Maguire de arcar com uma personagem tão conflituosa como a de Peter Parker. Maguire revela-se nitidamente o elo mais fraco, seguido de perto por uma Kirsten Dunst tão apropriada para o de Mary Jane Watson como o gato Elias para o papel de Inspector Max. Esta é definitivamente a confirmação de um erro crucial no inicio da saga e que se prolongou até ao seu culminar.

Mantendo o ritmo, já que estamos a tratar de adaptações de comics, passemos directamente para o 300 de Zack Snyder que já nos tinha presenteado com uma original releitura do “Dawn of the Dead” de George Romero. O estilo de escrita de Frank Miller é, provavelmente, o mais aproximado que se poderá ter de um ponto de vista cinematográfico. Não é difícil fazer um bom filme dos seus livros, nem sequer é necessário ser um bom realizador, basta respeitar o ritmo e desenvolvimento da história e também os enquadramentos de cada uma das vinhetas. É claro que, se a tudo isto lhe acrescentarmos um realizador capaz como Snyder, obtemos uma das melhores transposições de comics para cinema.

"Madness? This is Sparta...cus!!"

Snyder opta por intervir sobre a obra de origem (tal como já havia feito no seu primeiro filme) e dar-lhe um maior caráter de heroic fantasy do que aquele que a banda desenhada possui. Surgem criaturas antropomórficas e seres vindos de um bestiário que se acreditava serem existentes naquela época. Mas o essencial permanece inalterado, especialmente a fabulosa coloração de Lynn Varley.

Voltando às trilogias (vêm o que eu estava a dizer?) temos o terceiro volume das aventuras de Jack Sparrow que é de longe o mais ambicioso de todos e justifica bem o investimento dos 4 euros e 20 cêntimos, caso sejamos estudantes, velhos, crianças ou seja 4ª feira) para quem é fã de piratas e de filmes de puro entretenimento. Johnny Depp continua no seu melhor em termos de actuação e a personagem de Davy Jones continua a ser uma das mais atractivas do imaginário fantasioso.

Outro filme que tive oportunidade de ver foi “Pathfinder” que é em todos os sentidos uma verdadeira desilusão. Ia preparado para um bom filme de acção realizado por Marcus Nispel e acabou por sair uma mistela de o que quer que seja extremamente desinspirada. Nispel que tinha estado extremamente bem no seu remake do “Texas Chainsaw Massacre” acabou por não estar à altura de uma narrativa que até se poderia revelar bastante promissora.

"Eu sou viking, tu és viking, mas eu sou índio, e tu não és índio, mas eu sou viking, tu és viking, mas eu sou índio, e tu não..."

Há muitos muitos anos atrás do nosso tempo, os vikings não se limitavam a ser o Thor e andar por aí de martelo na mão a dar vergastadas na cabeça de salafrários. Eram um povo, como hei-de dizer, bárbaro e mau e davam porradinha na cabeça de pessoas mais pequeninas que eles, que era o resto do mundo pois eles eram uns animais nórdicos. Numa das suas incursões ao território americano eles deixam um rapazinho para trás (Karl Urban) que é adoptado (após ter tratado de toda a papelada que era exigida) por índios. O miúdo cresce e transforma-se num animal grande e nórdico mas domesticado por índios que ao fim e ao cabo não eram nada selvagens! Resumindo e concluindo, os vikings voltam um dia para dar mais porradinha na cabecinha dos índios mas o garoto acaba por lhes dar porradinha a eles e tal! Karl Urban esteve muito melhor em qualquer um dos filmes que já tinha participado e o resto do filme estava pronto para dar num domingo à tarde na TVI!
Fica de fora desta incursão pelo Verão o “Die Hard 4.0”, os “Transformers” e o “Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado” pois nenhum deles ainda estreou e alguém falará deles lá para a frente!

Mas como o Verão não é só cinema, falemos também dos festivais de Verão. Este ano parece que todo o santo festival tentou arranjar o melhor cartaz possível e tal mas como eu não vou ver nenhum deles vou só falar daquele que vi. A abrir as hostilidades da concertalhada tivemos o OeirasAlive, do qual eu só estive presente no 1º dia e pude ver Pearl Jam e Linkin Park. Foi aquilo que eu considero um concerto inesquecível especialmente por serem duas das minhas bandas preferidas. Embora o espaço não tivesse infra-estruturas à altura do evento o pessoal tava lá era para mamar cerveja, mamar canhões e ouvir musica. Eu não bebo e tão pouco fumo, pelo menos voluntariamente, logo acabei por ouvir a musica.
O concerto dos Linkin esteve à altura dos anos de espera que eu tive de me submeter para poder vê-los ao vivo. Foi um pouco curto mas é um concerto de Verão, eles não eram cabeças de cartaz por isso não vamos ser mais papistas que o Papa, ok?
Quanto a Pearl Jam, como seria de esperar nada nos pode preparar para um concerto daqueles. Estava tanta gente dentro do recinto que eu acho que por duas horas o resto do mundo ficou completamente vazio de corpos humanos! Estive quase lá há frente mais os meus compinskas mas, comparado com o pessoal que estava ao fundo do recinto, eu estava dentro do palco! Cada musica que eles tocavam era uma celebração mística de transe e tal, ou se calhar era o efeito de eu já estar há mais de 3 horas a inalar os canhões que todo o pessoal há minha volta fumava!

E como o post já vai longo e tenho a certeza que só eu, o jóne e o Mari é que vamos ler até aqui (eles são obrigados a isso para terem a certeza que eu não digo mal deles e terem de responder) vou encurtar o que tenho para dizer e deixar apenas uma sugestão final em termos de banda-desenhada!

A pérola da empresa de McFarlane

Há já muito tempo que não lia nada da Image e achei que eles tinham perdido um pouco do seu ímpeto inicial, mas este último mês tenho-me deliciado com “The Walking Dead” uma série criada por Robert Kirkman e magistralmente ilustrada por Charlie Adlard. A série é, como o título não pode deixar de revelar, sobre mortos-vivos ou zombies, como preferirem, e baseia-se um pouco no conceito da série MTV “the Real World”! O que acontece quando as pessoas deixam de ser simpáticas e passam a ser verdadeiras! Num mundo completamente dominado pelos zombies, um grupo de pessoas tenta sobreviver apesar de todos os seus hábitos, regras e noções do real estarem completamente alterados. Vai no livro 6 e vem vindo a ficar cada vez mais violento mas, para quem gosta de estórias extremamente bem contadas, que trabalhe bem a psiqué das suas personagens e acima de tudo, para quem viu os filmes de Romero e quis saber o que aconteceu depois, esta é uma série altamente recomendada! Na Fnac cada volume custa 11 euros e mais alguns cêntimos, mas acreditem que vale bem a pena cada uma dessas moedas especialmente se pagarem tudo em moedas de 5 cêntimos!

Abraços e própes pessoal!!!

Chamavam-lhe "o Zodíaco"

2007-05-27T00:50:00.000+01:00

Caro Jone, permite-me discordar, ou talvez não.Cinco anos à espera para pôr as vistas em cima de qualquer coisa em celulóide do mestre Fincher e ele decide atirar-nos com outro filme sobre um assassino armado em espertola. Ninguém estava à espera de um Se7en II (possível título para uma sequela, que concerteza alguém do calibre de um Brett Ratner ou dos meninos do Saw irá realizar algures nos próximos anos, pra fazer render o peixe: Se77en - John Doe Returns From the Land of the Dead and Brings Elvis Along for the Ride) e confirmou-se isso mesmo, aquando do visionamento do Zodiac.

Já o tempo que mediou entre o Clube da Batatada e o Sala de Muito Medo e Algum Pânico tinha custado bastante a passar. Um gajo contava todos os segundos num crescendo de ansiedade desde aquele momento em que saíramos da sala de cinema, ainda com o cérebro feito em puré depois de termos levado com os pós-modernismos do Palahniuk filtrados pelo olhar matreiro do mestre Fincher. Tínhamos aprendido, entre outras coisas, a fazer bombas com uma parte de glicerina e duas de Sunquick; a mastigar raíz de valeriana para curar as insónias; a vender roupa em segunda mão roubada para ganhar uns trocos; a mijar para dentro da sopa, porque sim. O Ed Norton e a Helena Bonham-Carter a fazerem um par de maluquinhos perfeito e, mon dieu!, o Brad Pitt até sabia actuar, por uma vez na vida!

Chegou depois o tal filme, inspirado mais ou menos no Hitchcock, em que o mestre Fincher restringia a sua câmara maluca a uma casita onde a Jodie Foster e uma catraia qualquer tinham que se haver com uns malandros duns gatunos. Era um passo atrás em termos de espalhafato (que tão bem funcionara no Clube e no 7) e o mestre Fincher experimentava as maravilhas da condensação, também com bons resultados. O filme não deixou, porém, de ser uma semi-desilusão. Pensávamos ter descoberto no Fincher um ponta-de-lança do barroco cinematográfico (assim tipo um Gianlorenzo Bernini dos filmes) mas ele afinal quer é atirar-se a tudo. Até é boa ideia alternar filmes "grandiosos" com projectos mais "simples" (o Shyamalan podia aprender qualquer coisa com isto, para não voltar a mandar bosta à parede e depois filmar o resultado, vide A Senhora das Águas), mas um gajo tem que ter sempre um tipo de quem possa dizer:

- É o melhor realizador de sempre, ó pá!

(depois, segue-se uma série de informação sobre o gajo, assim tipo conversa para impressionar garotas com a nossa sabedoria infinita)

Tudo isto para enquadrar os meus sentimentos em relação ao último tomo da filmografia do mestre Fincher. O íncio do filme promete muito, com a primeira de várias recriações dos homicídios do gajo, o Zodíaco. O tom seco, natural e a extrema minúcia na composição visual das sequências dos crimes empresta-lhes uma aura hiper-real (cultivai-vos, ide ler o Baudrillard) que as torna nas cenas mais extraordinárias do filme. Depois, entra em cena o Donnie dos Coelhos, no papel do cartoonista a quem se deve isto tudo (o mito, o livro, o filme), menos a parte dos assassínios. Um gajo olha pra ele e está sempre à espera de ver o coelho gigante aparecer a espreitar-lhe por detrás do ombro, ou a fazer cornos (com as patas) pelas costas ao Bob Downey Junior. Ele não tem culpa de ter sido o protagonista de um dos filmes mais bestiais dos últimos mil anos (o Donnie dos Coelhos), mas ao menos podia mudar de penteado, ou de expressão de alucinado, para o pessoal perceber que ele não faz sempre o mesmo personagem. O já referido Bob D. Jr. repete, pela nonagésima vez, o papel de drogado/bêbado/olheiras/roupa marada, o que apenas prova o que toda a gente já sabia: ele é mesmo assim na vida real, um bandalho. Quem salva o triângulo central do elenco é o grande Mark Ruffalo, um gajo que já entrou em filmes do pior e do melhor e deve ter aprendido através deles que ser actor é deixar-se apagar por detrás do papel que lhe dão. A sua entrada em cena está, aliás, ligada ao momento em que o filme verdadeiramente arranca, a sequência do assassinato no táxi e posterior investigação. Quando o Ruffalo e o seu parceiro (o Dr.Greene do Serviço de Urgência a fazer uma perninha na polícia de San Francisco, porque a vida está má, até prós médicos, e há que pagar as contas do tratamento anti-cálvicie no fim do mês) chegam à cena do crime, o ritmo (moroso) do filme aumenta exponencialmente e parece que nós estamos também ali, naquela esquina de Presidio Heights, à cata do Zodíaco.

Os primeiros dois terços do filme seguem com mais atenção a investigação policial, para no fim o interesse se deslocar para a obessão pessoal do Donnie dos Coelhos. O momento que separa estes dois tempos é a cena do interrogatório ao suspeito principal, outra cena muito conseguida, principalmente pela subtileza com que o actor que interpreta o possível culpado constrói o seu papel, deixando escapar certos pormenores que o parecem comprometer aos olhos da justiça. A partir daí o filme vai perdendo gás, ou saltando datas a um ritmo que nem sempre nos deixa discernir a evoulção dos acontecimentos, ou enveredando por pistas laterais com pouco interesse. O que salva muitas vezes o filme nesta fase final é - além das vezes em que, distanciados da narrativa, reparamos que a fotografia é bestial (cortesia do Harry Savides, de quem se falou há algum tempo, por ocasião de um texto sobre o Elephant), que a reconstituição do ambiente de San Francisco dos anos 60/70 é poderosa, ou que a selecção musical é do best - é um humor seco e certeiro, que aparece quando menos se espera, no meio de toda esta seriedade.

Concluindo, Zodiac é um filme que consegue, durante a sua hora e meia central, agarrar numa série de acontecimentos reais e capturar-lhes a essência, colocando-nos a nós também por momentos no centro da caça ao homem. É um grande filme, mas parece ir perdendo o rumo à medida que o Zodíaco vai desaparecendo do radar e que o Donnie dos Coelhos prova não ter caparro para levar o filme às costas sozinho (já agora, o papel da Chloe Sevigny como mulher dele, também não acrescenta nada ao filme). A sequência que encerra o filme é uma tentativa de acrescentar algum estrondo no final através de uma conclusão que desfaça todas as dúvidas, mas a história do Zodíaco é precisamente o contrário de uma narrativa fechada. Percebe-se o gosto pela elipse, terminar o filme com a mesma personagem que o inicia, mas o mestre Fincher devia guardar os finais estrondosos para filmes que precisem mesmo deles, como o Se7en e o Clube da Batatada.

Tenho dito.

(conte as vezes que foi utilizada a expressão "mestre Fincher", multiplique o resultado por 6, substitua os algarismos pela letra correspondente e voilá, você descobriu o nome do verdadeiro Zodíaco!)

John Doe vs. Zodiac

2007-05-25T12:55:00.000+01:00

O embate entre estas duas figuras é inevitável numa altura em que estreia o novo filme do mestre Fincher. Para quem não viveu os anos 90 na Terra, passo a fazer um resumo muito sucinto.
No início dos anos 90 surgiu a MTV e o cérebro dos adolescentes americanos mirrou ainda mais. Apareceram as primeiras consolas de jogos a “sério” como a Super Nintendo, a Mega System, e a Mega Drive. Clonou-se o primeiro animal (pelo menos que se saiba, porque há rumores que alguém teve a ideia idiota de clonar o Hitler). A Dinamarca ganhou um campeonato da Europa e além do felácio da Monica Lewinsky ao Bill Clinton, apenas mais duas coisas são verdadeiramente mercedoras de relevo: um filme chamado Seven e outro chamado Pulp Fiction.

O Seven traz à baila uma personagem brilhante chamada John Doe, interpretada por esse actor fora de série que dá pelo nome de Kevin Spacey. Ora bem, a questão é esta, com a chegada do Zodíaco às salas há, inevitavelmente, comparações absolutamente disparatadas e despropositadas que tentam pôr os dois no mesmo plano (o Zodíaco e o John Doe). É bastante óbvio que os dois são personagens claramente diferentes, assim como os filmes, que aliás têm também propósitos também muito diferentes, já que tanto técnica como linguísticamente são objectos distintos. Mas, rendendo-me à parvoeira que assolou o planeta quando o Fincher revelou que ia fazer um filme sobre um serial-killer, junto-me à larga população que insiste em confrontar os dois.

Num embate justo entre estas duas criaturas, existe há partida um factor que dá uma larga vantagem ao Zodíaco, o facto de ser inspirado num caso real. 1-0 para o Zodíaco. Em relação ao número de homicídios cometidos pelos dois, o John Doe leva vantagem com as suas 7 vítimas mortais, ao passo que o Zodíaco apenas chegou ao número 4 ou 5 e, mesmo estes, não estão absolutamente confirmados (não é que eles não tenham morrido, não se tem é a certeza de quem os matou). O resultado volta a equilibrar-se 1-1. Porém, o Zodíaco (o verdadeiro) foi mais inteligente na medida em que não foi descoberto, ao contrário do J.D. que como se sabe, se entregou e morreu no fim do Seven (não obstante de isso ter sido fundamental para completar as 7 vítimas). 2-1 para o Zodíaco. É precisamente este facto, o de o John Doe ter dado a sua vida para completar o derradeiro desígnio, que fecha a jornada brilhante da sua invenção maquiavélica (não que eu aconselhe isto a ninguém) e merece, sem dúvida, um ponto apenas pelo jogo mental e pela inteligência com a qual delineou o plano. O empate volta a surgir, 2-2. Ambos se serviram de artimanhas para evitar que as suas impressões digitais fossem descobertas – o J.D. cortava a pele da ponta dos dedos, e o Zodíaco limitava-se a usar luvas (há que admitir que neste ponto o Zodíaco foi mais inteligente, mas o J.D. também factura). 3-3. Devido ao objecto cinematográfico de excepção no qual se insere, o J.D. ganha vantagem na recta final (além disso os homicídios do J.D. são mais originais). O Seven por ser um filme artísticamente tão relevante, ganha através do seu representante homicida, o cobiçado troféu. 4-3 resultado final para o John Doe.

O John Doe ressuscita e vai receber o troféu. O Zodíaco (com medo de revelar a sua identidade) nem sequer aparece na entrega do prémio - provavelmente acabou de encontrar a sua próxima vitima.

The Trailer Show 03

2007-05-18T13:08:00.000+01:00

O comboio do Trailer Show não pára e já passou por mais esta estação que mostra o Pathfinder, o Renaissence, o Breach, e o The Queen (dvd). No meio do discurso houve, como é natural (e difícil de evitar) mais umas calinadas que apenas enriquecem o trabalho e lhe dão uma dimensão mais humana (não de superhomem). Aproveitem.

Spider Man 3

2007-05-15T17:14:00.000+01:00

Spider Man revela-se triste e sussurra para o fecho eclair do fato

"para isto, mais valia terem-me pintado de cor-de-rosa."

Já se sabe que quando as produtoras decidem produzir filmes apenas para fazer dinheiro, alguma coisa corre mal. Muitas vezes corre tão mal que as produtoras fecham e acabam por chamar o Paulo Branco para mandar areia para os olhos da malta do ICAM e a coisa resolve-se sem grandes incidentes. Desta vez, como a produtora é americana, não me parece que alguém venha cá ao paízola chamar o tipo.
A Marvel – essa bênção divina que apareceu para criar banda desenhada – decidiu que tinha que enveredar pelo caminho do cinema. Esta decisão foi tão acertada quanto o pontapé do Marco na boca da Sónia: tem tanto de intencional como de estupidez. Como o objectivo é fazer dinheiro, a Marvel pega no seu melhor super-herói e ridiculariza-o ao ponto de parecer saído de uma série da TVI. Se há quem defenda que é impossível criar bons filmes quando o objectivo é produzir um blockbuster, então o Spider-Man 3 é o exemplo máximo.

Para quem não viu o filme, é fácil imaginar, tão fácil que nem vale a pena ir ver. A sério. Imaginem um personagem parecido com o Billy Joe (o vocalista dos Green Day) misturado com o Topo Gigio (o rato) e vestido de Homem Aranha a saltar de prédio em prédio em plena Manhattan. Ao intervalo pensei que isto era só uma paródia que antecedesse o filme e que na segunda parte iria começar o filme a sério, e até comentei com o Rozé “olha, a que horas começa o filme?” – ele riu-se, deu-me uma pancadinha nas costas e disse, “vai lá mas é buscar o teu sumo de maracujá”. Encarei esta resposta como “também não estou a gostar, mas pronto, já que pagámos o bilhete, vamos ficar até ao fim”. E ficámos. Fui buscar o sumo e depois fui à casa de banho. Quando voltei para a sala, achei que algo iria mudar o rumo do filme. Acreditei profundamente que o Spider Man não se iria deixar vencer por aquele verdadeiro vilão que é o Tobey Maguire (Peter Parker). Mas deixou. O filme é tão mau que sinceramente fico triste (ainda mais sinceramente, não fico, mas pronto, foi só para ser mais profundo) quando penso no dinheiro e no empenho de tantos bons profissionais num produto tão mau. O Sam Raimi que tinha feito 2 Spider Man’s muito bons, tirando os planos nos quais aparecem bandeiras americanas que até provocam arrepios, a Kirsten Dunst, que neste filme parecia um robô comandado por um gajo que comanda robôs, assim como o Topher Grace, essa jovem esperança do cinema adolescente americano, estavam todos ali, a fazer uma espécie de Rua Sésamo em Nova Iorque (o Spider Man era o Ferrão).

Agora num tom mais sério, o filme é muito bom. E quando digo “bom” estou a ser sarcástico no ponto máximo permitido pela gramática, porque o que eu queria dizer era exactamente “mau”. O filme é sem dúvida para um público muito específico, que partilhe o prazer de ver séries juvenis ou que tenham disfunções ao nível hormonal (que no fim de contas representa 90% da população jovem americana). Ou os dois. Resumindo, não vejam, aluguem antes a saga das Anacondas que é o que eu vou fazer e, pelo mesmo dinheiro, passam um bom par de serões, muito animados, com cobras mutantes no meio dos pântanos da Amazónia a engolir tudo o que lhes aparece à frente – incluindo homens mulheres e palmeiras.

p.s. – para uma critica mais alargada façam um abaixo-assinado dirigido ao Rozé e entreguem-no na sede da Bala – pode ser que ele se sensibilize e escreva alguma coisa.

The Trailer Show 02

2007-05-04T18:17:00.000+01:00

Inevitavelmente surge este segundo episódio do programa The Trailer Show, gravado em plenos estúdios da Bala, e pós-produzido em pc's topo de gama na tvAAC. Ainda sem oferendas para distribuir pelos espectadores, mas já com genérico, continua o programa na sua demanda para informar os interessados das estreias semanais e não só. Spider-Man, Sunshine, Suicídio Encomendado e Casino Royale são os traielrs que eu e o Rozé em pessoa (é verdade ele existe) elegemos para a segunda ronda do programa. Devo desde já dizer que a audiência do programa anda à volta dos 28 pontos percentuais. Mais coisa menos coisa. Os dvd´s da Fnac tardam em surgir, mas certamente que acabarão por vir parar às nossas (e às vossas) mãos. Nem que seja ir lá, e falar com o caixa e deixar uma ou duas notas de 20 para os trazer.

The Podcast Show 07 [Clint Eastwood]

2007-04-29T22:16:00.000+01:00

A Bala voltou a deslocar-se à cidade para gravar mais um episódio da série de culto, The Podcast Show. Desta vez eu e o Rozé tivemos o privilégio de receber o Mariachi que esteve emigrado nas serras durante um bom par de meses. Juntos rumámos então à urbe para fazermos o programa sobre esse grande cowboy que é Clint Eastwood. A conversa decorreu dentro da normalidade até o microfone do Rozé se avariar (pela 2ª vez consecutiva) o que fez com que o próprio Rozé, chateado com os micros de 1 euro do jumbo, se enfiasse na primeira camioneta para Espanha e fizesse o podcast na integral desde uma cabine telefónica no meio do deserto andaluz.

Depois da 1ª experiência de termos um convidado em estúdio, que é o mesmo que dizer Helder Jwoofer - a enciclopédia humana de Rocky Balboa e Stallone - a Bala achou por bem repetir a experiência sempre que possível, por isso aguardem, pode ser que mais cedo ou mais tarde apareça por aqui o grande (em comprimento de pelo do peito) David Hasselhof.

Para quem acha que a religião cristã é baseada numa mentira, é sacar este mp3:
Podcast Bala Perdida 07 [CLint Eastwood]

Quem é fixe usa o itunes:
http://balaperdida.mypodcast.com/rss.xml

TREZENTOS

2007-04-24T17:44:00.000+01:00

Como já há bastante tempo que não se escreve neste sítio cibernético sobre cinema, o 300 é um bom exercício para se voltar a reflectir sobre o que é, ou não, um bom filme. Primeiro é bom referir, aos mais desatentos, que é uma adaptação de um álbum de banda desenhada – ou de uma graphic novel, ou o lá o queiram chamar aquilo, o facto é que tem quadrados e desenhos de grande qualidade impressos nas páginas, por isso, um catálogo do jumbo é que não é – desenhada pelo Frank Miller, já conhecido a nível planetário, por ter permitido ao Robert Rodriguez, depois de muito esforço, adaptar a sua saga semi-apocalíptica urbana, Sin City, também para cinema. O 300 teve a capacidade de dividir o grande público em duas facções bem distintas. A primeira conjuga os fãs que já conheciam a obra do Mestre Miller que ficaram seguramente deliciados com a adaptação, com os que foram apenas por curiosidade, e ficaram deslumbrados com o poder visual do filme. A facção descontente sente-se ultrajada por considerar que a narrativa do filme não é suficientemente profunda.

Considerando que um filme é a conjugação de vários factores e disciplinas, o importante é que o produto final que transparece na tela, seja um desencadeador de emoções, ou que faça pensar, que obrigue a reflectir ou que seja apenas um filme. E este tipo de raciocínio iria inevitavelmente conduzir-nos a um conversa acerca do propósito da arte, ou o que é a arte. Não querendo entrar por aí, o que é certo é que, se há alguma coisa que a arte pós moderna trouxe, foi precisamente isto, para o bem ou para o mal, não é preciso ser artista para produzir arte, nem sequer é necessário, ter uma mensagem para transmitir. Qualquer coisa pode ser arte, nem que seja, por exemplo, extraída do intestino do Andy Warhol. O que até tem o seu lado positivo, já que legitimiza toda a merda que se anda a fazer por aí, e se chama arquitectura. Voltando ao 300, o filme que não quer apenas ser (mais) um, é impossível não ficar deslumbrado com a qualidade visual do produto. E mais importante do que isso, cumpre com uma precisão notável aquilo a que se propõe – ser uma adaptação de uma obra do Miller para o cinema. O Zack Snyder revela um brilhantismo impressionante porque, se é verdade que o argumento não é tão extenso como propriamente a História Interminável, porque dura apenas 2 horas, então diria que o gajo é bastante dotado já que conseguiu fazer um bom filme, cuja história se resume apenas numa frase.

O filme, como já disse, é uma boa adaptação para o cinema da obra do Miller, porque transporta o ambiente no qual a original é narrada. As cenas de acção do filme são fabulosas, assim como todos os cenários, que foram integralmente criados em ambientes tridimensionais (todas as cenas foram filmadas em green screen). Para quem é fã de b.d. ou gosta de filmes de acção, o 300 é um objecto delicioso. Para quem acha que o cinema é apenas Wim Wenders e Teresa Villaverde, mais vale não irem ver o filme – juntam-se à lareira e fumam cachimbo a ver o Vale Abraão.

The Trailer Show 01

2007-04-19T10:38:00.000+01:00

Naturalmente, e depois de negociações demoradíssimas, nasce este prodígio da televisão estudantil que é o The Trailer Show. Derivado naturalmente do The Podcast Show, o programa que vai ser trasmitido semanalmente pela TvAAC, a televisão independente (e da Associação Académica de Coimbra), promete ser tão ou mais famoso que o Knight Rider. As associações são imediatas: Juanito é Michael Knight, o cavaleiro negro, e Rozé é K.I.T.T., o seu carro, também negro. O objectivo é divulgar as estreias semanais, e numa fase (não muito) posterior do programa, serão lançados passatempos para a oferenda indiscriminada de bilhetes, possivelmente cedidos pela Lusomundo, e dvd's, estes cedidos amavelmente e sem nenhum tipo de rancor, pela Fnac. Ou outra loja qualquer, desde que ceda os dvs´s. Portanto, cajo sejam de Coimbra ou arredores, gostam de cinema e a vossa segunda casa são os cinemas do Dolce Vita ou os do Fórum, que além de serem os únicos em Coimbra, são precisamente, os únicos, em Coimbra, fiquem ligados à internet, atentos ao programa que promete mudar a vida de muito boa gente. E levar alguns ao cinema.

The Podcast Show 05 e 06 [Rocky]

2007-04-07T12:39:00.001+01:00

Finalmente o episódio maravilha, duplo, é publicado neste formidável mundo cibernético. O tema é o penteado do Stallone (e a saga do Rocky, mas isso é só lá para o fim). Desta vez eu e o Rozé, não rumámos à cidade, o podcast foi feito em plena redacção da Bala, com mesa e micros de topo de gama - tirando um que era azul e foi comprado no Jumbo por 1 euro. O curioso é que dentro do micro, não havia nenhum tipo de aparelho electrónico para converter as ondas sonoras em sinais eléctricos - era ôco. De qualquer forma tinha um cabo, e decidimos ligá-lo à mesa. Como seria de esperar, não funcionava, o que obrigou o Rozé a deslocar-se a Filadélfia, Estados Unidos, para comunicar connosco por intermédio de uma cabine telefónica. Isso possibilitou a visita aos locais de rodagem do Rocky, e a possibilidade inclusivé, de o conhecer pessoalmente (a estátua, claro).

De referir, finalmente a presença de um convidado especial, não o Stallone, que à semelhança do Lucas e do Fincher, também ele declinou o convite para estar presente no estúdio à conversa, mas sim a de um homem para o qual a palavra Rocky se escreve somente com 4 letras e um R grande. Uma autêntica enciclopédia humana da obra do Stallone, e mais propriamente da saga do Rocky. O seu nome é Helder Jwoofer, um nome peculiar, mas que rima perfeitamente com Sylvester Stallone.

De referir que a qualidade sonora não é a melhor devido sobretudo à inexperiência do novo técnico de som. De qualquer das formas, aconselho vivamemente a malta a ouvir mais um dos tomos desta, também ela já uma grande saga, que é este The Podcast Show.

05 Podcast Bala Perdida [Rocky parte1]
06 Podcast Bala Perdida [Rocky parte2]

Para a malta que é fixe, o rss do podcast voltou a mudar e agora é este gajo aqui:
http://balaperdida.mypodcast.com/rss.xml

The Podcast Show 04 [David Fincher]

2007-03-25T02:50:00.000+01:00

Para quem tinha saudades nossas e tinha enchido a caixa da Bala de mails por estar já a desesperar por mais um dos podcasts já conceituadíssimos a nível internacional, aqui está o 4º tomo da série The Podcast Show sobre esse génio americano que faz uns filmes que se chama David Fincher. Tardou a sair porque, para não variar, o convidado especial, o próprio David Fincher, não apareceu e o Podcast foi feito em cima do joelho, à ultima da hora quando a malta que, tinha por direito requisitado o estúdio, preparava-se para usar da força para nos expulsar de lá. Eu e o rozé voltámos à cidade, desta vez de micro na mão, para gravarmos mais um destes podcasts, e para esgalharmos umas rimas pelo meio, assim a dar uma de mc no meio da praça, entretanto não resultou muito bem porque o autocarro 28 trouxe um grupo de putos mutantes que se chegaram a nós e começaram a sacar das naifas. Eu e o Rozé, como não queríamos chegar atrasados ao encontro com o Fincher, pusemo-nos na alheta e ao virar da esquina fizemos mangos aos putos que ainda estavam a circular pela praça - que nem canídeos a marcar o seu território.
Resumindo, foi mais um dia bem passado, tirando o cheiro a podre que senti quando os gajos saíram do autocarro.

Aqui fica para os bala-lovers o mp3 da conversa acerca do Mr. Fincher:
04 Podcast Bala Perdida [David Fincher]

Para quem é cool, é so fazer o "update podcast" no itunes, ou no caso de ainda não terem subscrito, é colar este url no bicho:
http://ipodnetworks.com/caster/587/rssfeed.php

The Podcast Show 03 [Star Wars]

2007-03-19T19:06:00.000Z

A Bala voltou a fazer uma das suas, já classicas, "conversas em frente a um microfone sobre coisas particularmente interessantes, nomeadamente, penteados de actores e decotes de actrizes". Desta vez o tema de partida foi a saga Star Wars e o penteado do saudoso Mark Hamill, seguido de um bom debate acerca da sua legitimidade quando afirma ser o melhor actor do mundo. É conhecido que a verdadeira identidade do Mark Hamill é Luke Skywalker, e este facto perfeitamente conhecido da opinião pública, faz com que seja um perfeito disparate a afirmação do próprio Jedi. Ele é bom com sabres de luz verdes e azuis, não tão bom com os vermelhos porque, segundo ele, "fazia reflexos estranhos no globo ocular", nada que uma boa noite de sono não resolvesse, assim como uma tintagem para alterar a cor da própria espada. Ele nasceu para ser Jedi, não um simples actor. Mark Hamill continua a ser, e sempre será, a figura de referência nos filmes de ficção científica que mais gargalhadas provoca aos espectadores, e isso, seja feita justiça, é aquilo a que os tipos do MoMA (museu de arte moderna, Nova Iorque) intitulam de Arte.

À conversa esteve igualmente George Lucas, que infelizmente não pode estar presente pessoalmente, mas falou-se bastante da sua obra, assim como do Harrison Ford que também declinou o convite por se encontrar a fazer a rodagem do Indiana Jones 4 - é sabido que as filmagens tendem a demorar 100 vezes mais do que quando era novo (quando tinha 60 anos) por motivos óbvios e também porque estão a usar como duplo do Ford, que já não consegue mexer-se muito bem, a figura de cera do próprio actor, que estava até há bem pouco tempo, em exposição do Madame Tussaud.

Para quem é fã dos 6 filmes que revolucionaram a história do cinema fantástico, ou quem acha que o Mark Hamill é a sua cara metade, ou quem quer tirar a limpo quem é matou o Kennedy, é sacar este mp3:

03 Podcast Bala Perdida [Star Wars]

Ou então subscrever o podcast mais porreiraço da web (no itunes, escolher >Advanced>Subscrive to Podcast, e colar esta linha vermelhinha que está aqui já em baixo, óh:)
http://ipodnetworks.com/caster/587/rssfeed.php

The Podcast Show 02 [Cinema Britanico]

2007-03-10T23:20:00.000Z

Eu e o Rozé voltámos a ir à cidade, desta vez de autocarro, e gravámos o segundo episódio do The Podcast Show - o Podcast sobre cinema que começa a fazer mossa no panorama crítico cinematográfico português (se é que o há). Desta vez o motivo de conversa foi o cinema britânico, nomeadamente os realizadores ingleses contemporâneos, a começar pelo Pedro Almodóvar e a acabar no Wim Wenders. Ou então foi a começar no Hitchcock e a acabar no Terry Guilliam, não sei bem, o que importa é que foi uma conversa bem agradável entre um café na praça e um tiro de caçadeira num dos pombos, também na praça. Importa realçar a ausência do tema predominante desta semana da vida política portuguesa, a candidatura, ou não, de Paulo Portas à presidência do cds/pp, também ausente da conversa esteve o debate da problemática entorno do ensino moderno da arquitectura. Assim, não há razões para não ouvir o 2º episódio do podcast maravilha por isso, saquem o itunes daqui, e dentro do programa escolham >Advanced>Subscrive to Podcast e colem lá o link que está aqui em baixo.
http://ipodnetworks.com/caster/587/rssfeed.php

Se a vossa mãe não deixa tirar programas da net, digam-lhe que "é da Apple" no caso de ela continuar a acenar que não com a cabeça, façam o download directamente deste link:

Podcast BALA PERDIDA 02 [Cinema Britânico]

Enjoy it.

The Podcast Show 01 [Oscares 2007 + Cobra]

2007-03-05T01:57:00.000Z

Finalmente a Bala ganha voz e salta do anonimato bloguista para uma plataforma radiofónica. Sábado dia 3 de Março, eu e o Rozé fomos à cidade e gravámos o primeiro de, esperamos, uma série de podcasts de interesse para nós e para os bala-lovers. Este primeiro episódio é sobre a 79ª cerimónia de entrega dos óscares (referentes aos melhores de 2006). No fim há uma rubrica que ainda não tem nome, mas é acerca dos [melhores] filmes de acção dos anos 80. E outros. O inevitável Cobra, a brilhante personagem interpretada por Stallone, faz as honras e começa aquela que pode vir a ser "A Melhor Rubrica de Sempre Num Podcast Nacional". Esta primeira incursão radiofónica ficou à volta dos 15 minutos (ou possivelmente um pouco mais) e é bem porreirinha para a malta que é fixe pôr no ipod. No caso de não haver um aparelho destes por perto, ouvir no Media Player. Não é tão porreirinho, porém.

Para a malta mesmo fixe, que tem o itunes (os que não têm podem sacá-lo directamente do site da Apple - é gratuito e diz-se que é "um bocadinho melhor que o Media Player"), podem usar o link que está aqui já em baixo para subscrever directamente o Podcast - assim cada vez que se ligarem à net e ao itunes podem ver se há actualizações, sem necessidade de recorrer aqui ao blog mais cool da web.

http://ipodnetworks.com/caster/587/rssfeed.php
(dentro do itunes ir a >Advenced>Subscribe to Podcast e Colar lá o link que está em cima)

Se não tiverem o itunes, deviam ter, mas aqui o Juanito é amigo e disponibiliza o link directo para o mp3 que, sabe lá Deus como, consegui alojar algures nas páginas do Sapo. Não tem, porém, tanta qualidade.

(clicar aí em baixo para ouvir o bicho - para gravar para o disco clicar no botão direito e escolher "gravar destino como", ou alguma coisa parecida)

Podcast Bala Perdida 01 [Oscares 2007 e Cobra]

Óscares 2007

2007-02-26T16:16:00.000Z

Ainda que doente arranjei forças suficientes para resistir ao cansaço que é ficar até às 5 da manhã a olhar para uma televisão, na esperança de ver o que, realmente, superou tudo o que era esperado.

A noite começou com as derrapagens do costume com o Mário Augusto na Sic Notícias a dizer as balelas do costume o que é sempre bom para aguçar o apetite. A malta de o púbico e da revista-sobre-tudo-menos-cinema e todos os pseudos-críticos aclamavam a uma só voz a vitória de Babel como melhor filme. Aqui o Juanito avisou, inclusive enviei mails à redacção deles e avisei-os que Babel não ia ser o premiado como o melhor filme de 2006. Ninguém ligou.

Adiante, a noite começou tímida enquanto a Ellen Degeneres ia mandando as graçolas próprias de um bom anfitrião – que foi. Os primeiros prémios decorreram sem grande atribulação, alguma surpresa para o Pan´s Labirinth que arrecadou logo os 3 primeiros, mas tudo muito sereno até a primeira fífia da noite chegar com a entrega do Óscar de melhor animação. Foi anunciado o Happy Feet quando toda a gente sabe que o Óscar de melhor animação era do Cars da Pixar. Sem comentários. O período negro da noite, continuou quando entrou o Ben Afleck no palco para umas das homenagens da noite. Nessa altura, admito, estive quase a desistir e fui fazer umas torradas. Depois de barrá-las bem com manteiga, olhei para o azulejo partido da minha cozinha e pensei, isto não pode piorar mais porque já se enganaram num Óscar e o Ben Afleck entrou no palco, levantei a cabeça e mentalizei-me que as coisas podiam mudar e, para celebrar esse novo fôlego que me assolou bebi um copo de leite cheiinho até cima, de penalty, assim como quem bebe tequilla. Mandei-me para a sala e recostei-me no sofá. Entretanto o Alan Arkin ganhou o Óscar de melhor actor secundário, a melhor canção foi para uma do filme do Al Gore e as coisas começaram a fazer sentido. O primeiro pico da noite foi quando o Gustavo Santaolalla ganhou o segundo Óscar consecutivo de melhor banda sonora, depois de o ter arrecadado o ano passado com o Brokeback Mountain – ambas verdadeiramente fabulosas. Este que viria a ser o único Óscar da noite para Babel. Nesta altura já a tipa dos ídolos americanos tinha também arrecadado o Óscar de melhor actriz secundária – o que devo dizer desde já que me parece injusto, porque para premiar cantores existem outros prémios, nomeadamente os Grammys e os Globos de Ouro portugueses. Daí em frente foi sempre a subir, com o melhor argumento adaptado a recair em The Departed, e o original a saltar para as mãos do tipo que escreveu o Little Miss Sunshine.

Depois a Ellen Degeneres criou dois dos melhores momentos de televisão alguma vez transmitidos na história da TVI (o terceiro ainda estaria para vir) superando mesmo o pontapé de Marco na boca da Sónia, quando foi entregar um “argumento” ao Scorsese e pedindo depois ao Spilberg para tirar uma foto a ela própria junto do Clint Eastwood (Madeira-de-Leste) que ontem apenas se levantou para ir urinar e para entregar o Óscar (honorário) ao Morricone – visivelmente emocionado com a oferenda da academia. Absolutamente fabuloso. O melhor actor era um 50-50 entre o Forest Whitaker e o resto da malta, se bem que eu acho que o Leo já merecia um prémiozito pelo seu trabalho assim como o Peter O’Toole que ainda se dignou a ir ao teatro kodak para ver mais uma estatueta passar-lhe ao lado. A melhor actriz estava mais que confirmada, e a Hellen Mirren acrescenta assim o Óscar a um lote de prémios que já vai extenso. Depois o grande momento da noite, e que marca a história da noite oscariana quando o Spielberg o Coppola e o Lucas sobem ao palco, juntos, para entregaram, obviamente, o Óscar ao Scorsese. Não podia ser de outra forma nem podia ser entregue, por estes três, a outra personalidade que não aquela. Quando os três treparam ao palco foi um prenúncio explícito que daí a um minuto, que foi o tempo que demoraram a trocar a graçola do Óscar – porque o Lucas foi o único deles os três que não foi ainda galardoado com um Óscar – iriam anunciar o inevitável. Finalmente ouviu-se o que há muitos anos se devia ter ouvido e, o Scorsese teve a sua recompensa.

Para o último prémio aparece-nos a (outrora) bela Diane Keaton e o bicho humanóide que é Jack Nicholson, dispostos a anunciarem tudo menos “Babel”. E foi o que aconteceu, o Clint Madeiras já estava a levantar a mão a modos que a esboçar um agradecimento e um sorriso, o Spilberg também já se dirigia ao palco quando o Jack Nickolson, surpresa das surpresas, anuncia “The Departed” em vez de “Letters From Iwo Jimma”.

E acabou. Pena que passou tão rápido – para o ano há mais. Indeed.

Tiro ao Lado

2007-02-22T18:23:00.000Z

[Ou porque é que o Babel não vai ganhar o Óscar de melhor filme]

O Babel é um excelente exercício mas é um mau filme. E o problema resume-se numa frase. Não há unidade no filme. Pelo menos aparente. O diagnóstico: é um filme que se reparte em três histórias unidas por laços afectivos e circunstâncias temporais. São três histórias que se vão tocando ao longo do filme – Japão, Estados Unidos/México e Marrocos. Basicamente o Iñarritu apresenta-nos 3 ambientes culturais bastante diferentes, e dentro de cada um deles explora o choque cultural inerente quando duas delas se encontram. O problema é que há uma das histórias que é muito marginalizada em relação às outras e o elo que a liga às outras duas é demasiado frágil o que faz com que o filme não tenha um valor unitário, mas sim fragmentado. Tanto a fotografia como o elenco, assim como a intriga das histórias são boas. Muito boas. Mas o terço da história que se passa no Japão, é demasiado desligado das outras 2, ligando-se apenas por um acontecimento que está a um centímetro de ser ridículo, e a verdadeira ligação, se bem procurada e rebuscada seria essa afinidade de valores maiores que é, supostamente, transversal a qualquer cultura.

Babel para mim seria genial se, a história do Japão fosse um curta-metragem que antecedesse o filme que por sua vez seria uma alternância entre as duas outras histórias. Assim o Iñarritu ganharia um lugar perto dos Grandes Mestres e, já agora levaria a estatueta para o México. Assim, parece que quem vai levar a estatueta de melhor realizador vai ser o Scorcese e o de melhor filme vai ou para o Departed ou para o Letters From Iwo Jima – que curiosamente também se passa no Japão. Da prómixa vez pedes conselho ao Clint Eastwood, ‘tás a ouvir ó Iñarritu?

Vintage 2006 TAGV

2007-01-31T16:34:00.000Z

Pegando na deixa dada por Lima Ácida, aproveito e faço um apanhado para a malta que quer ver ou rever alguns dos objectos cinematográficos produzidos em 2006. O TAGV que é sem dúvida o melhor que aconteceu a esta cidade - e estou a incluir o aparecimento da BALA, a abertura do Fórum Coimbra e a plantação de Laranjeiras no Parque Verde – presenteia-nos com o já célebre Vintage – um olhar sobre os melhores filmes produzidos no ano passado.

O programa é o seguinte (todos os filmes têm início às 21h30m):

1 Fevereiro quinta-feira
Marie Antoinette da Sofia Copolla

2 Feveriro sexta-feira
Match Point do Woody Allen

7 Fevereiro quarta-feira
Volver do Pedro Almodóvar

12 Fevereiro segunda-feira
A History of Violence do David Cronenberg

13 Fevereiro terça-feira
Brokeback Mountain do Ang Lee

16 de Fevereiro sexta-feira
Inside Man do Spike Lee

23 de Fevereiro sexta-feira
Le Temps Qui Reste de François Ozon

24 de Feveiro sábado
Paradise Now de Hany Abu-Assad

8 Filmes que foram seleccionados para integrar os melhores de 2006, que segundo me parece, demonstram relativamente bem o que se fez durante o ano. Acho que podiam ter integrado um ou outro filme oriental – não me perguntem qual, perguntem ao Rozé, ele é que é o especialista – mas parece que, por exemplo, o The Promise também poderia figurar na lista (o Montanha Quebra-Costas, foi realizado pelo Ang Lee, taiwanês, mas é um filme americano). Parece-me que a lista é bem equilibrada e agrada-me especialmente os primeiros dias, em que um tipo, se fizer directa, terá o privilégio de ver “no mesmo dia” a Kirsten Dunst e a Scarlett na mesma tela. Mais não se pode pedir.

O Maria Antonieta é, para quem já esteve em Versailles ou para quem gosta de pop-rock, especialmente atraente, porque o filme tem essa capacidade de cruzar o “clássico” e o pop. É cool. O Match Point é, evidentemente, o melhor filme do ano e, quem não o viu deve pedir perdão a Deus e rezar bastante, para que ainda haja bilhetes para o ver no TAGV. O Volver, não faço ideia, mas pelo que ouço a malta dizer é digno de se ir ver com os pés lavados com pedra pomes e água rés. A History of Violence foi bom, muito bom mesmo de se ver, e o Cronenberg continua a fazer das suas, mas não de uma forma tão visceral, mais madura provavelmente, em que o recurso ao animalesco é feito de uma forma mais subtil, não tão directa. Uma História de Violência é isso – um Cronenberg, exactamente igual a si próprio, mas com outra linguagem formal. Depois o Brokeback Mountain, objecto que muitos caracteres obrigou a malta a debitar no mundo inteiro e aqui no blog, e que, para mim, é excepcional a vários níveis, incluindo na provocação que faz – com sucesso óbvio – à representação da sociedade actual que continua a olhar para a homossexualidade como algo maléfico que deve ser evitado e condenado a todo o custo. O Inside Man, foi uma desilusão, para mim claro, porque é inconsequente nos temas que aborda, como a corrupção e o racismo. É demasiado tangencial para ser minimamente profundo. Desiludiu-me precisamente porque foi feito pelo Spike Lee e não acho que esteja à altura de obras tão boas como o Malcom X, o Summer of Sam ou o The 25th Hour. O Le Temps Qui Rest, não vi, por isso não me posso pronunciar, ganhou um ou dois prémios no Festival Internacional de Cinema de Valladolid. Por fim o Paradise Now, que parece ser muito bom, ganhou uma data de prémios nomeadamente em Berlim e o Globo de Ouro de melhor filme estrangeiro. Está nomeado para os Óscares também nessa categoria. Resumindo, vamos ter um bom mês de Fereveiro pela frente, porque para juntar ao TAGV Vintage 2006, teremos também um campeonato nacional de futebol ao rubro, em que o Benfica dá espreitadelas ao primeiro lugar ocupado momentaneamente pelo F.C. Porto.

Para a malta masoquista que gosta de ler textos como este, ao longo deste último ano escreveram-se posts sobre alguns dos filmes que vão ser exibidos aqui no burgo conimbricense, é uma questão de procurarem aí na caixa em cima e à esquerda que diz “search”. E escreveram-se textos também sobre biologia marítima e física nuclear, mas esses foram noutros blogs.

Setenta e Nove Óscares

2007-01-24T14:57:00.000Z

Finalmente saíram as nomeações das “estatuetas mais cobiçadas de L.A.” que premeiam os “melhores” filmes de 2006 o que decorreu sem grandes surpresas, e por isso deixo aqui um par de comentários bem parciais e especulativos sobre as nomeações principais, ou não fosse este blog uma espécie de “República das Bananas Cibernética”, ou como nós aqui na redacção gostamos de lhe chamar, “Pasquim Electrónico”.

Temo que o próximo mês seja dedicado inteiramente ao debate informal de quem será o grande vencedor da noite dos Óscares, deixando mesmo para trás discussões relativas ao aborto. Não estou a ver ninguém em Hollywood preocupado com a situação da legalização ou não da interrupção voluntaria da gravidez até às 10 semanas.

Aqui a luta é feroz e apesar de ainda não ter visto nem o Babel nem o Letters From Iwo Jima, asseguro desde já aos interessados que nem o Little Miss Sunshine nem o The Queen vão ganhar o prémio, e isto não é porque não tenha gostado dos filmes, por mim até podiam ganhar os dois ex aequo, mas como são filmes oriundos de estúdios pequenos, acho que os tipos da academia vão andar mais à volta dos filmes do Scorsese e do Clint “Madeira de Leste”. Está visto que o Babel, por mais interessante que possa ser, também não vai levar a estátua simplesmente porque é realizado por um mexicano e o Óscar é um prémio norte americano. Disse.

Aqui a minha escolha é um bocado animalesca e vai por exclusão de partes. A ver. Meryl Streep, leva as tais 300 nomeações, das quais já ganhou duas ou três, não sei bem, e como já faz parte da mobília, a nomeação parece-me serena, mas, se fosse para premiar novamente a outrora bela Meryl, não me parece justo que fosse por um filme sobre moda – sim e sobre valores morais e sobre não sei quantas, mas para isso é que existem os filmes da Disney e os do Spielberg. Meryl salta do lote. Segue-se a Judi Dench, nomeada 5 vezes nos últimos 9 anos, e que ganhou o Óscar curiosamente quando interpretou o papel de rainha (Shakespear in Love), o que me apetece dizer que caso fosse a eleita para interpretar o papel que a Helen Mirren desempenhou, este parágrafo não seria tão extenso por razões óbvias. A Judi Dench que tem uma gestão muito inteligente da sua carreira porque vai ganhando ouro aos pontapés a fazer de M nos 007’s, e nos intervalos, vai fazendo papeis dignos de ganharem imediatamente um Óscar, sem sequer passar pelas nomeações, mas como já ganhou uma vez, por mim este ano pode ficar a fazer companhia à Meryl. Temos também a Penélope, esse orgulho da nação (espanhola) que, infelizmente, em Hollywood, não vai ser desta que vê o seu valor verdadeiramente reconhecido (caso haja suficiente para o ser, vamos ver o que faz no futuro).
Agora as verdadeiras candidatas ao prémio de melhor actriz. De um lado temos a Helen Mirren que, como já tinha dito anteriormente tem uma interpretação assim a modos que “para o brutal”, conta já com duas nomeações em vão como actriz secundária e provavelmente estará na hora de a premiar (até porque já está a ficar velhinha). Do outro lado temos a “muy bela” Kate Winslet, que não obstante de fazer um filminho de merda de vez em quando, é uma actriz muito boa que também já merece a estátua desde que fez o mal-amado Titanic e o incompreendido (lá pelas terras do tio Sam) Eternal Sunshine of The Spotless Mind (e ainda foi lá outras duas vezes como nomeada para melhor actriz secundária). O meu coração descai para a Katezinha, mas o bom senso leva-me a dizer Helen The Queen.

Agora é que “a porca torce o rabo”, porque como ainda não vi nenhum dos filmes vai ser mesmo à sorte (se bem que o Blood Diamond já apareceu aqui no meu computador, não sei bem como). Assim, visto à bruta, diria o seguinte: porque é que o Steve Carel não foi nomeado? (pelo Litlle Miss Sunshine) Porque se tivesse sido, a escolha era muito mais fácil. Conformando-me com esta pequena desilusão, denoto algumas ironias do destino. Primeiro vejo o Leo a ser nomeado, o que deixa muito boa gente por esse mundo fora, a arrancar cabelos e a mandarem-se contra as paredes só de pensar que a noite pode acabar com o Leo a levar consigo ouro no bolso. Depois porque o Leo é nomeado, mas não por um filme do seu “padrinho” Scorsese. Terceiro é impossível não reparar que, após 10 anos de rodarem o Titanic (e isto tem o seu coeficiente romântico) o Leo e a Kate vão finalmente “juntos” a uma cerimónia da entrega dos Óscares. Estou verdadeiramente comovido. O Peter O’Toole, essa lenda viva do cinema americano (há quem diga que foi ele que escreveu a declaração da independência) tem um historial verdadeiramente assombroso na noite oscariana: 7 foram as vezes que lá foi, e que ficou sentado – para se ter uma noção real da coisa, a última das sete nomeações data de 1983. Espantoso. Depois, 20 anos volvidos, a academia decidiu entregar-lhe o prémio honorário (2003) e este ano, volta a ser nomeado, e cheira-me que vai passar a noite sentado outra vez – afinal já lhe deram o Óscar “carreira”. Depois vem um tipo que sinceramente não conheço, ainda tentei investigar o seu passado, mas Ryan Gosling, é um tipo que faz questão em manter a confidencialidade, seguido por outro que normalmente faz papeis secundários – e bem, diga-se de passagem – e que finalmente, pelos vistos, teve a sua hipótese de brilhar, Forest Whitaker (acho que a última vez que o vi tinha sido no Phone Booth). Por fim Will Smith, que das duas uma, ou alguém tem amnésia lá para os lados da academia, ou anda aí outra pessoa com o nome de Will Smith que fazia de agente secreto na saga Men in Black. Não vejo, assim de repente, outra explicação plausível. Se bem que o gajo já tinha sido nomeado pelo Ali, por isso, admito, exagerei um pouco. Dito isto, vou num instante atirar 3 folhas ao ar com o nome dos que podem efectivamente ganhar o Óscar, e a que cair em cima da mesa, é o nome que fica. Não, agora mais a sério, aposto no Steve Carel para ganhar o Óscar (não obstante da academia se ter esquecido de o nomear).

Bem, vou então acelerar o processo de escrita, senão não há pachorra para ler isto tudo de rajada. Aqui, a escolha é bastante tendencial e pesar de ter gostado muito do Borat, do The Departed nem tanto, e de não ter visto nem o Little Children ou o Notes on a Scandal, disparo já em direcção ao Children of Men, que eu avisei, é um filmão (assim mesmo grande). Mas, como além de um coração, conto também com um cérebro que me dá azo a reflectir sobre as coisas, acho que é mesmo um desses dois (protagonizados por figuras femininas) que vai ganhar o prémio.

Aqui estou completamente às escuras e aqui sim, vou mesmo pelo coração e voto no Little Miss Sunshine que é muito porreirinho. Até deu para rir e tudo.

Finalmente a categoria mais apetecível – pelo menos para mim. Vamos aos factos (da esquerda para a direita). O Cint Madeira de Leste já conta com 3 ou 4 nomeações das quais venceu 2 vezes (nesta categoria uma pelo Million Dollar Baby e a outra pelo The Unforgiven). O Stephen Frears é aquele outsider que fez o Hi Fidelity, juntamente com o Paul Greengrass que depois do Bloody Sunday, rodou este United 93 (pelo meio ainda teve tempo da “meter o pé na argola” quando fez o Born Supremacy sucessor do Born Identity, ambos protagonizados pelo Matt Damião) mas que tirando este pequeno incidente com o Matt Nunca Fiz Nenhum Papel de Jeito Damon, até podia levar a estátua. Depois vem o Mexicano Iñarritu com as suas histórias fragmento/inter-relacionadas, tema recorrente nas suas obras. Por fim o Martin Já Devia Ter Ganho o Óscar Quando Fazia Filmes de Jeito Scorsese. Mas nunca ganhou, ficou a vê-los passar por 5 ocasiões (Raging Bull, Last Temp. Of Christ, Gooffellas, Gangs of N.Y, The Aviator – e estes foram só os relativos a melhor realização). Passemos às suposições. Supondo que os outsiders são excluídos à partida de um eventual galardão, os focos incidem então nos outros 3. O ano passado o Óscar de melhor realizador foi parar ao Oriente (Taiwan, aliás eu e o Rozé, o ano passado, tivemos uma discussão deveras emotiva sobre as diferenças étnicas e culturais entre Taiwan e a Tailândia) e este ano, supondo que os tipos queiram entregar o prémio a um conterrâneo, a disputa será (como acontecerá no Óscar de melhor filme) entre o Madeira de Leste e o Scorsese. Pensando em termos práticos, o Clint Madeiras, já levou o homenzinho banhado a ouro 2 vezes para casa, e das duas uma, ou a academia finalmente faz com que o Scorsese salte da cadeira e faça mangos a toda a gente da plateia, ou faz com que ele salte da cadeira mas para enfiar um pêro na cara do Madeiras. De qualquer das maneiras vai ser um serão bem agradável, como sempre, passado na companhia das grandes estrelas de cinema mundiais, e de um ou dois cromos que aparecem a comentar o desenrolar da coisa com o profissionalismo e rigor que a TVI já nos habituou.

Um último parágrafo para deixar mais uns tiros no escuro, em relação ao melhor actor secundário, fiquem de olho no Mark Wahlberg (esta foi a modos que esgalhada a par com o Rozé), e o Óscar de melhor animação vai, de certezinha (podem já fazer a aposta na bwin) para o Cars, da Pixar. A cerimónia é no dia 25 de Fevereiro, noite na qual se espera muito whisky e coca lá para os lados da Sunset Boulevard. Disse.

4 Pedaços de Filme

2007-01-15T10:08:00.000Z

Os cinemas em Portugal têm a modos que dois períodos distintos que alternam entre si, sendo o período intitulado por mim, “filmes pouco dignos de se ver” mais favorecido pelos senhores que os escolhem, relegando para segundo plano os que deveriam de facto prevalecer nas salas – os chamados filmes “do caraças”. E refiro-me neste caso específico à marca de complexos de cinema avantajados que teima em reinar aqui na zona centro, e que infelizmente, vai eliminando uma a uma a hipótese de outros cinemas mais pequenos, sobreviverem. Não é necessário mencionar marcas, nem tão pouco nomes de filmes que se mantêm em cena à custa de montanhas de dinheiro estourado em marketing, ou sequer o nível cultural medíocre que leva as pessoas a irem ver uns filmes ao invés de outros – isso é uma questão que nos leva, obviamente, também além fronteiras. O que me interessa aqui é ressaltar o período excepcionalmente bom em termos de qualidade de cartaz apresentado actualmente. Parece mentira, mas é verdade – a Lusomundo finalmente brinda-nos com alguns filmes em exibição simultânea dignos de referencia.

Tudo começou quando estreou o último 007. Se por um lado a facção conservadora cedo se levantou e mostrou o seu desagrado ao defender que o 007 nunca poderia ser alourado, e muito menos ter um ar de “sacana” que o Daniel Craig transmitiria, por outro não faltou quem levantasse bandeiras de apoio ao novo agente secreto britânico – principalmente ostentadas por mulheres - quando viram no eleito a hipótese de verem um James Bond louro e de olhos claros - se bem que não seria a 1ª vez. Resultado: para mim que não sou grande fã do gajo – tanto do Daniel Craig como do 007, porque o seu desempenho no Layer Cake não mostrou nada de excepcional nem tão pouco o papel que o Spielberg lhe deu no Munique – fez-me repensar na essência do herói britânico. Se ao invés de ver aquela figura ridícula do Pierce Brosnan sempre penteado e de smoking impecável enquanto salta de um avião sem para-quedas e atravessa Moscovo dentro de um tanque a disparar mísseis e a ter relações sexuais com 38 tipas enquanto descobre a password de 230 caractéres que vai impedir que o Mr. Bad Guy Worst Then Hitler expluda o mundo e arredores, se ao invés disso me mostrarem um tipo com garra que se suja cada vez que apanha um pêro na cara e se mancha com sangue cada vez que anda ao banano com outro tipo, um gajo que seja verosímil do ponto de vista humano e tenha emoções, aí fico convencido e o novo James Bond não podia ter sido melhor escolhido. O Daniel Craig é fabuloso neste papel.

Claro que antes deste 007 já estava em exibição o Children of Men que já mereceu uma critica muito positiva aqui mais em baixo neste mesmo blog. O Prestige do Christopher Nolan foi uma agradável surpresa, porque não basta ter um elenco de luxo, é preciso saber usá-lo, e o filme acabou por ficar bem interessante – e como se não bastasse até o David Bowie apareceu a dar uma mãozinha. E a Scarlett também. Depois tudo se passou assim muito rápido e chegaram 3 filmes que logo à partida podiam aspirar ao título de “memoráveis”. Apocalypto, Flags of Our Fathers e Babel. Devo confessar que ainda não tive oportunidade de ir ver o filme do Inãrritu, mas conhecendo o seu percurso, e pelo que já me chegou aos ouvidos, é provável ser justo nivelá-lo com estes dois.

O Flags of Our Fathers, não sendo para mim o melhor filme do Clint Eastwood, é uma obra digna de referência encabeçada por três razões. A primeira é o uso dos recursos técnicos que haviam sido explorados por Spielberg – que também produz este filme – no Resgate do Soldado Ryan, e que o mestre Clint renova, acrescentando a esta linguagem as cenas aéreas vistas das aeronaves, claramente também elas inspiradas noutro filme – O Aviador, Martin Scorcese – que serve para dar outra perspectiva física da acção. A segunda é a dimensão pós-traumática que o Clint Eastwood enfoca ao mesmo tempo que alterna o ambiente festivo com o bélico, incutindo ao filme uma dimensão pura muito humana comum nos seus filmes. O terceiro motivo prende-se com o facto de este filme contar com um complemento de outro filme, rodado na mesma altura e que, apresenta o episódio do desembarque e a tomada da ilha de Iwo Jima, mas vista da perspectiva japonesa – uma ideia verdadeiramente genial. Os filmes são suficientemente autónomos para serem vistos como obras independentes, mas quem visualizar os dois, ganha uma outra visão que não é (ou pelo menos espero que não seja) perceptível quando se vê apenas um deles. No Flags of Our Fathers, o Clint Eastwood deixa já algumas pontas soltas ao longo do filme, para concerteza as reatar no Letters From Iwo Jima.

Por último mas não por ser o mais inconsequente, aliás, eu até acho que este filme do Mel Gibson, é bem menino de partir tudo o que se lhe opuser em termos de galardões e de criticas menos favoráveis, porque este Apocalypto é sem dúvida uma obra que vai marcar a carreira dele atrás das câmaras. Não sei se é por ter ido ver o filme há menos de 24 horas – ou seja ainda não tive tempo de perceber se o filme é de facto uma obra prima ou se não passa de um filme excepcionalmente bom – mas a verdade é que fiquei completamente rendido ao ambiente, à intriga, à acção, à representação e à realização. O Mel Gibson até nos brinda com aquelas câmaras lentas que capturam praí 300 fotogramas por segundo, e que põem um gajo a pensar se vale a pena voltar a vir ao cinema, se sabemos de antemão que vão passar aí uns 30 filmes até encontrarmos outras assim. O filme é assim uma coisa de extraordinário. Para mim é a melhor obra do gajo. Tanto o Braveheart como a Paixão de Cristo já tinham sido exercícios muito bons de realização, mas este filme é digno de se ver enquanto se faz continência a um novo mestre que se afirma de vez no mundo da realização. Espero, contudo, não o voltar a ver em frente a uma câmara.

Assim, há razões para sorrir neste início de 2007 enquanto se sai duma sala de cinema porque se sabe que o regresso aquela zona está para breve com tantas razões para lá voltar.

O Dia em que o Penedo Ruiu

2006-12-13T14:53:00.000Z

Quem frequenta(va) regularmente este pasquim deve ter notado que, infelizmente, anda meio parado devido a uma conjugação de circunstâncias entre as quais, a escassez do assunto, derivado por um lado, do abrandamento do ritmo de trabalho aqui na produtora, e por outro, porque os últimos filmes que andam por aí, seja feita justiça, não abundam em qualidade, e assim já arranjei duas ou três desculpas esfarrapadas para me desculpar a mim e ao restante pessoal da produtora, a falta inadmissível de assiduidade, aqui, onde muita coisa começou.

Escrevo este post, porém, por um motivo bem diferente e num tom, espero, mais sério do que o habitual. É inevitável que as coisas dentro de um projecto se modifiquem ao longo da sua existência, umas iniciativas dão origem a outras, que por sua vez se desdobram e geram ainda outras, e assim sucessivamente, num ciclo ininterrupto de actividades que no fundo estão todas associadas numa corrente da qual é impossível vislumbrar o começo.

Infelizmente para a BALA um desses ciclos fechou-se. O penedo outrora habitado por 3 corpos deixou de o ser. Já não é o mesmo penedo, apesar de ainda existir. Ainda é, porém, algo muito íntimo em que se partilha uma ideia, um ponto de vista, um texto ou uma opinião. Ainda que descabida. Porque ser humano é isto – é ser-se imperfeito. É expressar-se. É sentir e dizer o que se pensa. É criar estas personagens que cada um é. É representar no dia-a-dia aquilo que se é, que se quer ser, ou que pensa ser. E este blog é uma parte disso. Sempre foi. Já o tinha dito antes. É pessoal e é para ser partilhado. Foi criado para encabeçar de uma forma orgânica um projecto que partiu do sonho de fazer algo de diferente. Algo que na nossa realidade não seria possível desenvolver individualmente. A BALA nasceu na perseguição de um sonho, que deve permanecer simplesmente porque o sonho não morreu, apenas abrandou. O penedo está mais vazio mas continua a existir.

E é num tom nostálgico que acabo o post que encerra um ciclo e enceta outro.

Ó Jóne: olha o Zodíaco!

2006-11-26T19:57:00.000Z

Retomando umas pistas deixadas pelo Jóne aqui há uns meses no nosso estimado blogue, venho por este meio anunciar que não ganhei o euromilhões (um pasteleiro de Avintes que tinha visto a primeira série do Lost ripada em divx pelo sobrinho do meio da irmã mais nova jogou com os números do Hurley, el badocha) e o filme novo do mestre Fincher tá aí quase a rebentar nos escaparates mundiais (19 de Janeiro, portanto o dia seguinte ao aniversário de um gajo altamente cujo nome me escapa por momentos).

O site é imperdível, uma mixalhada flash/3D bastante original e muito bem esgalhada e o trailer promete uma película que vai deitar a casa abaixo, à maneira do Tom Jones (ele prefere incendiá-las, como diz no refrão). O donnie dos coelhos faz o papel principal de cartoonista-de-jornal-meio-aparvalhado e andam para lá uma cambada de caramelos muito conhecidos, destacando-se o Robert Downey Jr., filho do Bob Downey Sr., que é um actor do caraças mas só entra em filmes rascas (Gothika, esse belo desperdício de fotogramas) e pior, séries segmento-SICMulher (Allie Mcbeal, advogada anoréctica para todo o serviço).

Ao passar as vistas por esta primeira amostra do Zodiac, deu logo para ver que o gajo, o Fincher, o David, continua a surpreender o pessoal com ideias inovadoras na utlização da câmara de filmar - é só ver os planos aéreos tipo birds'eye view de um táxi e de uma ponte. Resta confirmar se o argumento tem nível para isto (há sempre aquele medo de tentarem repetir aqui o 7even, o único filme de serial-killers que é realmente estupendo, para não dizer mais - no outro extremo do ranking temos O Coleccionador de Ossos , taco-a-taco com o Saw, que já vai para o terceiro tomo naquela que é conhecida como a Trilogia da Banhada) e se os actores não entram numa de dar em cabotinos, que isto de juntar tanto talento num filme nunca dá muito resultado, é esperar para ver, carísssimos.

Força aí, ó Fincher!
(já agora, arranja à malta o número da Chloe para discutirmos uma ou duas cenas do Brown Bunny)

Children of Men (e uma achega ao 007)

2006-11-11T22:24:00.000Z

Devo dizer que desde que vi, e por ordem de grandeza, o 2001 Odisseia no Espaço, o Blade Runner, e o A.I., não via um filme de ficção científica que me fazia remexer tanto na cadeira como o Children of Men. Dois terços da equipa BALA tiveram o privilégio de na mesma sessão ver, aquilo a que numa linguagem vulgar, se poderia denominar “um filme do caraças”, e foi. Mesmo. O filme é protagonizado pelo Clive Owen, esse actor que já foi o “ex-próximo James Bond” até alguém olhar para o Daniel Craig e achar que este tinha uns olhos mais, sei lá, azuis.

Por falar nisto, aproveito para abrir aqui um parêntesis sobre o universo Bond. O Rei Artur não se meteu nesse mundo, renunciou – ou ficou privado, não sei bem – de guiar BMW´s topos de gama, filmar em praias paradisíacas e, o mais importante, ter relações – fictícias claro – com mulheres oriundas de laboratórios de manipulação genética – porque esta é a única explicação possível para encontrar seres humanos perfeitos, daqueles que aparecem nos 007´s – o Clive Owen acabou por ser beneficiado, e isto não é uma piada relacionada com o facto de ele não vir a receber milhões de dólares para fazer as coisas acima mencionadas, é simplesmente uma constatação do simples facto de que a personagem fica para sempre, ou pelo menos durante muitos anos – inevitavelmente agregada ao actor. Perguntem ao Pierce Brosnan. O gajo vai ser o 007 até ter 90 anos. Um bocado como o Sean Connery que já deve andar lá perto, e ainda há quem o chame de “agente secreto”. A questão é simples e depende de como se encara a profissão (de actor). Se um tipo acredita verdadeiramente na arte nobre da representação e quer construir uma carreira com base no desafio sucessivo e permanente que é o de conceber uma personagem a partir de um guião que lhe é entregue, filme após filme, ou se é do tipo que encara a profissão como o Tom Cruise que pensa que ser actor, é “sorrir e decorar umas falas enquanto se faz uns telefonemas”. “E ser burro”. Ia-me esquecendo desta última. Sem querer fazer juízos partidários de valor, até porque podia cair no ridículo de estar aqui a defender a Representação ao invés de optar pelo caminho do Demónio, que inclui Mulheres, Dinheiro, Carros, Coca e alguma Luxúria, que acaba por ser a vidinha do 007 – da personagem e do actor – quero somente expressar o meu apreço por ver o Clive Owen “recusar” este mundo do Demo porque, afinal é um gajo que acredita na sua profissão. Se eu fosse actor, tenho que admitir, optava pelo Demo. Disse.

Voltando ao filme “do caraças” Children of Men, que foi adaptado e magnificamente realizado por El Alfonso Cuarón e que, para mim, fez uma excelente escolha ao entregar este papel ao Clive Owen. Não sendo uma performance excepcional, faz realmente um belo papel, e mostra a quem tinha dúvidas e não viu o Sin City, que sabe representar. Claro que teve a, bela, ajuda Julian Moore que infelizmente não é muito prolongada, mas que nos minutos em que habita a tela, é simplesmente maravilhosa e espalha aquela sensibilidade erótica, que faz um tipo pensar se vale a pena casar com outra mulher que não ela. Além destas duas pérolas há um conjunto de personagens secundárias que são fundamentais para o desenrolar da intriga, e que são, também elas, muito bem interpretadas. Desde o hippie-performance-maravilha-do-M.Caine de 65 anos que vive na floresta até à refugiada cigana que dá uma mãozinha aos protagonistas, passando por um grupo de refractários que têm uma revolta prestes a implodir liderada pelo Chiwetel Ejiofor (sim fui copiar o nome ao IMDB por razões óbvias) que tem dado mostras de ser um gajo que “dá uns toques” no que toca à representação.

Tudo isto em Inglaterra num futuro próximo. A premissa consiste na impossibilidade das mulheres conseguirem engravidar, e por isso a sobrevivência humana estar em risco. O filme começa em Londres, com a tecnologia uns furos acima da de hoje, os automóveis futuristas estão muito bem caracterizados - não há extravagâncias do ponto de vista estético - e existe uma intenção de apresentar um futuro sujo e caótico, assim como o resto do cenário urbano que é inteligentemente limitado, devido certamente a restrições do orçamento, mas que por isso mesmo, obrigou a encontrar soluções pragmáticas como, por exemplo, a opção de filmar grande parte do filme com a câmara ao ombro. Isto que agora anda muito na moda, mesmo em filmes de grande orçamento, e estou a lembrar-me do Missão –Impossível-3-camera-man-com-doença-de-parkinson, que teve um resultado lamentavelmente desastroso. Aqui isso funciona na perfeição, e ajuda bastante a dar a sensação de realismo, devido também à própria natureza do filme, que acaba por ser uma fuga contínua em espécie de perseguição por um bem maior, que possivelmente seria a salvação para humanidade.

Depois há que dizer, o filme tecnicamente anda muito perto da perfeição. Os efeitos especiais são tão bem usados e concebidos que fazem o que, em primeira instância foram inventados para fazer, tornar, neste caso, o futuro credível. Nada de aberrações gráficas produzidas em massa à toa, só porque alguém da produção se lembrou de comprar o Maya ou o 3D Studio. Porém o que o filme tem de melhor são os planos sequência. Porque todos estes elementos acima mencionados conjugam-se na perfeição criando sequências fantásticas de puro cinema, em que coabitam representações muito acima da média, enquanto se assiste a um desenrolar da acção que é quase sempre surpreendente, aliado a uma fluidez de câmara excepcional, tudo isto afinadíssimo na pós-produção, com o acrescento – que neste caso, como já tinha dito, é isso mesmo – de efeitos especiais pontuais. Alguns eram pró-estéticos ou executados no local, o que amplificou ainda mais o nível de dificuldade da rodagem, e que valoriza bastante o filme.

Pena que acabou tão rápido. Fico à espera que este final de ano traga mais alguma maravilha cinematográfica e estou a falar mais especificamente em alguns objectos que tardam em aparecer neste paízola operário-burlesco, como os novos filmes do Aronofsky do Richard Kelly e o do Iñarritu (The Fountain, Southland Tales e Babel, respectivamente). E claro, o da Sofia Cópula que apesar de já ter estreado em território luso, ainda é preciso gastar quase 15 contos para ir vê-lo – no caso de não se viver numa das duas grandes áreas metropolitanas – que corresponde à despesa de pegar no veículo e pagar as portagens e gasolina para ir e vir (e ver o filme no entretanto).

Brindes com Cereais

2006-10-30T16:52:00.000Z

Desde que se soube que a Kellogg’s, a multinacional americana que invadiu a Europa com os seus cereais torrados, andava a vender produtos que, devido à sua cozedura teriam eventualmente substâncias cancerígenas, houve um decréscimo abrupto de vendas tal, que, actualmente a empresa-produtora-de-cerais-e-quiçá-de-cancros, considera agora Portugal uma região de Espanha mas na qual se fala “uma língua diferente”, porque as embalagens vendidas cá, são bilingues, estão escritas tanto em castelhano como em português. A Nestlé agradeceu e os cerais oriundos dos Alpes e arredores, começaram a dominar o mercado e já nem se vêem anúncios na televisão do capitão das Estrelitas, do cão dos Chocapic, ou do resto do zoo. Não é necessário, pois a TVI e a SIC encarregaram-se finalmente de fazer um serviço público e divulgar a notícia, e neste caso a má publicidade para a Kellogg’s, foi mesmo má porque de repente a comunidade adepta dos cerais, eu inclusive, apercebeu-se que tinha passado a última década a conviver com o tigre e o galo das caixas da malfadada Kellogg’s, e visto o perigo eminente, acho que ninguém ficou com saudades de voltar a comer aquela merda cancerígena camuflada em flocos de cereais e açúcar.

A qualidade dos cereais suíços bate sem grande dificuldade a dos americanos e apesar do domínio evidente do mercado, continua a apostar numa coisa que a Kellogg’s também apostou no início, quando se queria afirmar no mercado português, mas que deixou de fazer mal arranjou um lugar bastante folgado – os brindes. Esses valiosos extras que agora povoam tudo o que é produto incluindo jornais semanais. Estes produtos como são mais direccionados para as crianças, trazem brindes que são também eles virados para o público infantil e de quando em vez aparecem os tão aguardados brindes, por mim, de filmes, que só alguns podem encarar de carácter infantil. Como os carros do filme da Pixar, Cars. Aquilo de infantil não tem nada, porque que eu saiba para se conduzir um carro, aqui em Portugal, pelo menos, é obrigatório ter-se mais de 18 anos, e isso parece-me muito pouco infantil. Assim, tanto as crianças como os adultos, podem desfrutar de réplicas em miniatura das personagens do filme-de-animação-mais-cool-desde-o-toy-story e coleccioná-las. Obviamente que são miniaturas feitas de plástico, e são moldes que têm a sua dose de defeito, mas depois de colar os autocolantes todos, puxa-se da imaginação e consegue-se ver, não antes de se fechar os olhos, claro, assim como que muito ao fundo, alguma parecença com os personagens. É pena estarem parados, e para vê-los em acção é preciso dispor de um destes três factores:

.ver o filme
.ser criança e ter imaginação fértil
.ter anomalias ao nível do lobo frontal

Mas além das figuras do Cars, há mais brindes de filmes nos cereias Nestlé. Na altura do filme As Crónicas de Narnia, tive o privilégio de encontrar também dentro de caixas de cerais, o Sr. Tumnus personagem bem interessante do referido filme. Para quem não viu o filme, felicito-o, porque há coisas muito mais interessantes que se podem fazer em duas horas, e o gajo no filme, é congelado e acho que outros personagens também são. Assim, também os bonecos-brinde podem ser postos no congelador e têm uma propriedade bastante curiosa que é a de mudarem de cor, quando permanecem muito tempo no frio – tal e qual o filme. Congelam-se e depois tiram-se do congelador, vêem congelados e espera-se que fiquem normais – tal e qual o filme. É um bocado como ter um cão mas ao invés de o ir passear na relva, leva-se o Sr. Tumnus a viajar até ao exterior da arca frigorífica e espera-se que volte ao seu estado normal, depois coloca-se novamente o gajo lá dentro para ficar escuro outra vez – tal e qual o filme.

Também a BALA, qualquer dia assina contrato com a Nestlé para a distribuição de personagens feitas em plástico nas caixas. Imagine-se o que é ter a figura do ISAAC em miniatura junto da figura do Sid Sidónio do Silent Night. Depois até podiam ficar a fumar cigarros e a conversar durante a noite de como foi divertido trabalhar com a BALA e como é ser estrela de produções independentes.

p.s. – deixo aqui juntamente com o já extenso post, uma imagem que encontrei lá para os lados da world wide web, ou terá sido no meu computador?, e me pareceu bastante interessante do ponto de vista da bizarria lúdica (a ver se encontram alguma relação entre o post e a imagem).

Disappointment Disco Song - Live!

2006-10-22T17:19:00.000+01:00

A pedido de várias famílias voltamos a disponibilizar o vídeo que produzimos para acompanhar Disappointment Disco Song, essa grande pérola do disco-pop criada pelos NoraLuca, cujo álbum de estreia, mais dia, menos dia, arruma (a banda spin-off dos morangos) os 4Taste para fora dos topes de vendas e aplica um pontapé no traseiro redondo da Floribela (deitando por terra o seu sonho de alcançar os 32 discos de platina, ficando assim longe do recorde estabelecido em '96 por Iran "é o bicho, é o bicho" Costa), substituíndo-os por pop electrónica dançável de fino recorte.

Filmado em Viseu durante um fim-de-semana em Dezembro do ano passado (com um frio do caraças); pós-produzido durante largos meses com a preciosa colaboração de Tino, o cigano do 3D; concluído algures em Março ou Maio, já não me lembra: há quem já tenha visto e até disse "tá fixe". Tenho tendência para concordar, apesar de saber que nunca conseguiremos chegar aos calcanhares disto.

O álbum homónimo dos NoraLuca vai ser relançado por estes dias, com direito a festa e tudo.
Mais notícias em breve.

(qualquer semelhança entre algumas sequências do videoclip e o Rocky - do stallone - é pura coincidência, como é óbvio).

Mais um estágio produtivo, a Norte

2006-09-23T21:19:00.000+01:00

Por uns dias, a equipa BP mudou-se de armas e bagagens para o seu gabinete de trabalho intensivo, sito algures entre o Douro e o Balsemão (isto, para quem percebe de rios). Com 4 PCs a funcionar em simultâneo, e, melhor ainda, três cérebros excepcionalmente desenvolvidos a carburar em plena sintonia, estavam reunidas as condições para atingir o zénite do vídeo docu-promo-institucional português de orçamento médio. A motivação era excelente, a preparação ,formidável, o cenário, idílico e os cereais, golden grahams.

Optou-se por tripartir as actividades entre os elementos da bala, relegando-se o canídeo para as funções de supervisão geral (como se pode conferir pela foto). Juanito ficou com a Produção de Gráficos e Chalaças Ocasionais, Sid abraçou a causa sagrada da Definição do Conceito Espaço CAJ e Levantamento Ritmado do CPU Sobre a Cabeça e el Mariachi dedicou-se com todas as forças ao mundo da Edição Não-Linear e Cozinha em Geral. Entre uma trinca numa francesinha (o prato, não o espécime feminino de tenra idade oriundo das terras gaulesas) e uma debicadela numa maçãzita verde, foi-se compondo uma bela sinfonia a 6 mãos e 4 patas, até que pelas oito da matina de sexta-feira, um dos mais potentes PCs do mundo (igual ao que foi utilizado para dividir o átomo) começou a renderizar tudo, ou seja, produzir ouro.

Resultados parciais desta quimera podem-se auferir através de um clique no vídeo aqui em cima. Para verem o resto dos separadores, dirijam-se à barra da direita, na secção VÍDEOS, onde figuram já os links (blips). Ou rumem directamente à playlist do TuTubas.

5 de Setembro, 11 de Setembro e 19 também de Setembro

2006-09-17T02:50:00.000+01:00

Como somos todos humanos, civilizados, e com consciência cívica e social, presumi à partida que das 3 datas mencionadas em cima, apenas uma é conhecida de grande parte da população, isto porque é preciso não esquecer que há pessoas que vivem em casas sem televisão e não puderam acompanhar o atentado mais espectacular da história da humanidade, sem contar claro com o pontapé do Marco que rebentou a boca à Sónia na primeira e longínqua edição do Big Brother. Esse aliás, foi o primeiro indício que "qualquer coisa não estava bem" naquela altura em que Jesus, se fosse vivo, faria 2 mil anos. A seguir foram as torres gémeas que levaram 2 bojardas, e aqui devo admitir que os talibãs, mandados pelo Demo em pessoa, porque nenhum homem seria capaz de pensar em tal atrocidade, estiveram bem melhores que o Marco que cravou o pé na boca da outra tipa, sim senhora, sem contestação, mas que afinal de contas limitou-se a derrubar uma massa mais ou menos semelhante à sua, enquanto que os talibãs, com dois aviõezitos, com uma massa bem inferior à das torres, conseguiram-nas derrubar e só tiveram que esperar mais ou menos uma hora, até elas se desfazeram todas por dentro e acabarem por tombar.

Depois o Bush mandou bombadeiros para o Afeganistão, e a partir daí os Marines mataram mais pessoas do que o tabaco produzido pela Phillip Morris. A partir daí o 11 de Setembro foi o pretexto para tudo o que o Sr. Sou-mais-burro-que-uma-porta-Bush, sonhou fazer. Mandar aviões e tanques e barcos e mísseis e tropas e metralhadoras e balas e vibradores e tudo o que se possa relacionar com a vida militar para os países que têm pretóleo debaixo da terra mas que "infelizmente têm árabes na superfície". Mandou tudo, até o Jake Gyllenhaal esteve lá uns tempos, ou pelo menos é o que mostra o filme. Nesta data em que a lavagem feita ao cérebro em torno da queda das torres gémeas foi bastante exagerada, já toda a gente sabe tudo e ninguém sabe nada, mas também depois de ter visto o filme do Al Gore, acho que ninguém se vai mais importar com as ditas torres porque dentro de 15 anos se ninguém mandar uma bomba atómica em cada cidade americana e japonesa, e nas principais capitais europeias, vamos ter todos morrer de enfartes provocados pelo aquecimento global, que como é óbvio, atingirá valores insuportáveis para nós, frágeis seres humanos.

Depois deste belo mas terrível início, passo a informar o cidadãos interessados que se quiserem vão até ao site do Greenpeace e inscrevam-se na luta para a conservação da natureza e dos tigres e dos macacos e do clima e da população em geral.

O dia 5 de Setembro, é a data oficial de abertura do Blog BALA estávamos nós a filmar o último produto de ficção que saiu daqui destes estúdios prodigiosos, na longínqua cidade de Lamego lá para os lados do rio de ouro, que fez um ano à uns dias (a festa está para breve em Coimbra, mais informações nos próximos dias). O dia 19 de também de Setembro é o dia em que a família BALA se junta novamente na cidade Mãe da BALA (Lamego). Devido à importância extrema deste reencontro, achei por bem anunciá-lo aqui no Blog. Já sabem se estiverem por acaso lá para aqueles lados e virem um tipo com mãos nos bolsos a dar ordens a outro para acartar material, e outro que é motorista e de vez em quando deixa cair câmaras porque não gosta de ginásios, já sabem, somos nós.

Um ano em grande

2006-09-09T15:19:00.000+01:00

Encomendamos um vídeo à divina Escarlate para comemorar o primeiro ano da BP e ela mandou-nos isto. Acho que ela arranjou um velhadas qualquer para cantar umas cenas por cima destas belas imagens em movimento da bela Escarlate (também em movimento). Aproiveito para dizer que podem mandar os vossos vídeos caseiros, se quiserem, que a gente publica. Beijinhos para a Escarlate e pra toda a comunidade BP, sempre nos nossos corações, voces sabem quem são.

[ clicar na imagem ]

Copo de Água

2006-09-04T16:10:00.000+01:00

Acabado de arrumar a casa, e de ordenar os dvd´s todos por ordem alfabética, organizando-os pelo ano de lançamento de cada filme, numa filmografia extensíssima com cerca de 16000 títulos, ou talvez mais, transversal a todo o século XX mas também já com bastantes títulos do século XXI, tenho finalmente o tempo necessário para escrever o texto do novo ano (lectivo). O calor bruto próprio do verão vai-se desvanecendo no litoral aos poucos, enquanto que em Coimbra, essa cidade que por certo muitos pecados há-de ter cometido perante Deus, porque outra explicação não encontro, é continuamente massacrada com ondas de calor tórrido capaz de deixar um marroquino perto da desidratação, ou pior, fazer com que o Mondego seja completamente evaporado, e desta vez nem o açude construído a jusante da cidade lhe vale. O vazio impera nesta cidade prostituta, usada e abusada pelos estudantes durante o ano, abandonada no período ócio do verão, e quem aqui fica que carregue o fardo de suportar o calor estúpido com temperaturas a rondar o que de pior acontece em Marte, e como se não bastasse, como não se vê ponta de ser humano nesta cidade, a costela portuguesa da lamentação nem sequer pode entrar em acção, e fazer o que se faz melhor que é, claro, lamentar-se aos outros da brasa que se faz sentir.

Feita que está a lamentação disfarçada de crítica, avanço para um dos motivos que me levou a escrever no Bala-blog – o Espaço CAJ. O Espaço CAJ é um conceito novo que surgiu aquando de uma das sessões da Bala em que se trabalhava na edição de um vídeo e apareceu, como que vindo ali mais ou menos do hall de entrada, a palavra-conceito Espaço CAJ. Como de imediato soou bastante apelativo, e eu creio que cada um de nós, tanto eu como o Mari, e o Rózé-Sid, sentimos que algo grande estava a nascer ali, foi com grande discernimento que nos levantámos e fomos até à cozinha beber água. Se não me falha a memória foi o próprio Mari que inclusive pegou na garrafa e fez questão de verter um pouco primeiro no seu copo, depois nos nossos, e ali estávamos nós, três companheiros de viagem no mundo do vídeo semi-profissional, a saborear um momento único em que se cria um conceito e se bebe água para comemorar.

Passada a emoção de beber a água, até porque convém um tipo beber água de quando em quando, encontrei assim como que por milagre nas páginas de uma revista portuguesa que manda umas postas sobre cinema, é mensal e tem o nome de “estreia” mas em inglês, mais uma imagem da Vanity Fair, daquelas que deixam um tipo à beira de uma paragem cardíaca. Desta vez não é a mulher-mais-sensual-do-mundo-Scarlett, nem é o universo Star Wars, mas são 5 maravilhas da natureza que se juntaram na mesma foto, e infelizmente, prometeram que a façanha nunca mais se iria repetir, mas são tipas que têm muito sex-appeal, assim como daqui à Lua, têm montes de pasta, e têm estilo. E acho que também são actrizes e acho que fazem uma série sobre gajas e para gajas, e que por engano, não passa na SIC mulher, mas sim na SIC generalista, engano esse que mais cedo ou mais tarde há-de ser corrigido. E já agora fica o apelo, mas não na comida porque de facto é nojento quando aparece um na comida e isso é bem frequente principalmente nos restaurantes chineses, à SIC e à TVI, que era se podiam criar um canal na cabo, em que pusessem lá os programas como os “melões com presunto” e a “ridículo-bela” e os filmes todos que passam aos fim-de-semanas à tarde, e já agora punham também o “inspector fax”, e porque não, codificar o canal. Obrigado.

Tudo isto para dizer que ainda não vi o Vício Miami, mas continuo ansioso por ver o Croquete Drogado e o Ray-Já-Vejo-Tudo em acção na lancha, e já agora, porque não dizê-lo, ansioso também de ver os filmes do 11 de Setembro, que têm um significado especial para mim porque no outro dia contaram-me a história de um tipo que estava a atravessar a passadeira, e como atravessou sem olhar, ia sendo atropelado por outro gajo que ia a pentear o bigode no retrovisor do carro que não o viu. Depois do susto foram os dois beber água ao salão Brasil, e mal se sentaram viram na televisão, em directo, o avião a mandar-se contra a segunda torre, e o que ia sendo atropelado até comentou para o outro, Será que o gajo também estava a pentear o bigode? Riram-se e soltaram gargalhadas enquanto engoliam em grandes tragos, a água que estava nos copos. Os incidentes desse dia uniram-nos ao ponto de ficarem amigos de sangue, e conta a estória que inclusive cortaram os pulsitos e esfregaram um no outro, o condutor era toxico-dependente e tinha sida, mas não sabia, e infelizmente, contagiou o outro que acabou por morrer precisamente um ano depois.

Hora de ver um filme e beber água.

p.s. É remotamente possível alguma informação contida no post ser falsa ou inválida, sendo isto, porém, muito pouco provável.

Miami Nice

2006-08-13T04:26:00.000+01:00

Acabadinho de chegar do cinema, onde pela segunda vez pus as gafas em cima do mui aguardado filme do Michael "the man" Mann, Miami Vice, a primeira coisa que fiz quando cheguei a casa foi escrever num post it, para mim próprio:

- deixar crescer o bigode
- começar a juntar dinheiro para um ferrari descapotável
- beber mojitos
- ter estilo

Na mesma altura em que estreia mais um filme do super-herói preferido de muito boa gente, o produtor executivo da série com mais pinta dos 80s reinventa a dupla Crockett/Tubbs em dois samurais dos tempos modernos, com um código de honra a seguir à risca e uma dama para proteger, cada um. Em vez de cavalos, temos Ferraris, Chryslers, aviões a jacto e lanchas quitadas, e as espadas foram trocadas por MACs 21, caçadeiras de cano duplo e uma espécie de mini-bazucas que deixam os mauzões um bocado indispostos quando se lhes acerta na tripa. Ao contrário do que sucedia nos saudosos eighties esta dupla do camandro não está para brincadeiras e concentra-se apenas em livrar o mundo de narcotraficantes, supremacistas brancos, ganguestéres latinos com sotaques engraçados (Aime a diszco méne, diz o José Yero) e bandalhos em geral. Claro que se puderem ter estilo ao mesmo tempo que despacham esta malta toda, melhor: o que o mundo precisa neste momento é de polícias com mais pinta que aqueles azelhas do CSI:Miami. O Jamie Foxx ganha aos pontos ao Collin Farelo na cena de "ser actor", porque consegue restringir os seus habituais excessos e encarnar o espiríto cool da personagem, enquanto o seu parceiro - apesar de, em termos visuais, ser a actualização perfeita do Don Johnson circa 85-89 - quando tenta "actuar" a sério, parece que está sempre meio drogado (já nem falo do sotaque da Gong li, que não convence ninguém).

Pinta maior ainda tem a fotografia do filme. Aproveitando as vantagens do digital de alta definição (assim como se o George Lucas soubesse trabalhar com aquilo), a maior parte das cenas desenrola-se à noite, conseguindo-se obter planos fabulosos de Miami e de outros locais, sem recurso, na grande parte dos casos, a iluminação artificial (há uma cena bestial com uma das lanchas rápidas no meio do oceano, na escuridão total, em tons de azul), e com uma certa dose de grão na imagem que fica a matar. Depois, nas cenas de exteriores filmadas de dia, principalmente em Cuba (simulada no Haiti), a composição cromática de cada plano está calibrada ao detalhe, conferindo às deambulações de Sonny Croquete e sua concubina uma dimensão pictórica realista que ultrapassa em muito a tradicional filmagem-de-rua-estilizada-tipo-documentário-com-bué-da-saturação-tipo-Traffic-que-já-chateia-um-bocado.

A câmera do Mann segue principalmente os dois pintas, abusando das cenas em aceleram no bólide, fazem acrobacias com jactos e mandam gazete na sua lancha Mojo (nome que serve para as senhoras saberem que o Croquete é mesmo muito machão), marcando o ritmo do filme, um pouco à imagem do que acontecia na série, sendo este talvez o maior ponto de contacto entre os dois produtos. A narrativa baseia-se numa operação de infiltração numa rede de narcotráfico, onde supostamente - segundo a componente filosófica que tentaram meter a martelo no enredo - a identidade verdadeira e a falsificada se começam a confundir. Durante o filme há apenas umas linhas de diálogo sobre isto, trocadas entre os dois parceiros, que não chegam para beliscar os neurónios com questões de psicologia contemporânea e, de qualquer maneira, está-se distraído com o portento visual de cada cena, por isso passa ao lado e não faz nenhuma espécie.

Após um início numa disco a todo o gás, o filme vai desacelerando até ao fim da primeira metade, atingindo um ponto crítico com os desenvolvimentos românticos entre Sonny e Isabella, a bela concubina. Este amor todo em excesso chateia um bocadito, ainda por cima, quando é sonorizado por baladonas chatinhas dos Audioslave, mas o Mann logo a seguir decide meter outra vez prego a fundo quando introduz a sequência do resgate da moça do Tubbs, uns 15 minutos de cinema puro que nos deixam colados à cadeira a pingar suor por todos os poros até alguém levar com uma bala a 800 metros por segundo na base do crânio. Isto também pode ser dito de todas as sequências de acção: o realismo do som do armamento em acção é incrível (eu tirei o curso dos Rangers em Lamego, por isso sei), não há explosões da treta nem coreografias à John Woo (que tiveram o seu tempo, o século XX) e não há nada mais bonito que os clarões das metralhadoras a comporem um belo fogo-de-artifício nocturno, que até parece que estamos numa favela do Rio de Janeiro.

O melhor está ainda guardado para a sequência final, onde, na ressaca do tiroteio tira-dúvidas da praxe, o realizador aproveita um tema instrumental dos Mogwai (que casa tão bem com a montagem que parece uma Morriconada de 5 estrelas, uma actualização do Crockett's Theme para o século XXI) para construir um final em crescendo, cruzando os pontos de vista de Croquete e Tubbs até percebermos, num simples, mas extraordinário último plano, que eles são mesmo unha com carne. Quando dois homens se amam assim (como irmãos, não como cóbóis homossexuais) é bonito.

Quando entra o genérico final (o único) já estou a pensar em ver o filme outra vez. Viva o Mann, viva Miami e vivam os blockbusters de Verão para maiores de 16! Vou preparar um mojito.

Um elefante entra numa loja de loiças e...

2006-07-19T20:49:00.000+01:00

Saudações da província. Alargando o espectro deste pasquim de frequência de actualização semanal/mensal (conforme o nosso tempo vai permitindo, entre uma e outra produção audiovisual) cabe-me introduzir alguma relevância no que se vai por aqui discutindo, deixando por isso de lado assuntos de saias, ou cuecas, de super-heróis, seus poderes telequinéticos, ou escolhas discutíveis de penteados (vide jean grey ou o famoso caracolito do super-bicho).

Ontem à noite, apesar da trovoada que ameaçava cuspir fogo e deitar a minha cabana no topo da serra por ali abaixo, comigo e o meu receptor de TV lá dentro, consegui ver o 'Elephant', do Gus Van Sant, filme que andava a tentar deitar as mãos talvez desde os anos 80, mais coisa, menos coisa. Agradeço ao pessoal da crew do canal 1, já que é a telvisão pública a única preocupada em apresentar filmes:

a) de jeito
b) sem o jackie chan, ou o will smith, ou o adam sandler
c) que não tenham já passado três vezes no último mês (tvi, último domingo: pela 34a vez, o cume de dante & pela 45a vez, a conspiração da aranha, com morgan-já-fiz-filmes-de-jeito-há-uns-dez-anos-freeman)

Como dizia, tinha criado uma certa expectativa para ver o filme, aconselhado por amigos e pelo trailer e, principalmente, por ter visto, do mesmo realizador, o Last Days, há pouco tempo (que no seu ritmo manoeld'oliveiriano - ou seja, modorra geral, ausência de movimentos de câmara, planos de 10 minutos - era um belo pedaço de cinema evocativo de uma personagem ligeiramente parecida com o kurt cobain, aquele gajo do grunge, tão a ver - não, não tem nada a ver com comunas ou outras seitas de talibans).

Começa com um puto, ar de modelo calvin klein, a chegar à escola depois de guiar o carro, com o pai, bêbado já de manhãzinha, ao lado. Chega à escola e é apanhado pelo director, porque está atrasado. Passamos para outro puto, ar de modelo calvin klein, a tirar fotos ao pessoal para fazer um portfolio. Depois há outro puto, atleta, ar de modelo calvin klein, encontra-se com a namorada (ligeiramente abaixo das medidas heroin chic standard para ser modelo calvin klein). Entretanto, já passaram 30 minutos de planos longuíssimos a seguir esta pandilha de um lado para o outro.

"Não se passa nada? Quando é que entram os mauzões dos putos satânicos a disparar sobre tudo o que se mexa?" - seria um pensamento natural por esta altura. Mas não, isto é outro filme evocativo do Gustavo Santo, movimentando-se em torno da rotina de mais um dia de aulas num típico liceu americano (à excepção de quase todos os seus alunos trabalharem como modelos para o calvin klein), que desemboca em massacre ao bom velho estilo shoot'em up/in your face/ FPS (quem passa algum tempo em frente ao computador a disparar sobre alienígenas/terroristas/civis inocentes percebe esta linguagem) - esta comparação não é muito decabida, como se poderá comprovar em algumas cenas mais para o fim do filme. Rotina que se estrutura em torno de voltas e voltas pelos corredores, seguindo cada um dos míudos/modelos em travellings belíssimos, de fazer chorar as pestanas, com uma fotografia radiosa, cortesia de um gajo chamado harry savides, que vou daqui a bocado pesquisar no imdb.

Tal como no Last Days, há uma cronologia circular, momentos que se repetem nos diferentes pontos de vista de cada um dos protagonistas, acentuando o carácter deambulatório, vagabundo, abstracto - riscar o que não interessa - da câmara, afastando de todo qualquer noção de construção narrativa, o que só fica bem quando se está a lidar com um assunto tão sério como o que aconteceu em Columbine e inspirou esta produção. Um filme que não procura explicações, nem as fornece, simplesmente um apanhado de um tempo, de uma realidade palpável, como se pudéssemos ser um intruso omnipresente em todos os acontecimentos marcantes da cultura popular deste século. Foi o que senti quando vi o Last Days, e agora, o mesmo. Talvez façam parte de uma saga (há quem diga, que juntamente com o 'Gerry', que nunca vi, estes dois filmes formam uma trilogia sobre a morte). Nada de trilogias sobre super-heróis, estão a ver.

Ficamos à espera do próximo tomo, desta vez, de preferência, com menos modelos e mais pessoas a sério. Gus, és um gajo fixe, vou-me dispôr a ver o 'Gerry' e perdôo-te aquele filme com o Matt Damon e o outro gajo que é o pior actor do mundo.

Fiquem bem. Boas férias.

X-Men(s)

2006-07-18T16:13:00.000+01:00

É verdade que a missão do Brett Ratner era extraordinariamente difícil, porque depois de se ter visto a maravilha das maravilhas que é um dos filmes de super-herois mais bem conseguidos da história do cinema, o X-Men 2, é verdade que as expectativas estariam muito elevadas. O Brian Singer depois de ter feito o The Usual Suspects, foi puxado para o projecto Marvel-bora-fazer-guito-à-custa-dos-x-men, que por acaso, deu um resultado bastante razoável, no primeiro, e no segundo, como já se disse, rebentou com tudo o que eram expectativas - boas ou más.

Coube o terceiro tomo ao Brett Ratner que vinha de uns filmes manhosos tipo Red Dragon e os Rush Hour, e que foi repescado depois do Singer ter feito um manguito à Marvel e ter-se mandado de cabeça, sem hesitações, para a DC para ir fazer o Superman (há quem ache as quecas e os collants um bocado gays), aqui a missão do Ratner já se revelava bastante penosa já que o Singer tinha pegado nos 2 primeiros filmes de uma forma muito peculiar, incutindo-lhes uma áurea tal que, se por um lado era bastante fiel, e do agrado dos fãs das bd´s, era por outro, bastante apetecível para os leigos no universo X-Men, se bem que o primeiro filme serviu um pouco como "know how e why" e por isso mesmo fica alguns pontos atrás do segundo que não necessitava de voltar a explicar tudo novamente. O primeiro foi a base para o segundo poder explodir em grande. O terceiro foi prejudicado pela troca de realizadores já em pleno processo de pré-produção que, apesar de ser uma boa adaptação do universo X-Men, perde a áurea que tinham os outros dois, neste não houve um equilíbrio são entre as relações dos personagens, a acção do filme, e a intriga. Perdeu a Marvel, e os fãs, que não tiveram nas suas expectativas uma resposta adequada por parte do filme.

Para a próxima, óh Singer, pegas num calendário e riscas os dias em ques estás ocupado a filmar o Wolvie e a gaja dele e o resto da malta mutante. Assim escusas de enterrar projectos que podiam ter sido "do belo" e foram "de merda" só para andares a filmar um gajo de collants e quecas a voar pela cidade.

p.s. - não tenho nada contra o Superman, até gosto dele, mas custa-me ver o Singer a sair dos X-Men.

Carros

2006-07-08T18:09:00.000+01:00

Bendita a hora em que foi descoberto que um fio de níquel é condutor de energia, a partir daí houve uns tipos que aproveitaram tomadas, pegaram na micro-electrónica e começaram a bombardear o mercado com pc´s, que há 25 anos atrás não serviam para nada senão para mostrar aos amigos que se tinha poder de compra, até que apareceu um tipo com 20 anos que "já na alura era contra a pirataria" e pôs-se a escrever programinhas que depois veio dar origem ao ms-dos, e o posterior windows. Isso possibilitou que ambientes virtuais começassem a ser criados inteiramente no computador inclusivé começaram aí a aparecer umas doenças estranhas que fez com que a malta começasse a duvidar se o mundo é mesmo real, ou se é virtual, há 20 anos era o Tron, hoje o Matrix, e depois houve um visionário de seu nome Luquinhas (George Lucas para os insipientes) que fundou a ILM para criar os efeitos especiais para o primeiro, quarto, tomo da saga Star Wars, na altura recorrendo a tudo, incluíndo pasta de dentes, menos a computadores, mas que em 1979 decidiu abrir uma repartição para se dedicar ao estudo das potencialidades da informática para o desenvolvimento do cinema. Em 1986 vendeu o gabinete de informática, que depois veio a dar origem à Pixar.

O Toy Story continua a ser para mim o melhor filme que a Pixar já extrudiu daquela maquinaria cara como a nossa aqui na Bala Perdida, ou se calhar chega mesmo a ultrpassar a nossa, se bem que o Finding Nemo também tinha o seu encanto, tirando a parte inicial do filme em que a mãe do peixe morre, uma cena lamentávelmente trágica que deve ter deixado muito puto a chorar no cinema e a querer ir embora para olhar para os peixes que têm no aquário, que pelo menos estão calados e se morrem uns, não choram os outros, até que a Pixar arranja uns clones do Tino e começa a extrudir Carros a torto e a direito. Carros é realmente um filme à altura do Toy Story, o único senão e é aqui precisamente que perde para o segundo, é o facto de na versão portuguesa o Miguel Ângelo, o golfinho, não fazer a voz do personagem principal, no caso o Faísca McQueen. É pena. O filme é simplesmente genial. A caracterização/humanização que incutem ao que seriam à partida meros carros é completamente incrível, logo no 5º segundo do filme, as personagens deixam de ser carros, para passarem a ser humanas na maneira como agem, como se exprimem e como se relacionam. O trabalho que a Pixar investiu no desenvolvimento da animação/caracterização de cada carro/personagem é único, o que faz com que o filme ganhe uma dimensão dupla muito interessante, criando um ambiente relaxado que facilita e potencia os momentos de humor que acontecem ao longo de todo filme. A genialidade, porém, não se esgota por aqui, há que mencionar as referências a tudo o que se relaciona com cultura rodoviária, quase sempre americana, as corridas de Nascar, a Route 66, os muscle cars, e o próprio nome da personagem principal Lightning McQueen, Faísca McQueen em português, Relâmpago McQueen em braslieiro, parece uma alusão clara ao Steve McQueen, apaixonado por máquinas, se bem que a Pixar afirma que é uma homenagem a Glenn McQueen animador da Pixar que morreu em 2002. Depois há aquele factor que normalmente existe nos filmes da Disney, que quer se goste ou não, continua a levar a melhor sobre os rivais, que é dar a cada história um princípio moral, a tentativa de incutir ao filme valores que, parecem, andar desaparecidos.

O que me deixa louco de satisfação nos filmes da Pixar, são as referências aos próprios filmes, ou ao seu próprio universo que conta já com 20 anos, como por exemplo o numero do McQueen, 95, ano de lançamento do Toy Story, primeira longa metragem Pixar, os pneus dele são Lightyear Buzzard, uma alusão por um lado, aos pneus Goodyear e por outro ao Buzz Lightyear, o astronauta do Toy Story. Para terminar o filme, a Pixar abençoa-nos com cenas de filmes do Toy Story, Monsters Inc., e A Bug´s Life, tudo transformado em personagens em forma de carros. De fazer um gajo levantar-se e bater palmas. Verdadeiramente fabuloso.

100 Deus

2006-06-27T18:40:00.000+01:00

O Mari tem toda a razão, quando no seu post bradava aos céus que este blog foi criado, em primeira instância, para manter informados os fãs, colaboradores e, até mesmo nós, elementos da video-trindade conimbrisense, do que se andava a passar no seio, não sei porquê mas esta palavra agrada-me bastante, dizia eu, no seio, e esta palavra agrada-me bastante e não foi um erro dei-me ao trabalho de escrever isto duas vezes por razões óbvias, da produtora mais promissora de Coimbra, Portugal, Europa, Mundo, Sistema Solar, Via Láctea, Universo, e tudo o que Deus se deu ao trabalho de criar para além disso mas ninguém ainda decobriu, nem com telescópios do tamanho de elefantes nem com sondas que demoram 10 anos a chegar sabe lá Deus onde, porque Deus sabe tudo, porém o certo é que temos faltado à nossa propria motivação de dar a conhecer aos outros, e a nós proprios, o que se vai passando na BALA PERDIDA.

Por outro lado o blog ganhou esta autonomia de ser um objecto orgânico que cresce ao ritmo destes três marmanjos que acreditam que qualquer dia ainda podemos dar-nos ao luxo de tratar o Fincher por tu, mas claro que isto é tudo uma questão muito estúpida porque na Lingua Universal, o inglês, nem há distinção entre a 2ª pessoa do singular e a 2ª pessoa do plural, por isso vou é lutar para que a Lingua Universal, seja a portuguesa, ou então não, e concentro-me apenas em continuar o que estava a escrever. É melhor. O blog acaba por ser uma extensão de nós mesmos, ou de personagens que queremos encarnar, ou de coisas que nos apetece dizer mas que não fazem sentido em discurso verbal, como isto, por isso escreve-se, bem diga-se de passagem, e começa-se a descortinar uma linguagem, um penedo de onde se pode gritar bastante alto, tão alto que até Deus é gajo de ouvir, e manifestar uma opinião construir uma crítica e dar espaço ao debate, quase sempre, relacionado com o cinema que é em última instância a nossa meta, ou pelo menos é o que diz no site da BP.

Como já nem sei o que estou a dizer, porque isto de escrever é "tipo entrar em transe", como diria o Boss Ac, já nem me dou ao trabalho de ler o que está para cima, e limito-me a dizer que o Blog está vivinho da Silva, e daqui a um par de meses faz um ano, que mesmo sem ter consultado os outros elementos da produtora, vai servir como aniversário comemorativo tanto do blog, como da própria Bala Perdida. Vai haver festão por isso preparem a coca e o whiskey. Tragam primas.

No dia 5 de Setembro de 2005 às 22:10 o primeiro post nasceu, dado à luz pela "bala perdida" em pessoa, se é que ela existe, e até teve direito a comentários. O segundo foi no dia a seguir e tem a primeira imagem publicada online com o selo BP. A partir daí foi sempre a disfrutar a escrever posts que receberam já o estatuto de míticos como "tino i seu horse 3d", "procura-se desaparecido", "pequeno post-it", "a neuza", "nudeza feminina", "vida agridoce", "não me lynches, ó david", "star wars" recordista no número de comentários (18), e claro, o post mais popular do blog o "100 contos". Lido assim até parece o título de uma música do Rui Veloso daquelas 80´s, tipo chico fininho.

NEU! NU onliNE!

2006-06-22T12:33:00.000+01:00

Ultimamente a lista de prioridades dos conteúdos deste blogue tem andado um bocado às avessas, já que a razão primeira da criação deste espaço tinha a ver com a divulgação "em tempo real" dos projectos que se vão realizando (por agora, nos intervalos entre um e outro jogo de bola na TV). Em lugar disso, vão-se multiplicando textos sobre os mais variados assuntos (a maior parte, julgo, não terá mesmo assunto nenhum), que sem este blogue nunca teriam oportunidade para abandonar as nossas mentes torturadas e poluir o espaço cibernético com a sua indulgência auto-satisfatória.

Justamente por causa disso, é necessário reportar que vamos conseguindo sobreviver ao mundial de futebol e até fizemos (ou, o jone fez, pelo menos 98,2% do trabalho é dele) um site bem catita e vivaço para a revista mais fixe de arquitectura e cultura urbana do universo, do planeta terra, de portugal, de coimbra ou do darq, como preferirem (não queremos induzir o pessoal em engano, por isso façam o favor de comprar, ler e fazer as opções de posicionamento da NU na vossa escala de afectos).

De qualquer maneira, queiram, por favor, rumar ao site, seguindo o link REVISTA NU, na barra mais à vossa direita, ou então cliquem aqui. Fat props pro ppl da magazine que já se tornou um (o?) ícone do dARQ (substituindo o farol como referência mitológica).

Rebuçado Fora de Prazo

2006-06-16T12:33:00.000+01:00

Olhando para o mísero panorama de filmes programados pela mui grande Lusomundo para a sua dezena de salas no centro comercial aqui do burgo, a tentação é comprar um pack mega balde de pipoca mais suminho, apanhar o bus até ao Avenida, alugar a filmografia completa do bruce willis e passar uma bela tarde no sofá a reviver belos momentos de infância, acompanhados de uma banda sonora composta exclusivamente de tiros, explosões, rajadas de ak-47, mais tiros, pneus a derrapar e mais explosões e tiros (de vez em quando há um soundbyte logo a seguir ao bruce cortar a cabeça a um tipo,ou partir-lhe o braço só com um golpe, ou enquanto coça o rabo). Ou, em alternativa, pesquisar pela net trailers filmes de acção dos anos 80 (daqueles que só saíam em vhs directo para aluguer - ninja americano I ao IV; a saga kickboxer; todos os da primeira fase da carreira do dolph lundgren, tirando o he-man e os masters do universo; etc).

Sabe-se lá porquê, decidi-me a fazer o oposto e arriscar uma ida ao cinema para ver "Hard Candy", algo intrigado pelo cartaz (catita!) que promovia o filme. Como já sabia antes de entrar, o plot tinha algo a ver com uma míuda (supostamente) inocente que seduzia um (suposto) pedófilo e depois as coisas começavam a tomar um rumo (supostamente) menos óbvio. Sim, à distância podia-se sentir já um odor a argumento-pseudo-inteligente-assim-do-género-do-saw, muito na moda nas américas por estas alturas. Mesmo assim, como sou um gajo sem preconceitos - apesar de alimentar a secreta esperança de um dia entrar na opus dei - dispus-me a refastelar-me na cadeira e apreciar o filme.

Até começa bem: belo e simples genérico com acompanhamento sonoro minimal, que introduz uma conversa, no ecrã de um chatroom, entre a presa e o caçador (ou viceversa). Encontram-se num café e começam a flirtar, ou lá o que isso quer dizer. Os diálogos iniciais estão bem escritos (ao contrário de outros de uma recente curta-metragem portuguesa, filmada no final do Verão passado e que vai ser remontada e re-sonorizada em breve) e os dois protagonistas parecem saber muito bem o que estão a fazer - especialmente a rapariga, que consegue transmitir uma ambiguidade muito subtil na maneira como seduz um gajo que é vinte anos mais velho. Estranha-se que o filme entre assim de rompante, sem meias medidas, nem construção de ambiente, nem backgrounds das personagens. Parece que o realizador tem pressa em chegar não se sabe aonde. Quando eles deixam o café e rumam a casa do gajo, que é fotógrafo de profissão, percebe-se a razão para tanta correria: o filme decorre exclusivamente dentro dessa casa.

É a partir desta altura (portanto, logo após os primeiros 15 minutos) que a coisa começa a descambar, culminando num desastre ao nível do naufrágio desse navio (falha-me o nome, de momento) que protagonizou um documentário de 7 horas (pareceram-me) realizado pelo james cameron e protagonizado pelo leo-enterra-o-martin-scorsese-di caprio. A miúda afinal não é o que aparenta (um bocado óbvia a metáfora do casaco de capuz à capuchinho vermelho - como vêem isto é mesmo material ao nível do saw) e começa a torturar o coitado do pedófilo, não porque a chavala curta mesmo a onda SM, mas porque há um esquema de vingança diabólico a cumprir (que é revelado no fim), baseado numa treta inventada à pressão que o argumentista arranjou porque as filmagens já iam começar e ele também tinha que entregar um script para o rush hour 4 e o guião dos 24 episódios da 8a série do dharma & greg. Digamos que a tortura principal aqui é a que o filme exerce sobre os pobres diabos que pagaram 4 euros pela sessão, aumentando exponencialmente cada vez que a menina abre a boca para entaramelar um discurso algures entre o feminismo, o cinismo e a rebeldia teen, que nos incita a torcer para que o pedófilo se consiga soltar das cordas e lhe aplique umas boas estaladas na cara (atenção!tudo sem laivos de sexualidade, que eu sou um homem de família) para ela calar a matraca.

De destacar também, o estilo visual mais irritante dos últimos tempos: cada vez que há uma cena com mais acção, entra em campo o "cameraman-mãos-de-gelatina", a coisa treme tanto que não se consegue distinguir nada (se calhar é um ponto positivo, então). As cores são tão saturadas que julgamos que, enquanto a acção decorre, um incêndio de proporções épicas lavra em torno da casa. Com o aproximar do fim e o consequente aumento dos bocejos na audiência, já não há a mínima pachorra para tentar apanhar o que quer que se esteja a passar no desfecho, mesmo que viessem seres do espaço num disco voador, com a forma do palácio do escorial, para teletransportar a casa para o último planeta da galáxia onde vivem o thor e os deuses nórdicos e tudo isto fosse afinal uma realidade alternativa criada pelo planeta solaris, ninguém quer saber, tanto se lhe dá. Para simplificar, a coerência narrativa do filme assemelha-se a um prato de chanfana: cheira mal, tem mau aspecto antes de se provar e depois de se provar também não é lá grande coisa.

Para concluir: rebuçados há muitos, mas os únicos de jeito são os Flocos de Neve.

Encerro o meu capítulo sobre metáforas culinárias por aqui.

(a foto dos flocos foi sacada - sem permissão, peço desculpa - do blogue Blues Por Um Interno)

24 Filth and Fury Party

2006-06-06T20:40:00.000+01:00

Numa altura que está confirmada a vinda de uma das lendas vivas do período pós anarca-punk-sex-pistols-fuck-you-and-fuck-the-future, a terras lusitanas, por um lado, encantar o coração de jovens adolescentes, e por outro, reviver ritmos cardíacos a adultos que nos anos 80 desconheciam que cavalo também era nome de animal, é motivo de regozijo harmónico e meditação profunda até ao dia do concerto que será algures nos meados de Agosto. O mito dá pelo nome de Morrissey e despedaçou o coração a metade dos adolescentes que ouviam Os Smiths, quando afirmou que era gay, a outra metade não se importou e continuou fiel ao culto da sonoridade smithiana, isto ainda eu e a malta da minha geração andávamos a pintar as paredes, a cara, a roupa, a cara dos pais e os bancos do carro, no caso de haver automóvel, com lápis de cera.

De qualquer das formas achei deveras interessante a visita do homem a Portugal e lembrei-me de um par de filmes que ajudam a compreender o panorama musical inglês entre a década de 70 e 80. Um foi realizado pelo Michael Winterbottom, cuidado para não haver confusões com o David Attenborough o tipo da BBC que andava na selva à procura de animais para ter relações sexuais ou seria para filmar, não me lembro bem, e intitula-se 24 Hour Party Peole, data de 2002 e é um fenómeno da realização espontânea, que cruza uma componente documental com a ficção, um formato que não é muito comum mas que resulta de uma forma tremendamente brilhante neste filme. A história passa-se em Manchester e começa com um tipo chamado Tony Wilson, magnificamente interpretado pelo Steve Coogan, um pequeno produtor, indie, de música que apresenta um programa na tv, e que acompanha o nascimento dos Sex Pistols, o movimento pós-punk dos Joy Division, a morte do Ian Curtis e a consequente transformação nos New Order, culminando no aparecimento da figura do D.J. que nasce, segundo o filme e a visão do gajo que vai narrando a história, num espaço industrial, no intervalo de um concerto, em que alguém passa música com vinis e as pessoas correspondem, dançando, idolatrando não um conjunto de músicos que habitualmente fazem uma performance ao vivo, mas sim uma única pessoa que com discos cria uma sonoridade, se bem que agora há aí um tipo em Coimbra que também cria sonoridades sozinho, mas em vez de se limitar a trocar vinis, toca 30 instrumentos de uma só vez, não me perguntem como porque eu nunca tive o prazer de o ver a tocar sozinho, o Legendary Tiger Man.

O outro filme dá pelo nome de The Filth and The Fury, e este sim é um documentário que obedece a moldes tradicionais, sobre os Sex Pistols, que ilustra com vídeos da época e depoimentos recentes, nomeadamente do Johnny Rotten, o carismático vocalista que encabeçava o espírito niilista e anárquico dos Pistolas do Sexo, o percurso da banda desde a sua formação, com recursos muito inteligentes, nomeadamente o enquadramento político-social e económico que se vivia em Inglaterra nos finais da década de 70, o aparecimento da onda punk, que também desabrochava noutros sítios, designadamente em Nova Iorque com os New York Dolls ou Os Ramones, o filme concentra-se em tentar explicar como foram as relações entre os elementos da banda, passando pela integração difícil e tardia do Sid Vicious, a relação ingénua com o manager, a onde que se gerou a favor e contra o movimento da banda, passando pela digressão americana, incompreendida e desenquadrada, terminando na desagregação do grupo.

Dois exemplares brutais do bom cinema que se faz sobre música por aí fora. Felizmente houve alguém que se lembrou de fazer um documentário sobre Os Smiths, intitulado “Inside The Smits”, que tem estreia agendada para o verão de 2006, produzido por uma pequena produtora independente de Manchester de nome TiB Street Films, fico então à espera que haja alguém neste país que se lembre de trazer o filme para terras nacionais brevemente.

Céu, Terra, Palha e Alcatrão

2006-05-29T14:21:00.000+01:00

Alguém me perguntasse que sítio do mundo elegeria eu para viver, uma interrogação própria de quem largou vícios da puberdade à pouco tempo, e entra agora, timidamente, numa fase em que se começam a pagar impostos ao estado, agravado com o facto de, a idade se revelar prematura no que toca a experiência de vida responderia, ingenuamente, “talvez Nova Iorque”. A resposta apesar de válida é, claro está, sonhadora, própria de um indivíduo que se encontra ainda no voo involuntário típico de quem é arremessado faz pouco tempo de um período da vida, o juvenil, idiotamente infantil, sem saber bem onde se vai aterrar.

Como há uns bons 4 anos que não punha os pés, nem a cabeça, abaixo da linha de Lisboa, voltei eu ao Alentejo e tive a possibilidade de constatar novamente, porém com outros olhos e, se bem que não de uma forma tão idílica como alguns nos fazem acreditar ser, a veracidade da beleza agreste, dourada plana e preguiçosa das terras desertas que se situam ali algures entre o Tejo e o Guadiana. Não interpretar mal, todavia, o conteúdo das minhas palavras, referente a uma subversão de vontades no que toca à vontade, imaculada pura verdadeira e absolutamente idílica, de querer, um dia, pisar os chãos de Manhattan com um cartão de morador no bolso do casaco, digamos, junto a um bilhete rasgado do dia anterior ter andado a divagar pelo Museu de Arte Moderna ou no Guggenheim. Não confundir as coisas. O Alentejo é real, Manhattan não, pelo menos por enquanto, para mim, claro está.

Foi impossível não imaginar que a estrada poderia ser a 66, e que o meu carro poderia ser um cadillac, e que estava a atravessar os U.S. e não o Alto Alentejo. Eu o céu a terra a estrada e o capim, leia-se palha, um cenário perfeitamente possível de ter sido extraído de um filme do Lynch, mas sem os fenómenos paranormais nem os cortadores de relva. Lá ia eu, dentro da minha viatura movida a combustível fóssil, que verdade seja dita, não abundava no reservatório, mas que ia sendo suficiente para me afundar nas profundezas rurais, enquanto a paisagem norte de árvore alta, verde e morfologicamente mais agressiva, depreenda-se com mais perturbações ao nível topográfico, se ia transformando ao jeito de um degradé natural, numa gravura horizontal, ouro, de arvoredo muito pontual onde abunda a palha. Ao atravessar meio Alentejo por estradas que certamente apenas por uma vez conheceram a palavra alcatrão, numa viagem em que não interessa o destino, mas sim o percurso que, quanto mais extenso, mais introspectivo e profundo se torna, tal Straight Story, ergo o punho em direcção ao céu, com o vidro totalmente aberto, e acompanho, em jeito de grito, para se ouvir, quiçá do outro lado do morro, a música que se transforma num potenciador de pura adrenalina.
No caso eram os Interpol. Nova-iorquinos claro está.

Don Perignon

2006-05-23T18:16:00.000+01:00

Ok, antes de me acusarem à bruta e pensarem que "este tipo só põe aqui fotos de gajas", pensem antes assim "este gajo é meu amigo, e mostra-me coisas bonitas". Porque, esporadicamente, como alguém disse, este belo e pitoresco sítio cibernético é por vezes alvo de tentações do Demo. Demo este que me tem tentado bastante nos últimos tempos e, alheio a isso não será o facto de a primavera estar agora no seu esplendor, e acho que inclusivé há pássaros nas árvores a chilrear, e morangos a brotar do chão, e como o calor abrasador do verão já chegou a Coimbra, cidade prematura no que toca a humidades e calores (ahahahah, ok esqueçam) eu, um comum mortal, vou cedendo às enguinações maquiavélicas do Belzebu. E a última veio em francês, e não tem nada que ver com don perignon.

Eu já lhe tinha dado uma mirada aquando do seu papel de Amélia Pulona, mas verdade seja dita, a outrora menina, frágil e vulnerável, tranformou-se numa mulher poderosa e manipuladora, enviada à terra pelo Demo, e junta-se agora às outras duas, que partilhavam o pódio na minha cabeça, e na de mais 50 milhões de homens, http://bala-perdida.blogspot.com/2006/03/nudeza-feminina.html para quem nao percebeu. Deixo aqui a imagem, obra do Demo, e espero que esta recta final da primavera me traga mais alegrias destas. Claro que o causador disto tudo foi o Déne Castanho e o seu livrinho da treta, que tenho que confessar foi bem do meu agrado, porque o tipo que fez o filme, o Róne também ele mensageiro do Belzebas, fez questão em mostrar o rosto mais bonito de toda a gália, obélix fica lá com a fabala, durante 20 minutos no final do filme, praticamente sem cortes o que, se por um lado é extremamente gratificante do ponto de vista estético e mesmo emocional, por outro não deixa de ser terrívelmente triste, porque fui o caminho todo para casa na esperança, já ela dúbia, de ver algo parecido a passar perto de mim. Escusado será dizer que mal cheguei a casa, estatelei-me no sofá durante horas em profunda depressão e a questionar o porquê de haver pessoas tão maléficas, e porque é que há um Diabo e há um Deus, quando podíamos ser todos amigos, e porque é que a Maria Madelena, no filme, não foi interpretada pela Bellucci, e porque é que a Scarllett não me telefona, e essas coisas mundanas que só perturbam o cérebro, e não deixam um tipo como eu, feito de carne e osso, e outras coisas também, dormir descansadinho como quando tinha 3 anos e pensava vida era uma palavra bonita.

Xau.

Maria Antonieta vs. Sofia Cópula: a batalha das cabeleiras postiças, Tomo I

2006-05-19T17:24:00.001+01:00

Não querendo entrar já no domínio da ciberpornografia, como vem sendo hábito (esporádico) neste pasquim electrónico, não me lembrei de melhor imagem para iniciar esta dissertação sobre um filme que só verei em Outubro, quando estrear entre nós, o pessoal que não tem convite para Cannes. Aos senhores da PJ aviso desde já que a moçoila, a Dunst, já é maior de idade, apesar de na película assumir o papel de uma jovem princesa austríaca que deposa o Luís XVnão-sei-quantos aos 19 aninhos, tornando-se automaticamente na mulher com mais grana do mundo. Montes de pasta e de poder, vivia-se bem na altura, antes destas coisas de repúblicas, democracias e vinte e cinco de abris e o pessoal do bloco sempre na TV a desbobinar um discurso incipiente.

Dizia eu, o filme está no festival de Cannes, inserido na competição oficial e, pelo aspecto do bicho, diria que vai arrumar com a concorrência, nem o tuga Pedro Costa, com mais um dos seus dramas urbano-depressivos, vai aguentar de pé no fim. Não tenho dotes premonitórios, ao contrário do professor karamba, mas mesmo só tendo pousado as vistas no trailer promocional do "Marie Antoinette", já o considero um dos melhores filmes de sempre (ok, exagero, mas tenho a certeza que é melhor que o "Spy Kids 3d"!).

É a celebração do poder do trailer! Desde o promo do homevideo da paris hilton que nada me despertava tanta vontade de ver um filme. Começa com uma música brutalíssima dos New Order, que sugere logo que isto não vai ser a treta da reconstituição histórica pseudoromântica do costume (jane austen sucks, really!). Depois vemos imagens da menina, algumas bem catitas em slo-mo, uns travellings pelos salões de baile e, quando percebemos que o rei é interpretado pelo Jason Schwartzman, temos a certeza que o filme vai arrebentar com a escala, porque um gajo que fez o papel principal no melhor filme dos últimos tempos (que o jone teve o desplante de não ver e, depois, perder a minha cópia) não pode estar errado - o algodão não engana, já dizia o mordomo e eu corroboro.

Mas será que a menina Sofia vai mesmo superar o outro melhor filme dos últimos tempos, que até foi ela que realizou e escreveu, onde o billy murray e a divina escarlate andavam a flirtar no meio de tokyo por uns dias, história de amor pós-moderno que atingiu com violência certeira os corações de românticos incuráveis, homens casados de meia-idade e ninfetas adolescentes (com dois dedos de testa e um palmo de cara) acabadas de sair da faculdade por esse mundo fora (e até gajos intratáveis como eu)? Espero até Outubro para ver e depois, se confirmar a qualidade do produto, sou o primeiro a assinar a petição para o copolla pai pedir a reforma e se dedicar à produção vinícola e a palestras sobre o apocalypse now e a trilogia do padrinho.

Vejam o trailer e não se arrependerão!

(se não gostarem vejam o trailer da lassie, também deve ser bom!)

O Código Miró

2006-05-18T15:54:00.000+01:00

Após um jejum de mais de 2 semanas, resolvi quebrar o enguiço e empenhar-me novamente na redacção de um texto. Como o relógio já deu as 4 da manhã à algum tempo atrás este conjunto de palavras, denominado texto, corre sérios riscos de não fazer grande sentido em certas passagens (como esta). O Código da Vinci é o filme que vai estoirar nas salas de cinema nos próximos dias e promete ser, por um lado, um fiasco e por outro um sucesso. Passo a explicar-me. Milhões de pessoas compraram o livro do D.B.. A Maria (Madalena) é mais falada que Cristo, o priorado do Sião deixou de ser secreto (e real), a Opus Dei anda a castrar os tipos que deixaram sair informações, e o papa até já aprovou o sexo com preservativo em certas ocasiões (no caso de haver sida ao barulho). E tudo isto porque o Da Vinci era homossexual e pintou um dos apóstolos com cara de gaja. Ou seja o Brown anda-me a estragar o prazer todo de ir a um museu e apreciar, na minha ingenuidade, que uma mulher nua pintada num quadro não passa de uma mulher nua pintada num quadro. Porque agora corro o risco de estar a olhar para o peito dela e aquilo representar, sei lá, pistas da localização dum projecto de uma bomba nuclear criada por antigos SS que trabalhavam secretamente para o Hitler algures na palestina, e que tinham estreitas ligações com o Islão, o que era uma contradição, porque o nazismo rejeitava raças (hoje em dia denominadas etnias) diferentes da ariana, mas é possível que houvessem documentos que altos dirigentes do partido nazi tivessem roubado aos (temporariamente) aliados russos, e que revelavam um segredo que iria permitir ao Hitler dominar o mundo (e a lua). Portanto, agora cada vez que olhar para um risco numa galeria de arte tenho que tentar desvendar duas coisas: a intenção do artista que, na arte pós-moderna, se releva uma tarefa praticamente impossível, e o “por detrás” da intenção. Ou seja, agora já não basta sentir-me estúpido por ver uma obra do Miró e interrogar-me “Que raio é aquilo?”. Agora a tarefa é duplamente exigente. É preciso procurar pistas em tudo o que é risco oriundo das cerdas de um pincel, em tudo o que é tela, em tudo o que é escultura. Mas por outro lado também eu próprio tenho umas questões que não encontrei resposta na história do Brown, como por exemplo, “Como é que é o traseiro da Mona Lisa?”. Esta é bastante pertinente (claro que rejeito veemente a hipótese de ela ser um gajo), e acho que mereço uma resposta no próximo livro (‘tá a ouvir Dan Brown?) que por essa altura (quando o Langdon descobrisse como era o rabo da Gioconda) seria uma saga mais extensa do que o Senhor dos Anéis (não, desta vez não vou começar a disparar comentários sobre a Weta, e vou limitar-me a dizer que há muito tempo que não ouço falar desse nome).

Agora o porquê do filme ser um fiasco e um sucesso ao mesmo tempo. Com o dinheiro estoirado na produção e na promoção do filme, é praticamente assegurado que a receita vai fazer com que o Ron Howard ainda faça filmes por mais uns tempos. Até porque como isto é uma adaptação de um best-seller, as pessoas que leram o livro querem ver se o filme corresponde à visão que tinham da história. E os que não leram o livro querem ver o filme porque ouviram dizer os que leram o livro que valia a pena ler o livro que não leram (grande!). No campo artístico o filme é bem capaz de ser um desastre (acho que posso afirmar isto mesmo antes de o ver), porque pareceu-me bastante evidente a vontade exacerbada de fazer o filme com grandes nomes do cinema mundial para que o filme fosse popularmente bem aceite. Depois há a questão de ser uma adaptação de um livro para cinema. Mas como é material muito recente e se tornou num fenómeno de culto imediato, não vai haver concerteza espaço à divagação artística e a uma articulação inteligente e rebuscada entre o texto (escrito pelo Brown) e a imagem.

De qualquer das maneiras estou em pulgas para ver o filme (até porque tenho um fraquinho pela Audrey Tautou) e porque conservo ainda uma esperança vã de, no caso de acontecerem reconstituições bíblicas, o papel da Maria Madalena ser interpretado pela Monica Bellucci.

O dia mais longo x2

2006-05-11T15:19:00.000+01:00

Mesmo antes de começar a queima já os membros da outra BP (a que não trata de petróleo e seus derivados) andavam atarefados a percorrer o país de lés a lés em busca do santo graal, que desta vez tomava a forma de um aparelho de captura audiovisual com 3 ccds, zoom óptico 16x e um corpo bem torneado, apesar de algumas esquimoses visíveis a olho nu. Foi uma espécie de on the road com menos drogas e whiskey e mais discussões tripartidas sobre a estética da arte, a solução para o conflito israelo-palestiniano e a qualidade do marisco nos casamentos (o recheio da sapateira estava excessivamente picante; o camarão não matou ninguém). Atrevemo-nos a penetrar nas profundezas da fortaleza dos CTT Expresso e aí ficamos a conhecer a máquina, um ser meio cyborg, meio lagarta, que detém o controle sob todo o correio que entra neste país, sejam massajadores faciais provenientes da Tailândia ou sabonetes aromatizados a rosmaninho, da Holanda - vai um abraço para o segundo chefe de turno e para o sr.coutinho; já o sr. josé reis desiludiu-nos um bocado quando apareceu de mãos vazias para nos receber.

Já em Coimbra, pudemos finalmente admirar o mais recente membro da família BP em todo o seu esplendor (ok, isto soa um bocado a softcore, nada disso). Depois de confirmarmos que era mesmo real, deitamos mão ao trabalho e, depois de um sono de beleza - com pepinos nos olhos e tudo, porque temos uma certa reputação de upper class pretty boys a manter - rumamos ao interior para, entre outras coisas, comer marisco, beber café e fugir de palhaços que cuspiam fogo e arrotavam a fiolho. À noitinha, já com o bucho cheio, ainda nos fizemos à estrada até Leça da Palmeira para nos juntarmos à festa de homenagem ao mestre Távora, mas, como não havia marisco e a cerveja estava inflaccionada, curtimos um electro e um funquezito e depois bazamos de vez para a sede, lutando contra o sono e discutindo se é um homem ou uma mulher que está na capa da última FHM (só pode ser um homem).

Uma aventura, meus amigos, portanto. Viemos cheios de histórias para mais tarde recordar e contar aos netos em frente à lareira. É uma vida. Vou ali até à FNAC ler qualquer coisa do Sófocles, ou do Platão. Fiquem bem.